• Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2018
    • Frédéric Teschner

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2018-Teschner-014.jpg
    • 03.02.18 → 28.04.18
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Le travail graphique de Frédéric Teschner se forge dans l’exploration empirique permanente, dans une question lancée, une photo prise à l’Iphone ou un crobard fébrile jeté dans son Moleskine. Il s’invente chercheur, non pas un de ces laborantins qui étudient et décortiquent un sujet mais un observateur boulimique, toujours à l’affût de la rencontre avec un penseur, un artiste, une œuvre, de la découverte d’une bizarrerie architecturale, une craquelure dans un mur, une image insolite… Il devient un flâneur au sens dix-neuvièmiste du terme pour qui le monde qui l’entoure compose un paysage à arpenter où débusquer icônes et expériences et dont la traversée provoque les idées en cascade. Dans ses pérégrinations récurrentes sinon quotidiennes, il glane des formes, des textures, des symptômes, des usages pour composer sa « matériauthèque ». C’est un socle, une base de données hirsute comme on en trouve dans bien des disques durs d’artistes. Les items qu’elle recèle échafaudent des scénarii graphiques comme autant de stratégies narratives et poétiques dont l’épilogue sera une affiche, un livre ou une exposition. Sa démarche de conjugaison d’icônes relève de l’alchimie, d’une tentative de transformation, de transmutation qui dépasse la simple manipulation et confrontation d’éléments préexistants.

      Frédéric Teschner était, jusqu’à sa disparition en 2016, le graphiste de Passerelle. L’hommage que nous lui rendons cette saison n’a pas de caractère rétrospectif mais se veut une plongée dans sa matière visuelle et graphique.

      Cette exposition a été sélectionnée par la commission mécénat de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques qui lui a apporté son soutien

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2018
    • Jonathan Uliel Saldanha, Vocoder & Camouflage : tactics of Decay

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2018-Jonathan-Uliel-Saldanha-005.jpg
    • 03.02.18 → 28.04.18
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • L’installation Vocoder & Camouflage joue sur la notion de toxicité électrique à travers une jungle technicolor habitée par des organismes spectraux, des ruines de voix et des aperçus de lumière filtrée. Environnement immersif, une forêt suspendue, carcasse massive de débris floraux est activée par des vibrations de lumière, de son et de fumée expirés par le procédé organique de la décomposition végétale. L’amas végétal devient écran, la surface de tiges et de feuilles, le support décadent d’optimisme numérique dans un malström de voix artificielles, d’échos, de rayonnements et d’odeurs.

      Vocoder & Camouflage est le dernier opus d’une recherche de longue date, menée par Jonathan Uliel Saldanha sur les acoustiques souterraines, l’inconscient collectif de la Terre et de ses machines verticales et animistes.

      Pendant le festival DañsFabrik, l’installation Vocoder & Camouflage sera contaminée par deux activations intitulées « Tactics of Decay ». Ces procédures intercepteront la jungle chromatique installée à Passerelle en modulant sa toxicité intrinsèque.

      Cette exposition s’inscrit dans un partenariat de production initié en 2014 avec Le Quartz, Scène nationale de Brest. Chaque année, dans le cadre du festival DañsFabrik, la scène nationale et le centre d’art contemporain questionnent ensemble les porosités et frictions entre danse contemporaine et arts visuels. Ou comment l’exposition se nourrit des pratiques chorégraphiques et vice-versa.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2018
    • Edouard Le Boulc’h, Peripheral Feed

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2018-Edouard-le-BoulcH-034.jpg
    • 03.02.18 → 28.04.18
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • On regarde une émission télé, a priori française, a priori un peu datée, des années 1980 peut-être. Sur le plateau se jouent des codes cathodiques qu’on qualifierait volontiers aujourd’hui de vintage avec son lot de cols roulés, de fond de scène neutres, d’écrans à balayage et de tables transparentes. Le tout dans une tonalité chromatique étrangement terne pour le petit écran, sorte de noir et blanc en couleur… Interrogé par un présentateur, un maître yogi américain présente un nouveau programme de communication réflexologique de son invention supposé révolutionner la nature des rapports entre êtres de conscience. A plusieurs reprises, le signal TV saute, glitch, comme sur une vieille VHS qui commence à fatiguer.

      Et tout ceci de résumer assez bien l’approche d’Edouard Le Boulc’h quelque part entre sophistication, humour pince-sans-rire et sagacité.

      Aussi sombre soit-il, il serait hasardeux de réduire son univers à une expression simple et appliquée d’une anxiété générationnelle. Toujours est-il que le jeune artiste appartient à la première génération qui n’aura pas connu le monde d’avant la révolution numérique – celle de l’accès à tout en quelques clics, de la communication dématérialisée, de l’immédiateté – et, de fait, à la première génération à se demander comment fonctionnait et ce qu’impliquait la communication avant.

      Y aurait-il à voir une certaine nostalgie ? Une lucidité à toute épreuve, plutôt. Et à l’évidence, pour l’artiste, le passé et ses occurrences sont avant tout matière à éclairer le présent. Dans un monde qui, quarante ans après le cathartique Soleil vert (Richard Fleischer, 1974), propose des repas normés de substitution à notre alimentation variée, force est de lui donner raison.

      Peripheral Feed est une partition fictionnelle à la fois visuelle et sonore. Une variation sur une certaine fin du monde…

       

      Le film Affect TV, 2018 est réalisé en collaboration avec Antonin Gerson, Gwénaël Bodet et Isaac Foxsyth.

       

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2018
    • Directing the Real. Films d’artistes et vidéos des années 2010

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2018-Directing-the-Real-005_3.jpg
    • 03.02.18 → 28.04.18
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • BASMA ALSHARIF, DANILO CORREALE, ALESSANDRA FERRINI, LOUIS HENDERSON, BASIR MAHMOOD, REBECCA MOSS, ARASH NASSIRI, EMILIJA ŠKARNULYTĖ, DRIANT ZENELI

      Directing the Real. Films d’artistes et vidéos des années 2010, sous la direction de Leonardo Bigazzi, rassemble des œuvres vidéo monocanal de neuf artistes internationaux, dont la plupart sont présentés en France pour la première fois. Cette génération d’artistes, née après 1980, opère à une époque où la confrontation avec le «réel» et sa représentation deviennent souvent nécessaires et inéluctables. Notre expérience du monde qui nous entoure est cependant de plus en plus médiatisée et altérée par les écrans et les technologies électroniques, au point que la frontière entre réel et virtuel peut être floue. Le passage de l’analogique au numérique et l’accélération de l’internet et des nouveaux médias influencent profondément le langage vidéo en générant des choix esthétiques et formels désormais bien reconnaissables dans leurs œuvres.

      Comment les artistes répondent-ils aujourd’hui à une société mondialisée où les images et les informations sont si souvent construites et manipulées pour altérer la réalité? Et comment les révolutions technologiques de ces dernières années, et la rapidité avec laquelle ces images sont partagées et consommées, ont influencé leur (et notre) vision du monde? Comment représenter un monde de plus en plus dominé par des intérêts économiques, divisé par les guerres et l’injustice sociale, et où la relation entre l’homme et l’environnement atteint un point critique? Dans un tel contexte, quel est le rôle et le potentiel de l’art et de l’espace d’exposition en tant que lieu physique de réflexion et de partage?

      Directing the Real. Films d’artistes et vidéos des années 2010 vise à offrir un aperçu de la production de neuf artistes internationaux qui ont fait de certaines de ces questions le thème central de leur pratique. Les travaux sont divisés en trois programmes thématiques. Les effets aliénants et exploiteurs du capitalisme sur le travail sont l’objet du Programme n.1; tandis que les artistes inclus dans le Programme n ° 2 ont décidé de filmer ou de créer des paysages et des lieux qui deviennent des personnages centraux de l’œuvre afin de témoigner d’une utopie ratée ou d’un futur apocalyptique possible. Enfin, les vidéos du programme n.3 ont été réalisées dans des situations où les artistes ont été contraints à des limites géographiques spécifiques pour des raisons politiques, économiques ou artistiques.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • La Période Brune (Origines moqueuses et Scepticisme du doute)

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/unnamed-2.jpg
    • 03.06.17 → 02.09.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • L’idée de période dans l’art est souvent associée à la «période bleue» de Pablo Picasso (1901-04), décrite comme un résultat de luttes personnelles et de perte. Les dernières productions de l’artiste norvégien Steinar Haga Kristensen émergent dans ce qu’il définit comme notre temps très «brun» marqué par les troubles politiques, moraux et identitaires du monde contemporain. Il l’appelle donc sa «Période Brune». On en trouve trace dès 2008 dans une exposition personnelle à Asker en Norvège sobrement intitulé «Brunt og Vanskelig» (Brown and Difficult). Depuis, cette coloration s’est développée dans un corpus riche, quoique légèrement plus polémique qui procède entre autres de la répétition de motifs subjectivement primitifs.

      Ancré dans une mélancolie productive et un certain romantisme, le travail de Steinar Haga Kristensen est porté par une grande connaissance historique de l’art, un réel engagement sociopolitique, une rapidité de penser, de faire des liens, une vaste production, une vision et un dévouement à ses œuvres. Apparemment drôles, ses pièces peuvent avoir un fort point de départ politique ou sombre. Il utilise un langage visuel vernaculaire qui brise toutes les traditions dans la façon dont il est utilisé. Steinar Haga Kristensen n’est pas intéressé par le catalogage de quelque manière que ce soit mais peut néanmoins être vu comme un rebelle avec une cause. La forme de son travail s’étend des résultats d’événements, de la performance, de la sculpture et de la peinture aux interventions vidéo et télépathiques.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • Ola Vasiljeva, Zefiro Torna

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Ola_Vasiljeva_Dear_Jargot_2.jpg
    • 03.06.17 → 02.09.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • En empruntant les moments de l’histoire, de la littérature et des mouvements contre- culturels, Ola Vasiljeva crée des environnements imaginaires dans lesquels se mêlent la sculpture, le dessin, la vidéo et les objets trouvés. Elle s’intéresse aux traces laissés laissées, aux restes, aux matériaux et éléments qui indiquent ou suggèrent. Ses installations témoignent souvent d’un désordre vivant, jonchés d’indices de performances invisibles, d’activités obscures et souvent absurdes, comme autant de substituts pour des personnages supposément hors-champ.

      Pour son exposition à Brest, l’artiste prend appui sur Zefiro Torna, un des madrigaux de Monteverdi dans lesquels les sentiments humains s’expriment, des plus légers aux plus profonds, incarnés par une musique d’une étonnante modernité. Loin de mettre en musique la pièce du maître italien, Ola Vasiljeva en interprète ce qui se passe – ou peut se passer – de l’autre côté du rideau de fond de scène, dans les coulisses, les corridors, les loges… Elle ne déroule pas une histoire ou une action mais les laisse entrevoir, incomplètes, non finies ou résolues comme si ce qui doit se jouer ici était recherché par l’espace lui-même. Dans un désordre poétique où les œuvres trouvent leur place aussi intuitivement que spontanément, l’exposition est vivante et mouvante. Elle devient un environnement suggestif mais aussi trompeur, confus, rempli de références intimes qui plonge les visiteurs dans les méandres narratifs. Artiste, œuvres et regardeurs participent alors d’une même communauté pour produire un sens a priori caché.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • Clémence Estève, Les vedettes, on ne s’en sépare pas

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/haha.jpg
    • 03.06.17 → 02.09.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • «Je n’aime pas trop les musées» écrivait, volontairement provocateur, Paul Valery en introduction de son désormais célèbre essai «Le problème des musées» en 1960. S’il semblerait hasardeux de penser que la jeune artiste française Clémence Estève souscrit à cette déclaration, il n’en reste pas moins que, dans le sillon creusé par l’écrivain, son exposition à Brest constitue avant tout une problématisation poétique de ce qu’est le musée: le lieu de la tension entre le sensible et le scientifique, entre le désir, la recherche de plaisir esthétique et le travail d’organisation et de conservation.
      Enigmatiquement intitulée Les vedettes, on ne s’en sépare pas, l’exposition est une invitation au voyage à travers des représentations de ces œuvres iconiques ou anodines qui jalonnent nos institutions et composent la collection de référence dont l’ordinateur de l’artiste regorge. Ici, pas de cohérence historique ou stylistique à chercher. Du modernisme au néo-classicisme en passant par la Grèce antique, tout y passe. En conservatrice omnipotente, Clémence Estève dispose et impose son musée.
      Car ce qui se joue ici, c’est la construction du regard de l’artiste. Les vedettes dont elle ne se sépare pas, sont celles qui fondent son rapport aux formes qu’elle offre en partage. A travers un accrochage où les éléments scénographiques s’inventent sculptures, Clémence Estève invite le visiteur à une déambulation délicate dans un espace où s’entrechoquent les catégories, où les images sont autant magnifiées qu’altérées, où se joue le problème des musées.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • Aurélien Froment, Allegro, largo, triste

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Fotolia_47776626_S-848x375.jpg
    • 03.06.17 → 02.09.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Aurélien Froment tente de porter à l’écran la musique de Franco Melis, en en suivant les lignes. Ce musicien sarde, sonneur de launeddas est le dernier représentant de l’une des deux longues lignées d’artistes à avoir été formé de manière traditionnelle. La formation d’un musicien se faisait alors en partageant les journées d’un maître, depuis le travail agricole et domestique le matin jusqu’aux leçons de musique l’après-midi, sans discontinuité entre l’art et la vie. Le maître transmet à son élève les bases de chaque sonate à partir desquelles l’élève affirmera plus tard sa personnalité de sonneur. C’est une musique relationnelle, qui passe d’un souffle à l’autre sans aucun support matériel, ni partition, ni enregistrement.

      Chaque instrument est composé de trois sections de différentes longueurs de roseaux chacune pourvue d’une anche simple que le sonneur de launeddas façonne lui même. À main droite, un roseau à 5 trous. À main gauche, un second roseau également à 5 trous couplé à un troisième roseau sans trou, le bourdon. Le sonneur joue des trois roseaux simultanément, produisant une sonate complexe à lui seul et d’un souffle continu.
      Informé par le travail de recherche et d’analyse réalisé à la fin des années 50 par l’anthropologue danois Andreas Fridolin Weiss Bentzon et par celui de l’artiste Michel Aubry, l’artiste français est allé à la rencontre de Franco Melis pour essayer de reproduire à l’écran cette musique polyphonique d’un seul homme.
      Le ruban du film passe à travers les engrenages de la caméra comme l’air circule du nez à la bouche du musicien lorsqu’il joue. Chaque morceau de musique filmé donne sa durée aux plans, sans coupe ni interruption. Les plans du film s’enchaînent comme les phrases musicales d’une sonate et jamais ne se répètent. Les lieux de tournage choisis pour porter la musique à l’écran inscrivent le son dans les différents champs de la réalité du sonneur de launeddas contemporain, reflétant autant des changements de paradigmes sociaux que la permanence d’un geste, loin de la simplification folklorique : au musée d’archéologie de Cagliari où est conservée une statuette de bronze représentant un sonneur 1000 ans avant notre ère (c’est le document le plus ancien qui atteste de la présence de l’instrument sur l’île) ; sur une colline face à Tuili, le village de Franco, site probable d’un nurraghe (constructions primitives en pierre que l’on trouve sur chaque point culminant d’un paysage, sans doute pour défendre un territoire et communiquer à distance) ; en bord de ruisseau – là où poussent naturellement les roseaux ; à l’atelier où naissent les premiers sons de la transformation patiente du matériau ; dans la cour d’une maison, là où la musique fait danser ; à l’église où les traditions païennes et chrétiennes se rejoignent ; enfin au musée local où Franco enseigne et où l’on assiste à la décomposition d’une sonate.
      Sans commentaire et sans parole, le film est le lieu d’une exposition et de la représentation d’une musique. Avec toute l’allégresse, la puissance et la mélancolie de l’original.

    • Documents d’Artistes Bretagne – ddab.org
    • 2017
    • L’agonie du calamar

    • Exposition
    • 04.02.17 → 29.04.17
      Exposition
      Documents d’Artistes Bretagne – ddab.org
    • Exposition personnelle de Thibault Pellant dans le cadre des Chantiers-Résidence à Passerelle Centre d’art contemporain, Brest.

      Bricolo déjanté, Géo Trouvetou, matériologue fasciné, les qualificatifs ne manquent pas pour tenter de définir Thibault Pellant et son approche artistique. En petit chimiste amateur, son travail ambitionne de tout résoudre par une bidouille mécanique toujours nourrie par l’imaginaire de ce kid des années 1990, de Lynch à Wenders en passant par Ballard. Dans une logique un brin loufoque, on le voit tantôt repasser sa chemise en roulant dessus avec sa voiture, procéder au lavage de ce même véhicule avec les embruns de l’océan en furie ou construire une dirty bomb dans la pure tradition esthétique de la sculpture minimale.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • L’œil la bouche et le reste

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/mark_tompkins_La_Valse_de_Vaslav_01__c__D.R_3.jpg
    • 04.02.17 → 29.04.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Commisariat : Volmir Cordeiro, Marcela Santander Corvalán, Margot Videcoq et Etienne Bernard

      Une exposition du 40e anniversaire du Centre Pompidou

    • Pensée comme un lieu d’éclatement du corps et du langage, l’exposition tente une formulation complexe, ouverte et inachevée des poétiques du visage dans le champ chorégraphique. De Valeska Gert à Luiz de Abreu, de Steven Cohen à Maguy Marin, il est question d’expression, d’expressivité du corps et de la manière dont le visage peut être à la fois considéré comme le lieu d’intensification d’un « dehors qui m’arrive » tout en étant le moyen possible d’informer tout le reste du corps. Le visage et son pouvoir expressif sont la structure cruciale du corps, comme lieu de subversion du corps, comme surface d’une première exposition, exposition à s’approprier, à explorer, revendiquer, pour mieux marcher dans la lumière du visage et dans ses phénomènes d’imprégnation.
    • C’est par association libre et à travers le désir d’inquiéter l’œil devant une masse des gestes et de phrases, que les films et vidéos ont été sélectionnés issus à la fois du champ chorégraphique, mais aussi des arts visuels, de la musique populaire ou du cinéma. Ces images dialoguent avec une partition-poème écrite par Volmir Cordeiro, transcription du début de la pièce chorégraphique L’œil la bouche et le reste. Le geste y est pensé comme pouvoir implicite de la phrase, la phrase comme pouvoir implicite du geste, comme contrepoints, lieux de résistance de l’un envers l’autre, de déchirure, de contradiction primordiale.

      Un volet performatif de l’exposition intitulé Une nuit des visages aura lieu le 04 mars 2017 dans le cadre du festival Dañsfabrik 2017. Plusieurs chorégraphes dont Marcela Santander Corvalán, Aude Lachaise, Ana Rita Teodoro, Mark Tompkins et Claudia Triozzi, proposeront des extraits de pièces au travers des films exposés ou des formes créées pour l’occasion.

       

      En partenariat avec le Quartz, scène nationale de Brest à l’occasion du festival DañsFabrik 2017.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • Another Day, Another Drama

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Selfie_BD.jpg
    • 04.02.17 → 29.04.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Aurora Sander

      Chez Aurora Sander, chaque projet est un scénario. L’exposition et les œuvres qui la composent sont systématiquement guidées par la fiction qui prend nécessairement racine dans le quotidien contemporain des artistes. La trame narrative constitue un socle de production et un filtre d’accès à un corpus résolument pop (et le plus souvent sculptural).

      C’est certainement d’ailleurs pourquoi, les deux artistes norvégiens Ellinor Aurora Aasgaard et Bror Sander Berg Størseth ont choisi, au sortir de leurs études, d’inventer un personnage dont le patronyme se compose de leur second prénom. On pourrait dire qu’Aurora Sander est à ses créateurs, nés respectivement en 1987 et 1991, ce que Bart Simpson est à ses dessinateurs. Il est, en quelque sorte, l’avatar de ces deux qui ont grandi dans le crépuscule désabusé d’un siècle d’utopies.

      Leur monde et leurs références sont ceux de la globalisation post-89, du post-modernisme viral revendiqué, du flux permanent, de l’accès prétendument si simple à l’information mais de la difficulté chronique de la vérifier… D’ailleurs, Aurora Sander,  profondément nourri par l’outil comme le contenu du web, choisit le traitement du monde contemporain par la revendication de la matérialité de la sculpture. Une re-matérialisation d’un réel qui se pense pourtant si immatériel, en somme. Il évolue en se construisant un univers imaginaire et pop qui décrit notre société en prenant bien soin d’appuyer là où ça fait mal… toujours avec humour.

      Nonchalamment intitulé Another Day, Another Drama, le projet à Passerelle Centre d’art contemporain transforme l’étage du centre d’art en haras dans lequel dix obstacles hippiques déjantés figurent le parcours du combattant que constitue chacune de nos journées, du lever au voyage en métro, aux petites confidences perfides entre collègues à la cafet’, la junk food chinoise avalée vite fait au déjeuner jusqu’à l’ivresse pathétique de fin de soirée. Dans un étal hilarant, l’exposition figure ainsi le déterminisme pop de nos parcours de vie dramatiquement sisyphéens à l’ère du leurre de la nouveauté permanente. Mais quand Camus invitait son lecteur à imaginer Sisyphe heureux, Aurora Sander pose la dimension ludique du recommencement perpétuel en préalable.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2017
    • L’agonie du calamar

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Capture-ecran-2016-11-29.jpg
    • 04.02.17 → 29.04.17
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Thibault Pellant

      Bricolo déjanté, Géo Trouvetou, matériologue fasciné, les qualificatifs ne manquent pas pour tenter de définir Thibault Pellant et son approche artistique. En petit chimiste amateur, son travail ambitionne de tout résoudre par une bidouille mécanique toujours nourrie par l’imaginaire de ce kid des années 1990, de Lynch à Wenders en passant par Ballard.

      Dans une logique un brin loufoque, on le voit tantôt repasser sa chemise en roulant dessus avec sa voiture, procéder au lavage de ce même véhicule avec les embruns de l’océan en furie ou construire une dirty bomb dans la pure tradition esthétique de la sculpture minimale.

      C’est sur la jetée du port de Brest qu’il trouve le point de départ de son exposition personnelle à Passerelle Centre d’art contemporain. Pêcheur du dimanche, il observe, fasciné, la mort des calamars dans son seau. Car au-delà d’être très goûteux une fois revenus au persil, ces céphalopodes marins ont la particularité de manifester leur agonie par une étrange crise pigmentaire. Dans une vaine complainte chromatique, toutes les spores de l’invertébré semblent clignoter à l’image de pixels organiques scintillants.
      De cette observation résultent deux vidéos aussi envoûtantes que terribles que l’artiste propose à plat au sol comme deux bassins minimaux qui viennent socler l’espace. Loin de s’arrêter à une appréciation phénoménologique, Thibault Pellant environne la décadence de l’animal de ce qu’on pourrait voir comme la traduction picturale de la chose. Armé d’un arc à souder, il scarifie des plaques d’acier préalablement passées à la bombe pour bagnole. Une fois brulées les surfaces peintes, apparaissent d’innombrables aspérités comme autant de signes. Et les plaques de devenir d’étranges pierres de rosette qu’on imaginerait volontiers dans une poursuite contemporaine de Dune.

    • Documents d'artistes Bretagne et Passerelle Centre d'art contemporain, Brest
    • 2016
    • Virginie Barré et Eva Taulois –
      « Un peu de soleil dans l’eau froide »

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/un-peu-de-soleil-dans-leau-froide-ROHAN.jpg
    • 18.06.16 → 02.11.16
      Exposition
      Documents d'artistes Bretagne et Passerelle Centre d'art contemporain, Brest
    • Virginie Barré, Eva Taulois

      Quand Éluard dit subir son «désir comme un peu de soleil dans l’eau froide», Virginie Barré et Eva Taulois semblent prendre à rebours l’émoi du poète en faisant de cette citation l’annonce amusée d’un zénith estival venant contaminer des flots bretons réputés plutôt frais. Ou faut-il plutôt y voir une tentative un brin timide bien que déterminée de conjurer un climat sociétal ces temps-ci bien frisquet ?

       

      Il y a certainement un peu des deux dans ce projet partagé par les artistes françaises réunies. À l’évidence, un air de vacances souffle cet été sur la Galerie de Rohan de Landerneau.
 S’il fallait qualifier en deux coups de cuillère à pot leur proposition, on pourrait dire qu’elles inondent de couleur cette ancienne boutique de centre-ville. Ce « peu de soleil» se veut un étal de gestes simples, vifs et vivants qui conjugue tonalités et obsessions des deux artistes.

       

      Quand Virginie Barré égraine les indices de l’imaginaire, Eva Taulois ouvre par l’abstraction colorée des potentialités fictionnelles. 
Et l’exposition de dessiner le décor composite d’une fiction à inventer dans la réunion délicate de ces deux approches.

       

      Un partenariat entre Passerelle – Centre d’art contemporain de BrestDocuments d’Artistes Bretagne et la Ville de Landerneau

    • Documents d’Artistes Bretagne – ddab.org
    • 2016
    • Anita Gauran – « Polyregard in the dark »

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Rayogrammes_2016_Anita_Gauran-e1464861932875.jpg
    • 04.06.16 → 28.08.16
      Exposition
      Documents d’Artistes Bretagne – ddab.org
    • Exposition personnelle de ANITA GAURAN dans le cadre des Chantiers-Résidence à Passerelle Centre d’art contemporain, Brest.

      Anita Gauran visite des musées et des sites archéologiques munie d’un appareil argentique. De retour dans l’atelier, pas de photoshopage ni d’impression numérique donc, mais un travail patient dans la chambre noire dont elle ressort des épreuves qu’elle a révélées de ses propres mains.

      Du 4 juin au 27 août 2016
      Vernissage le vendredi 3 juin à 18h.

      Infos : http://www.leschantiers-residence.com/anita-gauran/

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • LES CHANTIERS-RÉSIDENCE : APPEL À CANDIDATURE

    • Résidence
    • 22.03.16 → 10.06.16
      Résidence
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Passerelle Centre d’art contemporain, Brest et Documents d’Artistes Bretagne lancent un nouvel appel à candidature pour les Chantiers-Résidence.
      Le programme de résidence accueille chaque année deux artistes récemment diplômés vivant et travaillant sur le territoire de la Région Bretagne.

      Périodes de résidence :

      • De novembre 2016 à janvier 2017 et de mars à mai 2017
      • Date limite de réception des candidatures : vendredi 10 juin 2016.
      • Télécharger l’appel à candidature > Les Chantiers-Résidence 2016-2017


      Contacts :
      Résidence Les CHANTIERS
      Passerelle Centre d’art contemporain
      41 rue Charles Berthelot
      F – 29200 Brest
      contact@leschantiers-residence.com

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Emmanuelle Huynh & Jocelyn Cottencin A taxi driver, an architect and the High Line

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/visuel2.jpg
    • 06.02.16 → 30.04.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • A taxi driver, an architect and the High Line est une trilogie filmée. C’est un portrait de la ville de New York à travers trois caractères et leurs relations à l’espace et l’architecture. Les deux premiers personnages sont humains (Phil Moore est chauffeur de taxi ; Rick Bell est architecte), le troisième est un monument : la High Line. Coulée de verdure au cœur de la cité, la High Line est métaphoriquement considérée comme une personne qui traverse la ville, la révèle et provoque la rencontre entre individus et récits.

      Les films rassemblent mémoires physiques, histoires intimes et espaces. Chacun d’entre-eux évolue entre fiction, documentaire, performance et poésie. Le projet est avant tout un dialogue avec chacun des protagonistes, une recherche à travers leur mémoire physique et leur histoire personnelle. Des gestes, des mouvements, des trajets sont identifiés et déployés dans la ville. Ils peuvent être replacés dans leur contexte d’origine comme déplacés. En contrepoint, le regard porté sur New York s’intéresse aux activités quotidiennes, aux gestes liés au travail, au rythme de la ville.

      A taxi driver, an architect and the High Line est aussi une aventure artistique partagée par une chorégraphe et un artiste contemporain dans laquelle chacun questionne en permanence le champ de l’autre. Le geste dansé, aussi discret et intime soit-il, est l’outil d’expérimentation et de définition de l’urbanité. L’espace et la temporalité de l’installation vidéo en deviennent alors le support pour être à leur tour remis en jeu dans la performance chorégraphique.

       

       

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Jorge Pedro Nuñez Every dodo is not a tree

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/dodo.jpg
    • 06.02.16 → 30.04.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Jorge Pedro Nuñez propose une installation totale, rationnelle et rationnalisée, équilibrée, organisée qui neutralise l’espace ouvertement industriel du centre d’art contemporain. En jargon de l’art, moderniste. Et c’est en effet dans le fonctionnalisme occidental fondateur d’un vingtième siècle conquérant aussi bien que dans son pendant esthétique sud-américain que Jorge Pedro Nuñez puise les moteurs et ressorts de sa pratique profondément référencée. Il apparaît évident, quand on entre dans son exposition à Passerelle, que l’artiste maîtrise parfaitement l’histoire de l’art qui l’a précédé et se permet volontiers d’en user et abuser, avec l’humour et l’irrévérence qui le caractérise.

      Dans une tradition proprement latino américaine, sa démarche est empreinte d’un certain syncrétisme ou tropicalisme. Elle procède du mélange d’influences, de la collusion des univers et des registres. Jeux de combinaison de matières ou d’objets glanés, ses sculptures sont à lire comme autant de poèmes à l’intransigeance manufacturée. Quelque part entre le salon bourgeois et le hall de banque, l’installation dessine un univers élégant et concret, fait de plaques métalliques montées sur châssis, de moquette géométrique et de sculptures constructivistes dont émane une magie étrange. Jusque dans son titre « Every dodo is not a tree » qui évoque, certes un arbre, mais avant tout un oiseau, victime emblématique de l’impérialisme européen, désormais devenu légendaire.

      Sans le définir comme un artiste militant, car ce n’est pas là que se joue le travail, il n’est pas faux de voir dans ce travail une critique post-coloniale aussi brute de décoffrage fusse-t-elle. Au mur, dans ces toiles métalliques sont incrustées de petits disques. En s’approchant, on s’aperçoit qu’il s’agit de boites de conserve. Au delà de l’anecdote, celles-ci sont vues ici comme l’expression pure d’une globalisation aujourd’hui responsable des maux du monde et surtout de son sud. Il en est de même, dans la sculpture Clouzot-Beckett (Picnic), 2015, un écran diffuse une boucle extraite du Salaire de la Peur de Clouzot qui décrivait en 1953 les conditions dantesques de l’extraction du pétrole au Vénézuela.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Francis Raynaud La mer vineuse

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/pied2-2.jpg
    • 06.02.16 → 07.02.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Les flots que navigue Francis Raynaud seraient de vin, donc. La mer vineuse du jeune artiste est une invitation à l’ivresse, ce voyage solitaire en eaux troubles. Et c’est bien une odyssée joyeuse éthylique, heureusement confuse, que postule l’accrochage hirsute et généreux de l’exposition. On plonge, en effet, dans un malstrom référentiel et sémiotique dans lequel se conjuguent, s’égarent et se confrontent des formes aussi hétéroclites : une cuve de récupération des eaux de pluie rehaussée d’une forme de cuivre, un triclinium antique bizarrement haut sur pattes ou encore une toile d’araignée en tôle découpée.

      L’exposition est une plongée dans la matière au sens littéral du terme, dans le travail de sculpture car Francis Raynaud revendique bien une posture de l’artiste touche-à-tout engagé, dans son corps et dans ses tripes, dans le geste qui fait forme. Pourtant, cette dernière est toujours mise en jeu dans un univers symbolique qui fonde un récit, résolument intime et ostensiblement viscéral. Il y a, ainsi, quelque chose d’attendrissant, qui fait sourire chez Francis Raynaud mais on s’aperçoit bien vite que le voyage auquel l’artiste nous convie est bien plus périlleux qu’il n’y paraît de prime abord. De là à le taxer de machiavélisme, il n’y a qu’un pas.

      Et l’exposition de se dérouler comme une tragédie classique où protagonistes et décors s’engagent dans une danse hasardeuse. Ces œuvres iconoclastes deviennent poèmes-objets à l’apparente simplicité qui, dans leur multiplication goulue, construisent une complexité jubilatoire, une ivresse.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Emmanuelle Huynh & Jocelyn Cottencin A taxi driver, an Architect and the High line

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2016-Huynh-Cottentin-001-bis.jpg
    • 06.02.16 → 30.04.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • A taxi driver, an architect and the High Line est une trilogie filmée. C’est un portrait de la ville de New York à travers trois caractères et leurs relations à l’espace et l’architecture. Les deux premiers personnages sont humains (Phil Moore est chauffeur de taxi ; Rick Bell est architecte), le troisième est un monument : la High Line. Coulée de verdure au cœur de la cité, la High Line est métaphoriquement considérée comme une personne qui traverse la ville, la révèle et provoque la rencontre entre individus et récits.

      Les films rassemblent mémoires physiques, histoires intimes et espaces. Chacun d’entre-eux évolue entre fiction, documentaire, performance et poésie. Le projet est avant tout un dialogue avec chacun des protagonistes, une recherche à travers leur mémoire physique et leur histoire personnelle. Des gestes, des mouvements, des trajets sont identifiés et déployés dans la ville. Ils peuvent être replacés dans leur contexte d’origine comme déplacés. En contrepoint, le regard porté sur New York s’intéresse aux activités quotidiennes, aux gestes liés au travail, au rythme de la ville.

      A taxi driver, an architect and the High Line est aussi une aventure artistique partagée par une chorégraphe et un artiste contemporain dans laquelle chacun questionne en permanence le champ de l’autre. Le geste dansé, aussi discret et intime soit-il, est l’outil d’expérimentation et de définition de l’urbanité. L’espace et la temporalité de l’installation vidéo en deviennent alors le support pour être à leur tour remis en jeu dans la performance chorégraphique.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Jorge Pedro Nunez Every dodo is not a tree

    • Exposition
    • 06.02.16 → 30.04.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Jorge Pedro Nuñez propose une installation totale, rationnelle et rationnalisée, équilibrée, organisée qui neutralise l’espace ouvertement industriel du centre d’art contemporain. En jargon de l’art, moderniste. Et c’est en effet dans le fonctionnalisme occidental fondateur d’un vingtième siècle conquérant aussi bien que dans son pendant esthétique sud-américain que Jorge Pedro Nuñez puise les moteurs et ressorts de sa pratique profondément référencée. Il apparaît évident, quand on entre dans son exposition à Passerelle, que l’artiste maîtrise parfaitement l’histoire de l’art qui l’a précédé et se permet volontiers d’en user et abuser, avec l’humour et l’irrévérence qui le caractérise.

      Dans une tradition proprement latino américaine, sa démarche est empreinte d’un certain syncrétisme ou tropicalisme. Elle procède du mélange d’influences, de la collusion des univers et des registres. Jeux de combinaison de matières ou d’objets glanés, ses sculptures sont à lire comme autant de poèmes à l’intransigeance manufacturée. Quelque part entre le salon bourgeois et le hall de banque, l’installation dessine un univers élégant et concret, fait de plaques métalliques montées sur châssis, de moquette géométrique et de sculptures constructivistes dont émane une magie étrange. Jusque dans son titre « Every dodo is not a tree » qui évoque, certes un arbre, mais avant tout un oiseau, victime emblématique de l’impérialisme européen, désormais devenu légendaire.

      Sans le définir comme un artiste militant, car ce n’est pas là que se joue le travail, il n’est pas faux de voir dans ce travail une critique post-coloniale aussi brute de décoffrage fusse-t-elle. Au mur, dans ces toiles métalliques sont incrustées de petits disques. En s’approchant, on s’aperçoit qu’il s’agit de boites de conserve. Au delà de l’anecdote, celles-ci sont vues ici comme l’expression pure d’une globalisation aujourd’hui responsable des maux du monde et surtout de son sud. Il en est de même, dans la sculpture Clouzot-Beckett (Picnic), 2015, un écran diffuse une boucle extraite du Salaire de la Peur de Clouzot qui décrivait en 1953 les conditions dantesques de l’extraction du pétrole au Vénézuela.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2016
    • Francis Raynaud La mer vineuse

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/CACP-2016-Francis-Raynaud-027bis.jpg
    • 06.02.16 → 30.04.16
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Les flots que navigue Francis Raynaud seraient de vin, donc. La mer vineuse du jeune artiste est une invitation à l’ivresse, ce voyage solitaire en eaux troubles. Et c’est bien une odyssée joyeuse éthylique, heureusement confuse, que postule l’accrochage hirsute et généreux de l’exposition. On plonge, en effet, dans un malstrom référentiel et sémiotique dans lequel se conjuguent, s’égarent et se confrontent des formes aussi hétéroclites : une cuve de récupération des eaux de pluie rehaussée d’une forme de cuivre, un triclinium antique bizarrement haut sur pattes ou encore une toile d’araignée en tôle découpée.

      L’exposition est une plongée dans la matière au sens littéral du terme, dans le travail de sculpture car Francis Raynaud revendique bien une posture de l’artiste touche-à-tout engagé, dans son corps et dans ses tripes, dans le geste qui fait forme. Pourtant, cette dernière est toujours mise en jeu dans un univers symbolique qui fonde un récit, résolument intime et ostensiblement viscéral. Il y a, ainsi, quelque chose d’attendrissant, qui fait sourire chez Francis Raynaud mais on s’aperçoit bien vite que le voyage auquel l’artiste nous convie est bien plus périlleux qu’il n’y paraît de prime abord. De là à le taxer de machiavélisme, il n’y a qu’un pas.

      Et l’exposition de se dérouler comme une tragédie classique où protagonistes et décors s’engagent dans une danse hasardeuse. Ces œuvres iconoclastes deviennent poèmes-objets à l’apparente simplicité qui, dans leur multiplication goulue, construisent une complexité jubilatoire, une ivresse.

    • Passerelle Centre d’art contemporain
    • 2015
    • Shake what your mama gave you

    • Exposition
    • http://www.artcontemporainbretagne.org/wp-content/uploads/Geo_Passerelle_web.jpeg
    • 12.11.15 → 26.11.15
      Exposition
      Passerelle Centre d’art contemporain
    • Marie Bette, Marion Bailly-Salin, Nicolas Desverronnières, Nicolas Floc'h, Nicolas Momein, Valentin Ferré, Capucine Vever, Catherine Rannou, HeHe, Julie Morel, Laurent Tixador

      L’exposition présente une sélection de pièces réalisées durant trois années d’expérimentations, de résidences et de propositions plastiques au sein de Géographies variables, projet de recherche de l’EESAB, inscrit dans le programme « territoires extrêmes ».

      Géographies variables réunit une vingtaine de praticiens (artistes, étudiants, critiques, commissaires, philosophes) et s’attache à questionner la pratique artistique dans des conditions géographiques ou symboliques extrêmes.
        Commissariat : Etienne Bernard, directeur de Passerelle, Centre d’art contemporain, Roxane Jean, diplômée de l’EESAB et Julie Morel, artiste et enseignante à l’EESAB, responsable du projet.