L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec l’artiste Benjamin Halimi-Brandani pour découvrir l’exposition “Barbarià” de manière plus approfondie.

>16h, gratuit, ouvert à tous

Dans le cadre de leurs résidences dans les monts d’Arrée et en écho à l’exposition les alentours, méandres vous propose une rencontre avec Dana Cojbuc et Coline Jourdan.

Elles présenteront l’avancement de leurs recherches réalisées en résidence — les dimensions d’expérimentations et le processus de travail.

Cette rencontre permettra de partager avec les habitants des regards sensibles sur leur territoire, mais aussi le travail “d’approche”, la manière dont les artistes portent leurs regards et la manière dont le territoire vient influer leurs projets.

Présence d’un éventuel invité — chercheur, habitant, jardinier, historien… pour mettre en dialogue des registres et des niveaux de savoirs divers.

For the second time, Quinconce is offering Master's students in Visual Arts at Rennes 2 University the opportunity to participate in a group exhibition. This project is part of their training as young artists: responding to a call for proposals, considering the spatial arrangement of their work, producing a publication, and collaborating with curators. This exhibition provides them with their first professional experience upon graduation.

This second installment brings together the works of Alan Kervarec, Anna Neizvestnova, Bianca Anguenot, Carla Froissard, Dorine Penard, Lucas Rabaud, Maëlle Resmond, Nikita Gregorenko, Olga Pineau, and Demi Yaodan, all exploring the themes of struggle and protest movements.

La Fourmi-e et La Fiselerie s’associent à l’occasion de la fête de la Bretagne 2026 et vous présentent DISKORD. Un festival pluridisciplinaire, populaire et engagé dans la pérennisation des savoir-faire des patrimoines/matrimoines artistiques et culturels bretons. Aussi, le festival DISKORD reflète une volonté commune d’accompagner la diffusion de pratiques artistiques alternatives, originales et indépendantes, tout en ouvrant un espace ou la langue bretonne sera mise à l’honneur, aussi bien dans une approche traditionnelle, contemporaine, qu’expérimentale.

DISKORD souhaite mettre en avant des formes d’expression nées au sein de contre-cultures avant d’opérer, au fil des décennies, une transition progressive vers une reconnaissance institutionnelle et une adoption massive par le grand public. Ce passage de la marge vers le centre, témoigne d’un cycle culturel, dans lequel certaines pratiques émergent en rupture avec les codes dominants, se développent dans des milieux alternatifs, puis finissent par transformer en profondeur le paysage culturel global.

À travers sa programmation entre les arts visuels et la musique, DISKORD légitimise et met en lumière la vitalité actuelle de formes, qui autrefois marginales, sont désormais au cœur de la création contemporaine. Ce dialogue entre ces disciplines permet de questionner les frontières mouvantes entre cultures minoritaires et cultures de masse, tout en affirmant la nécessité de soutenir l’innovation artistique, les identités régionales et les expressions populaires qui continuent de façonner notre imaginaire collectif.

Au programme : spectacle dessiné (Nuit Noire, par Ojûn, Titwann & Younn Locard), expositions (Sach Blev, par Nathalie Bihan et La Lucarne de Ti Récup’), concerts (Nous fabriquerons des merveilles, par Claire Rose Barbier & Véronique Bourjot et Plouz & Foen), marché de créateur.rices breton.nes.

Samedi 16 mai [14h30-18h]

Les artistes vous présenteront leurs recherches artistiques ainsi que les œuvres en cours de réalisation.

Ouvert à tou(te)s

Résidence SNCF 1 rue de Dinan Saint-Jacut-de-la-Mer

Elsa Tomkowiak’s work unfolds in close dialogue with the spaces she occupies. At the intersection of painting and sculpture, she creates immersive installations in bold, saturated colours, conceived as volumes to be traversed, offering an experience that is both spatial and sensory.

At the art centre, between verticality and horizontality, partitions in flamboyant colours unfold across the space. Suspended, they intersect as a symbol of encounter, redrawing the geometry of the venue. As visitors wander through, the colours come to life, blend together and transform, evoking a sense of time in motion.

In partnership with Le Volume, cultural centre in Vern-sur-Seiche.
Two simultaneous exhibitions offer the chance to discover different facets of Elsa Tomkowiak’s work.
At Le Volume from 28 April to 10 June

• Diplômée de l’EESAB Rennes en 2022, Alix Cantelaube vit et travaille à Rennes. 

  « Ma démarche tente de saisir les complexités dans des détails apparemment anodins et de dégager l’insolite dans des phénomènes insignifiants croisant ma route : le clignotement d’une ampoule, l’aura d’un amas de déchets, la fuite d’un lapin domestique… Ce désir de transmettre une expérience personnelle se transforme en volonté de rendre la peinture accessible, communicative à travers des clins d’œil à l’histoire de l’art et aux mythes populaires. »

  Visuel 1 : Un portrait d’Alix Cantelaube par Emmanuelle Hamon
  Visuel 2 : La jeune pousse, 2025, détrempe, brou de noix et pastel sec sur carton, 35x27cm, Alix Cantelaube

• Diplômée de l’École Supérieure d’Art et Design de Toulon en 2017 et de l’Université Laval (Québec) en 2019, Eloïse Foulon vit et travaille à Rennes.

  Au sein d’un travail pictural, les tableaux et les objets d’Eloïse Foulon lui permettent de questionner les matérialités et les modes de présentations de la peinture : ce qui appartient à la nature de l’image et à la nature de l’objet.
  L’organisation entre les différents éléments de son travail réfère à la corporéité et l’expérience de la perception. Elle génère des interrelations entre les œuvres et le lieu, les œuvres et le corps, le corps et le lieu.

  Visuel 1 : Un portrait d’Eloïse Foulon par Emmanuelle Hamon
  Visuel 2 : Bâtiment, 2024, 150x120cm, gouache et crayon de couleur sur papier, Eloïse Foulon

Chaque année, méandres propose une exposition de printemps présentant le travail de deux artistes : l’un ayant terminé sa résidence dans les monts d’Arrée, l’autre la commençant. Il s’agit de montrer aux visiteurs à la fois un travail abouti, issu d’un séjour dans ce territoire, et un travail en cours de construction — les dimensions d’expérimentations, le processus de recherche.

Une résidence d’artiste permet de proposer du temps et un lieu propice à la recherche et la création, influencées, teintées par le territoire — les personnes, l’espace, les lumières, le présent, l’Histoire, les histoires, le potentiel symbolique, les imaginaires et ce qui vient rencontrer d’autres espaces, d’autres territoires. Les monts d’Arrée sont un monde à interroger et à poétiser, propice aux représentations et récits.
Nous accompagnons l’artiste dans des temps d’échanges et de conversations. Ainsi, nous espérons partager avec les habitants un regard sensible sur leur territoire, mais aussi le travail “d’approche”, la manière dont l’artiste porte son regard et la manière dont le territoire vient influer son projet.

Les deux artistes invitées en 2026, Dana Cojbuc et Coline Jourdan, font récits de paysages, chacune à leur manière.
La notion de paysage porte en elle des interactions entre des enjeux esthétiques, écologiques et sociaux. La sensibilité et la présence des artistes dans un territoire peuvent inspirer des manières d’être au monde : invitations à entrer en relation avec le vivant, à appréhender l’environnement dans toutes ses strates de perception.

Dana Cojbuc et Coline Jourdan proposent des approches sensibles du paysage, traversé de récits contemporains, de combats pour sa préservation, ou encore inspiré de légendes, de paysages intérieurs, de souvenirs, de rêves…
Leurs regards, propositions et installations donnent des pistes pour penser et ressentir le territoire des monts d’Arrée.

« Et d’abord, c’est quoi un paysage ? Sûrement pas une étendue naturelle d’arbres, de ciel et de fleurs. Un paysage est par définition admirable, c’est-à-dire qu’il n’existe que par le regard qu’on porte sur lui. […]
Un paysage c’est donc toujours […] une certaine façon de regarder les oiseaux et les pierres pour les mettre en rapport. » (Éric Loret, « Paysages à niveaux », Libération, 2012)

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en écho à l’exposition :

• vendredi 3 avril, 18h30 : vernissage gourmand en présence des artistes
• dimanche 3 mai, de 10h30 à 17h — atelier d’écriture et de création artistique co-animé par Brigitte Mouchel (écrivain) et Irvi (carnettiste et collagiste)
• dimanche 24 mai, de 9h30 à 12h30 — atelier d’écriture poétique animé par Brigitte Mouchel (écrivain)
• dimanche 31 mai, 15h — rencontre avec Dana Cojbuc et Coline Jourdan, artistes en résidence dans les monts d’Arrée

Since the early 1980s, the FRAC Bretagne has built a collection of contemporary artworks that today numbers over 5,000 pieces. Its mission is to raise awareness of art throughout the region by fostering encounters, dialogue, and exchange.
Within this dynamic, the new collaboration between the FRAC Bretagne and the City of Ploumagoar seeks to make contemporary creation accessible to all audiences. The selection of works, drawn from the FRAC Bretagne collection and connected to this season’s theme of exploration, offers a wide range of approaches, reflecting the diversity of the visual arts — from photography, sculpture, drawing, and painting to video and beyond.

Arrivées au début du mois de janvier à Saint-Jacut-de-la-Mer, au cœur de la saison des tempêtes hivernales, Flore Chemin et Anna Ditscherlein sont en résidence aux APM-Résidences d’artistes pour trois mois. Après le passage des tempêtes Goretti, Nils puis Ingrid, les deux artistes ont poursuivi leurs recherches plastiques, durant cet hiver humide et venteux.

Dans l’atelier de Flore Chemin (née en 1989), l’eau semble traverser les formes et les paysages, à la fois comme matière et moteur de création. À travers des supports variés – bois, papier ou toile – les formes apparaissent progressivement, se croisent et se transforment, dans un équilibre entre pleins et vides, apparition et effacement. Une part de hasard participe au processus de création, laissant les éléments visuels se rencontrer librement. Sur les grands formats, le dessin se met lui aussi en mouvement. La lumière et le vent traversent les compositions pour faire naître une peinture colorée, marquée par des effets de flou et des formes en constante évolution. Son travail invite le regard à la contemplation et laisse une large place à l’imaginaire du spectateur. Flore Chemin est diplômée des Arts Décoratifs de Strasbourg en 2015, elle vit et travaille en Corrèze.

Le travail d’Anna Ditscherlein (née en 1986) se déploie en peinture de grand format. Ses œuvres donnent à voir des scènes en mouvement comme dans Monde centré où des figures humaines se rassemblent en rondes autour du soleil dans des paysages de forêt, faisant écho à la Danse de Henri Matisse (1909). Dans l’œuvre Chevaux de l’espace, l’artiste associe motifs géométriques et figures animales dans des compositions circulaires qui suggèrent un mouvement dansé et continu. Les éléments du paysage et les figures occupent également une place importante : personnages géants au bord de l’eau semblant s’élever vers les nuages et les silhouettes engagées dans des scènes de danse animale (Géantes), ou des formes canines déformées dans un espace qui rappelle la piste d’un cirque. Formée aux Beaux-Arts de Dresde et installée à Paris depuis 2022, Anna Ditscherlein développe une peinture vibrante, centrée sur le mouvement, la couleur et l’énergie des formes, inscrite dans l’héritage expressionniste.

One sometimes has the impression of having already experienced a situation, been in a place, or seen an image. This sensation is brief, strange and often impossible to explain. We know it is not an actual memory, yet the feeling persists.

This exhibition is based on this familiar experience of déjà vu.

The works presented do not tell any new stories. On the contrary, they replay, repeat and reshape forms, images and movements which we feel we recognise. Some of them seem to belong to another time. Others resemble images from films, paintings or collective memory. However, when we take a closer look, there is always something that is not quite right.

Here, déjà vu is not a mistake.
It is a way of looking.

Artists work with what we already have in our minds: known images, recognisable styles, inherited forms. But they move them about, slow them down, retell them or subtly alter them.
This discrepancy creates unease. The spectator recognises something, then has doubts. He thinks he knows, but then hesitates.

The video by Oliver Beer, placed at the centre of the exhibition, shows us this process in a very simple way. An image from a well-known cartoon seems to be reborn before our eyes, sketch after sketch. We recognise it even before we can put a name to it. A memory forms along with the image.

Around this work are paintings, drawings, photographs and other videos which amplify this experience. Some use images from art history, others play on the repetition of a single motif. Yet others evoke hazy memories, mental images, impressions we have felt before.

Visitors are invited to take their time as they walk around the exhibition. To accept that they will not understand immediately. To observe how an image becomes first familiar, and then strange.

Déjà vu is not an exhibition about the past.
It is an exhibition about the way we see nowadays, in a world saturated with images, copies, references and recurrences.

Perhaps what we see is never totally new.
But what we feel, that can be.

With poetry and precision, Isabelle SIMLER explores the astonishing architecture of the animal world. It is not so much the animals themselves that fascinate her, but the shelters they build: nests, burrows, webs… each a home designed for the intimacy of its inhabitant.

Her illustrations, as delicate as embroidery, reveal these habitats as natural marvels.

Through her play with the French language and the joy of reading aloud, she invites both children and adults to reimagine space — at the scale of an ant, a butterfly, or an eagle.

An exhibition that opens wide the doors of the imagination, offering a vision of the world as a patchwork of living architectures.

Passerelle Centre d’art contemporain is moving for one year into the former Cercle Naval in Brest, a place laden with history and which used to be reserved for officers of the French Navy. In the former dining hall the art centre is setting up the first exhibition devoted to the history of graffiti in Brest from the 1980s to the year 2000. An unexpected dialogue will therefore be triggered between the prestigious architecture of the Cercle Naval and the underground urban culture that has made its mark on the city. Such programming clearly demonstrates the wish of Passerelle to play with codes and cause memories to speak to each other.

The exhibition Brest under the bombs – A history of graffiti 1984-2004 illustrates the use of the aerosol (called the bombe aérosol in French) in the Brest public space, and recounts the first twenty years of its urban art. Through many previously unseen archive documents (photographs, films, press articles, ephemera, objects, contributions by artists, personal accounts, historical reconstructions and more) this exhibition shows the major role played by the city of Brest in the history of French urban art.

Chapter1: The aerosol as a tool
The exhibition opens with a presentation of the aerosol as a tool, from its origins to its recent evolution, thanks to the impressive collection of Aurélien Harmignies, who is considered to be Europe’s major collector of aerosols. In a richly documented timeline, the exhibition presents aerosols from the 1960s to the 2000s along with their advertising, display stands and press articles and explains how urban artists first diverted the tool from its original function until the paint industry began to design aerosols especially for them.

Chapter 2: Inscriptions and demands
Spontaneous expression in the public space, applied directly onto the wall, inscribed in chalk or felt pen, painted or stuck on as a poster, received a great boost when aerosols came onto the market in the 1960s and 1970s. This was about slogans making demands, humorous comments, unauthorised promotional messages or simply the desire to mark one’s presence.

Chapter 3: Graffiti writing
In the late 1960s graffiti writing began to appear in New York and Philadelphia. This was a new type of graffiti, which involved signing or drawing your pseudonym on a huge scale so that your peers could not fail to see it. The practice developed in France from the early 1980s, especially in Brest, when the film Beat Street came out, featuring this type of graffiti as central to the plot. Other contributory factors were the presence of American servicemen based in Brest and the television programme, Hip Hop. Paris and Brest were among the first cities in France where this American import began to be seen.

Chapter 4: Ninja Force / Acropol Group
The first hip-hop community in Brest began in 1983. Influenced by their American mentors, they adopted their codes and were soon competing artistically with other dance communities. Bruno and Sane came into particular prominence for their sense of purpose and talent. Gradually, they got organised, became more professional, and inspired, through imitation, new generations of graffiti artists to develop graffiti writing in Brest.

Chapter 5: The iconic locations of Brest
Apart from in the street and along railway lines, graffiti writing is seen in empty spaces in the urban fabric where the discretion and tolerance of the authorities allows the artists to give full rein to their self-expression. The Maison Pour Tous at Valy Hir, the former factory at Kerfautras, the port and the old cider works have therefore become veritable open-air studios.

Chapter 6: A booming, organised and influential local scene
During the 1990s, many communities came into being and began to form links with other towns in Brittany. The U-Know shop opened, specialising in urban cultures and selling aerosols, and becoming the headquarters of this new generation of artists. One-off gatherings (concerts, festivals, graffiti jams) were organised, eventually leading to Brest being seen as a major scene for urban art in France. The jam at the port in 2000 was the high point, bringing together artists from all over France and even Belgium and making its mark on the whole country. From then on, the Brest scene has gone from strength to strength, as shown by the publication of Westbook in 2004, a book documenting the history of urban art in Brest.

This exhibition reproduces the research undertaken by the Centre Arcanes in the Brest area, especially related to the port of Brest, begun in 2021 with the support of the City of Brest and DRAC Bretagne.

It also extends the research undertaken by the Centre Arcanes on the exhibition Aérosol presented in 2024 at the Musée des Beaux-Arts in Rennes and in 2025 at the Musée des Beaux-Arts in Nancy.

Sur une proposition de la galerie art & essai, l’exposition « Amende honorable » d’Eva Barto rassemble une sélection de travaux portant sur les enjeux de la dépendance économique dans le champ de l’art contemporain. Elle se décline en deux volets, présents à la bibliothèque universitaire centrale : une exposition des publications de la collection Buttonwood Press au Cabinet du livre d’artiste et une sélection d’ouvrages issus du fonds de la bibliothèque universitaire par Eva Barto au Cabinet de lectures, dispositif de la galerie art & essai (hall Faulkner).

Eva Barto est artiste. Elle a co-fondé le collectif La Buse ainsi que l’émission de radio ForTune, au sein de laquelle elle a été membre active de 2018 à 2022. Elle a enseigné à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon de 2019 à 2025. 

Les ateliers de Flore Chemin et Anna Ditscherlein seront ouverts le samedi 14 février de 14h30 à 18h. Les artistes vous présenteront leurs recherches artistiques ainsi que les œuvres en cours de réalisation.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec les artistes Dany Guèble et François Jeune pour découvrir l’exposition “Japon en deux” de manière plus approfondie. 

>16h, gratuit, ouvert à tous

Xtophe, lauréat 2025 du Grand Prix de sculpture de Landivisiau, est installé en Bretagne depuis 2005.
« Je rencontre le travail du métal en 2011. Autodidacte, j’ai toujours eu de la créativité à revendre, accompagnée d’un besoin de poésie pour égayer cette folle vie. J’utilise principalement et en priorité des outils anciens, une source intarissable, un patrimoine délaissé ou jeté. […] J’aime travailler les formes singulières de ces outils, des pièces froides, rustres et peu avenantes au départ, pour obtenir une harmonie d’ensemble, une élégance, un mouvement… […] 

À l’étage, le sculpteur Vincent de Monpezat propose une exposition inédite.
À nouveau amène le visiteur à repenser son rapport au patrimoine, à la transmission, afin qu’il s’approprie à son tour un fragment d’une histoire reconstituée : l’abandon d’un lieu, la faïencerie Fouillen à Quimper, son oubli et sa découverte avant destruction.
À nouveau confronte le spectateur à deux réalités face à face : ce qui est et ce qui a été.

Artists Mathieu Kleyebe Abonnenc, Arthur Gillet, Anna Holveck, and Marianne Mispelaëre each cultivate, in their own way, a distinctive and personal relationship with language, voice, speech, silence, and listening –elements they approach as political, social, and aesthetic materials.

Through their artistic practices, they create spaces for speech, give voice to the unheard, and make the invisible visible, offering an artistic translation of these concerns.

Mathieu Kleyebe Abonnenc, a visual artist, researcher, and editor from French Guiana, draws inspiration from the ecological and decolonial vision of Guyanese writer Wilson Harris (1).

His film Limbé (2), exhibited in Les voix, refers to one of the poems by Léon-Gontran Damas, the Guianan poet and co-founder of the Négritude (3) movement. Limbé is also a performative Creole expression that activates the notion of limbo through speech. Mathieu Kleyebe Abonnenc tries to shape this state through the recorded and silenced performance of the dancer and choreographer Betty Tchomanga, with whom he often collaborates. In this performance, he speaks about the death of his sister, which brought sorrow and deep melancholy, while echoing Wilson Harris’ reflections on the Limbo dance. This dance may be a way to embody, through its contortions, the movements that enslaved people had to invent in order to survive the journey across the Atlantic aboard slave ships.

Visual artist and singer, Anna Holveck explores through video, performance, and composition, the places of the voice inside the body in the space and in the image. She creates immersive listening situations, at the border between ear and mouth. Their processes, which reveal themselves gradually, involve both the one who makes the sound and the one who receives it.

For the opening of the exhibition Les voix, Anna Holveck performs again Singin’ in (4), a piece in which the voices of two lyrical singers disturb the identification of sound sources and create diegetic confusion. The video and sound installation À voix off (5) features a woman with motionless lips described by a narrative voice composed of a cut-up of voice-overs talking about women or addressing them, taken from a selection of Hollywood films from the 1950s (6).

In these two works, the effects of synchronisation mirror the links that unite the body with the voice, and the sound with the space. The artist identifies these perceptual distortions as places of emancipation for the body and the listening.

Since 2017, Marianne Mispelaëre has been interested in alternative modes of communication –corporeal, invisible, discreet…“where the narrative exists while words seem inappropriate.” With La Marseillaise, a work initiated between 2019 and 2022 as part of the New Patrons program with the Collège du Vieux Port in Marseille and thankyouforcoming as mediator structure (7), she collaborated with graphic and character designers So-Hyun Bae and Federico Parra Barrios to create a typography that allows French to be written using the alphabets of all the languages spoken by the pupils. Each of the thirty-eight phonemes of the French language is represented by a sign taken from one of the pupils’ languages, which can also produce a sound. To read this choral typography, multiple speakers of different languages must participate, each contributing their knowledge of pronunciation.

Thus, the French language becomes a host, capable of welcoming, articulating, and allowing the coexistence of the languages that live within its territory.

 Arthur Gillet presents in the exhibition Les voix a work from the most autobiographical part of his practice. In 2025, he conducted a residency in Rennes with the contemporary art centre 40mcube with various deaf audiences and CODA (Children of Deaf Adults). His deep knowledge of the deaf community (gained from growing up in Rennes) as well as his connections with numerous schools and associations that welcome and support this public, enrich his project.

The 23-meter-long silk painting titled Tout ce dont vous n’avez jamais entendu parler (All that you’ve never heard of) (8), painted in a style reminiscent of the Italian Primitives, particularly Cristoforo de Predis, a 15th century deaf painter. The work depicts the shared histories of people with hearing impairments.

Hence, the exhibition, which brings together the artworks and voices of Mathieu Kleyebe Abonnenc, Arthur Gillet, Anna Holveck, and Marianne Mispelaëre, forms a polyphony. It invites us to listen carefully, to sharpen our perception, to see silence, to give shape to language, to enlighten or blur voices. It calls for respect for each voice –and for all the others.

(1) 1921-2018.

À travers une sélection de fanzines issue des collections de la Fanzinothèque de Poitiers, cette exposition explorera les récits alternatifs portés par les fanzines : une histoire officieuse, auto-éditée, racontée par les marges, les voix dissidentes ou dans une tradition d’éducation populaire qui permettra de retracer l’évolution de l’auto-édition comme geste politique, artistique et social.

Elle permettra d’interroger aussi la place du fanzine dans la création contemporaine, en tant que forme d’œuvre multiple : reproductible, circulante, à la croisée de l’art, du document et du manifeste. Une invitation à découvrir une mémoire vivante, fragmentaire et collective, qui redessine l’histoire autrement.

Dans sa pratique artistique, Lise Gaudaire s’intéresse aux rapports que l’homme entretient au paysage, à son territoire, à la manière qu’il a de le regarder et de l’appréhender et en particulier à celles et ceux qui le travaillent.

En résidence à L’aparté, munie de sa chambre photographique et de son micro, Lise Gaudaire observe les espaces naturels alentours, leurs usages et leurs anomalies. Elle enquête sur les oiseaux, les plantes et les traces fragiles du vivant. Elle rencontre habitants, militants, acteurs du territoire et enfants, et elle pose la question : se souviendra-t-on du chant des oiseaux ? L’exposition fait dialoguer photographie, son, dessins et poésie pour interroger notre mémoire collective et notre capacité à écouter, observer, prendre soin de ce.ux qui nous entourent.

“Les Cerisiers n’étaient plus en fleurs et les Érables pas encore en couleurs…”
Après un séjour de cinquante jours au Japon, Dany Guèble et François Jeune croisent photographies et peintures de persistances japonaises. Jeux d’espace et motifs se répondent comme dans le Nagori, trace de ce qui s’efface et laisse en nous une empreinte presque imperceptible…

A plant landscape to explore, like a stroll through a poetic, dreamlike universe. Between anchoring and elevation, plants fashioned from birch branches and bark fabric stand or float in the chapel space. An immersive, timeless moment, where the imagination opens up with every step.

A graduate of ESAM Caen-Cherbourg in 2014, Thomas AURIOL lives and works in Saint-Quay-Portrieux. His paintings emerge from his journeys through landscapes, extending this desire for exploration. He conceives his recent work as a logbook that is at once documentary and dreamlike. From the nights of Ibiza to the Icelandic fjords, Thomas Auriol invites us into a painting in constant flux.
His work has been shown in solo exhibitions in France, Spain, and China, and he has also taken part in numerous group exhibitions, including Novembre à Vitry and Jeune Création in France, as well as in Switzerland and Romania. He has undertaken residencies at the Domaine de Kerguéhennec, Yishu 8 in Beijing, and aboard the trimaran Arctic Lab, sailing from France to the western fjords of Iceland.

With the support of the Individual Creation Grant from DRAC Bretagne.

Visuel Flore Chemin : Le fils du clou, 2025, huile sur toile, 50×60 cm

Visuel Anna Ditscherlein : Primavera and Butterfly Man, 2025, huile sur toile, 140×95 cm