Romain Guillet développe son travail de designer dans divers contextes (aménagement, scénographie, mobilier…). Dès la fin de ses études, il rejoint pendant 2 ans lʼéquipe de Mathieu Lehanneur et co-fonde simultanément le studio STATUE. STATUE est primé au VIA design 2013 et expose ses projets textiles à Amsterdam, Milan, et Paris. Parallèlement, il signe des projets dʼaménagement pour le Centre Pompidou, le musée des Beaux-Arts de Paris, le Printemps de septembre à Toulouse ou la Fondation Lafayette Anticipation. Il collabore régulièrement avec
la plasticienne et scénographe Nadia Lauro sur des installations pour la danse contemporaine, ainsi quʼavec de nombreux artistes tels que Camille Blatrix, Jean-Luc Moulène ou Olaf Nicolai.

Dans le cadre de la sixième édition des Ateliers de Rennes intitulée À Cris Ouverts, l’artiste Jean-Charles de Quillacq invite qui veut à interagir avec lui durant une après-midi. Chaque interaction obéira au contrat suivant : en échange de la disponibilité totale de l’artiste envers le⋅a volontaire, le⋅a volontaire cède à l’artiste une empreinte de son nez. Toutes les personnes intéressées sont priées de lire soigneusement le protocole DU REMPLAÇANT, ci-dessous, où Jean-Charles de Quillacq décrit précisément les engagements de chacun·e.

Une fois que vous aurez demandé à me rencontrer, le personnel du Frac Bretagne vous conduira auprès de mes deux assistant·e·s, qui prendront une empreinte de votre nez. Vous serez venu·e·s seul·e ou à deux personnes maximum, et vous pourrez revenir dans la limite de mes disponibilités horaires.

En attendant que le plâtre sèche sur votre visage, mes assistant·e·s vous conduiront à moi et vous laisseront en ma compagnie durant six minutes. Nous serons à huis clos dans une salle bien éclairée ; je porterai moi-même un masque résultant du moulage de mon propre visage (le remplaçant). Vous interagirez avec moi exactement comme bon vous semble et je ferai tout ce que vous me direz de faire. J’exclus toutefois entre nous les actions violentes ou de nature à blesser les personnes ; je préférerais aussi que vous ne parliez pas de la situation au moment où il vous faut la vivre avec moi.

Demandez-moi plutôt de faire le mort, la roue, d’échanger nos tee-shirts, mes chaussettes, d’imiter ma mère, d’être vous-même, etc. Au bout des six minutes (ou avant s’il vous plaît de ne pas aller jusqu’au bout), mes assistant·e·s vous reprendront en charge et procéderont au démoulage. Le moulage de votre nez restera ma propriété.

J.-Ch. de Q.

Dans le cadre de la sixième édition des Ateliers de Rennes intitulée À Cris Ouverts, l’artiste Jean-Charles de Quillacq invite qui veut à interagir avec lui durant une après-midi. Chaque interaction obéira au contrat suivant : en échange de la disponibilité totale de l’artiste envers le⋅a volontaire, le⋅a volontaire cède à l’artiste une empreinte de son nez. Toutes les personnes intéressées sont priées de lire soigneusement le protocole DU REMPLAÇANT, ci-dessous, où Jean-Charles de Quillacq décrit précisément les engagements de chacun·e.

Une fois que vous aurez demandé à me rencontrer, le personnel du Frac Bretagne vous conduira auprès de mes deux assistant·e·s, qui prendront une empreinte de votre nez. Vous serez venu·e·s seul·e ou à deux personnes maximum, et vous pourrez revenir dans la limite de mes disponibilités horaires.

En attendant que le plâtre sèche sur votre visage, mes assistant·e·s vous conduiront à moi et vous laisseront en ma compagnie durant six minutes. Nous serons à huis clos dans une salle bien éclairée ; je porterai moi-même un masque résultant du moulage de mon propre visage (le remplaçant). Vous interagirez avec moi exactement comme bon vous semble et je ferai tout ce que vous me direz de faire. J’exclus toutefois entre nous les actions violentes ou de nature à blesser les personnes ; je préférerais aussi que vous ne parliez pas de la situation au moment où il vous faut la vivre avec moi.

Demandez-moi plutôt de faire le mort, la roue, d’échanger nos tee-shirts, mes chaussettes, d’imiter ma mère, d’être vous-même, etc. Au bout des six minutes (ou avant s’il vous plaît de ne pas aller jusqu’au bout), mes assistant·e·s vous reprendront en charge et procéderont au démoulage. Le moulage de votre nez restera ma propriété.

J.-Ch. de Q.

En partant de l’expérience de Barbara McCullough au lendemain des émeutes de Watts, et de Water Ritual (1979), considéré comme un film expérimental précurseur du féminisme noir, les intervenants évoqueront la persistance du motif de l’eau et de la notion de fluidité comme concept et stratégie de résistance, en considérant cette présence dans le travail de Paul Maheke.

Danseur et chorégraphe brésilien, Volmir Cordeiro crée en 2015 trois solos Ciel, Inês et Rue. Accompagnée par le percussionniste Washington Timbó, la pièce qui se déroulera le samedi 17 novembre à 15h au Frac Bretagne, est une réponse chorégraphique à la lecture des poèmes sur la guerre de Bertolt Brecht.

En partenariat avec le TNB – Centre Européen Théâtral et Chorégraphique

Du jeudi 15 au dimanche 18 novembre, la Ville de Rennes et les Ateliers de Rennes – Biennale d’art contemporain, proposent « Rennes Art Weekend », un événement de quatre jours, temps-fort pour les arts visuels : 15 expositions, 20 performances, rencontres, événements et 91 ateliers d’artistes ouverts à tous dans toute la ville.
Dans le cadre du Renne Art Week-End, l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne – site de Rennes accueille un pôle de rencontres avec Documents d’Artistes Bretagne et Generator, acteurs de la création émergente en Bretagne.

⚫️ PROJECTION VIDÉOS
Auditorium : projection des films / tous les jours de 14h à 18h

Documents d’Artistes Bretagne en association avec 40mcube vous proposent une programmation de films et vidéos d’artistes actifs en région : Virginie Barré, Hoël Duret, Aurélie Ferruel & Florentine Guédon, Francesco Finizio, Hilary Galbreaith, Martin Le Chevallier, Thibault Pellant, Babeth Rambault, Alisson Schmitt, Sylvie Ungauer.

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Dans le cadre du Renne Art Week-End, l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne – site de Rennes accueille un pôle de rencontres avec les acteurs de la création émergente en Bretagne

⚫️ PÔLE DE RENCONTRES
de 14h à 18h à la cafétéria de EESAB-site de Rennes
Venez rencontrer les équipes de Documents d’Artistes Bretagne et de 40mcube qui mettent en œuvre depuis quelques années BASE – Ddab-Eesab, Les Chantiers-Résidence et Generator, des dispositifs d’accompagnement professionnel à destination des jeunes artistes, sortis pour la plupart des écoles d’art.

⚫️ ACCROCHAGE D’ŒUVRES
Cloître : accrochage d’œuvres de Anita Gauran et de Victor Vialles

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⚫️ Évènements du jeudi 15 novembre :
– 15h-17h : Des artistes ayant participé à ces programmes seront présents pour échanger avec le public.
– 18h : Diffusion en avant-première de La Cascadeure, série originale en 7 épisodes, écrite et réalisée par Virginie Barré, Romain Bobichon et Julien Gorgeart.

Vernissage ouvert à tous le 9 novembre 2018 à 18h.

Dans le cadre du 19^e Mois du film Documentaire : opération nationale orchestrée par Images en bibliothèques, le Frac Bretagne et l’association Comptoir du Doc proposent la projection du film Nul homme n’est une ile de Dominique Marchais.

« Chaque homme est un morceau du continent, une partie de l’ensemble ». Le film est un voyage en Europe, de la Méditerranée aux Alpes suisses et autrichiennes, où l’on découvre des hommes et des femmes qui travaillent à faire vivre localement l’esprit de la démocratie et à produire le paysage du bon gouvernement. Le local serait-il le dernier territoire de l’utopie ?

Les Renc’arts sont des visites commentées qui vous invitent à prendre le temps de découvrir la démarche de l’artiste et le processus de création. Il s’agit d’un temps d’échanges convivial, ouvert à tous.

Entrée Libre – 17h

Dans le cadre de la sixième édition des Ateliers de Rennes intitulée À Cris Ouverts, l’artiste Jean-Charles de Quillacq invite qui veut à interagir avec lui durant une après-midi. Chaque interaction obéira au contrat suivant : en échange de la disponibilité totale de l’artiste envers le⋅a volontaire, le⋅a volontaire cède à l’artiste une empreinte de son nez. Toutes les personnes intéressées sont priées de lire soigneusement le protocole DU REMPLAÇANT, ci-dessous, où Jean-Charles de Quillacq décrit précisément les engagements de chacun·e.

Une fois que vous aurez demandé à me rencontrer, le personnel du Frac Bretagne vous conduira auprès de mes deux assistant·e·s, qui prendront une empreinte de votre nez. Vous serez venu·e·s seul·e ou à deux personnes maximum, et vous pourrez revenir dans la limite de mes disponibilités horaires.

En attendant que le plâtre sèche sur votre visage, mes assistant·e·s vous conduiront à moi et vous laisseront en ma compagnie durant six minutes. Nous serons à huis clos dans une salle bien éclairée ; je porterai moi-même un masque résultant du moulage de mon propre visage (le remplaçant). Vous interagirez avec moi exactement comme bon vous semble et je ferai tout ce que vous me direz de faire. J’exclus toutefois entre nous les actions violentes ou de nature à blesser les personnes ; je préférerais aussi que vous ne parliez pas de la situation au moment où il vous faut la vivre avec moi.

Demandez-moi plutôt de faire le mort, la roue, d’échanger nos tee-shirts, mes chaussettes, d’imiter ma mère, d’être vous-même, etc. Au bout des six minutes (ou avant s’il vous plaît de ne pas aller jusqu’au bout), mes assistant·e·s vous reprendront en charge et procéderont au démoulage. Le moulage de votre nez restera ma propriété.

J.-Ch. de Q.

Le dimanche 21 octobre à 16h, les commissaires de la 6^e édition des Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain, proposent une visite gratuite de l’exposition À Cris Ouverts au Frac Bretagne,  sur présentation du billet d’entrée.

Dans le cadre de la sixième édition des Ateliers de Rennes intitulée À Cris Ouverts, l’artiste Jean-Charles de Quillacq invite qui veut à interagir avec lui durant une après-midi. Chaque interaction obéira au contrat suivant : en échange de la disponibilité totale de l’artiste envers le⋅a volontaire, le⋅a volontaire cède à l’artiste une empreinte de son nez. Toutes les personnes intéressées sont priées de lire soigneusement le protocole DU REMPLAÇANT, ci-dessous, où Jean-Charles de Quillacq décrit précisément les engagements de chacun·e.

Une fois que vous aurez demandé à me rencontrer, le personnel du Frac Bretagne vous conduira auprès de mes deux assistant·e·s, qui prendront une empreinte de votre nez. Vous serez venu·e·s seul·e ou à deux personnes maximum, et vous pourrez revenir dans la limite de mes disponibilités horaires.

En attendant que le plâtre sèche sur votre visage, mes assistant·e·s vous conduiront à moi et vous laisseront en ma compagnie durant six minutes. Nous serons à huis clos dans une salle bien éclairée ; je porterai moi-même un masque résultant du moulage de mon propre visage (le remplaçant). Vous interagirez avec moi exactement comme bon vous semble et je ferai tout ce que vous me direz de faire. J’exclus toutefois entre nous les actions violentes ou de nature à blesser les personnes ; je préférerais aussi que vous ne parliez pas de la situation au moment où il vous faut la vivre avec moi.

Demandez-moi plutôt de faire le mort, la roue, d’échanger nos tee-shirts, mes chaussettes, d’imiter ma mère, d’être vous-même, etc. Au bout des six minutes (ou avant s’il vous plaît de ne pas aller jusqu’au bout), mes assistant·e·s vous reprendront en charge et procéderont au démoulage. Le moulage de votre nez restera ma propriété.

J.-Ch. de Q.

Depuis le printemps 2018, la Villa Rohannec’h, site départemental en Côtes d’Armor, accueille les artistes Stéfan Tulépo, Valentin Ferré et Les M Studio – Céline Merhand et Anaïs Morel. Ils ont été invités à travailler pendant trois mois sur un espace de recherches élargi, se déployant en frange littorale de Saint-Brieuc, du site de Rohannec’h à la plage du Valais.

Une documentation sur ces résidences est consultable sur le site dédié, publié par DD’AB :

>>>  www.rohannech.ddab.org

Programme des évènements

Vendredi 19 octobre
– 14h-18h30 exposition Le sable du château de Stéfan Tulépo dans la Villa Rohannec’h

Samedi 20 octobre
– 14h-18h Le sable du château, exposition de Stéfan Tulépo
– 15h30-17h Vaudou et chaloupe, marche sonore de Valentin Ferré.
Départ de la Villa Rohannec’h, balade accompagnée d’environ 3kms, retour en navette. Prévoir des chaussures adaptées à la marche (passages moyennement difficiles sur le GR34). Sur réservation au 02 96 62 62 22 (limité à 20 personnes)
– 18h-19h Parcours d’un binôme, apéro-rencontre avec les M Studio, Anaïs Morel et Céline Mérhand
– 19h45-20h15, Performance musicale de Maxwell Farington, artiste invité par Stéfan Tulépo

Dimanche 21 octobre
– 10h30-12h Vaudou et chaloupe, marche sonore de Valentin Ferré. Départ de la Villa Rohannec’h, balade accompagnée d’environ 3kms, retour en navette. Prévoir des chaussures adaptées à la marche (passages moyennement difficiles sur le GR34). Sur réservation au 02 96 62 62 22 (limité à 20 personnes)
– 14h-18h Le sable du château, exposition de Stéfan Tulépo
– 15h-18h Les eaux nourricières, installation sonore de Valentin Ferré

Julie Bonnaud et Fabien Leplae travaillent ensemble la peinture et le dessin depuis 2015. Au sein de dispositifs échafaudés par la trame de leurs dialogues, ils tissent en laborantins des conversations entre diverses sphères. La collection, comme répertoire de formes et de concepts, parc de sens et de couleurs ; la stratification des étapes de travail, où le sujet peut devenir l’outil et l’outil le sujet ; et encore la fiction, en tant que principe moteur et grille de lecture.

A L’aparté, le duo travaillera au troisième volet d’un cycle d’expositions à la suite d’Adventices et d’Une étrange créature hybride, développant des savoir-faire qui œuvrent en combinant les principes de métamorphose, de contre-emploi avec celui de biotope ou encore d’émergence. Chaque œuvre est le rouage d’une vaste mécanique d’ensemble elle-même en gestation. Au même titre que le fusain, le graphite et la peinture, les intuitions, les mots et les références sont convoqués comme autant de matière à pétrir. Rendre visible des réels, depuis, vers et par le dessin.

Nils Völker is a German artist working around the media, art and technology. First communicating, he then turned to computer science that he has combined with contemporary creation. Her artistic practice is based on electronic programming, combined with a fascination for everyday objects and fragile materials.

The artist creates large scale sculptures and kinetic installations specific to the sites on which he evolves. The mechanical rhythm is at the center of his work. By incorporating sound and simple components such as moving everyday objects, his minimalist works carry a poetic and emotional depth, constantly changing the setting of the exhibition space.

At the art center, Nils Völker is working on a proposal plunged into darkness and movement for the second exhibition-movement of the season. New way of apprehending the place and the creation!

Dans le cadre de la sixième édition des Ateliers de Rennes, À Cris Ouverts, Erika Vogt présente une nouvelle production intitulée Rattler. Sa présence à Rennes est l’occasion de revenir sur la pratique que l’artiste a développée depuis 2004, date à laquelle le Frac Bretagne a acquis trois de ses œuvres.

Erika Vogt (née en 1973 à East Newark, New Jersey) est une sculptrice qui vit et travaille à Los Angeles, en Californie. Elle a effectué son Master aux Beaux-Arts de Californie et sa licence aux Beaux-Arts de la Tisch School of the Arts de New York. Ses sculptures prennent le plus souvent la forme d’installations à grande échelle et de projets de théâtraux collaboratifs. Sa pratique s’articule autour de plusieurs médiums et met alternativement l’accent sur la forme et la surface. Ses objets catalysent le mouvement de la figure humaine. Ses plus récents travaux s’inspirent de l’histoire de l’art ancien.

Le New Museum, New York, le Hepworth Wakefield, West Yorkshire et Triangle France, Marseille lui ont consacré des expositions monographiques. Ses travaux ont également été présentés et projetés dans de nombreuses institutions telles que le MIT List Visual Arts Center, Cambridge MA. ; le Metropolitan Museum of Art, New York ; le Los Angeles County Museum of Art ; le Whitney Museum of American Art, New York ; le Hammer Museum, Los Angeles ; le Museum of Modern Art, New York ; le Centre Pompidou, Paris ;  l’Anthology Film Archives, New York ; et REDCAT, Los Angeles. Elle est diplômée du California Institute of the Arts et de la Tisch School of the Arts de NYU, New York.

Conférence en anglais avec traducteur

Madison Bycroft (1987, Australie) produit, à lʼinvitation de la galerie Raymond Hains et des Ateliers de Rennes – biennale dʼart contemporain, sa première exposition dʼenvergure en centre dʼart. Ses recherches balaient le spectre des communications, navigant de lʼarticulé à lʼinarticulable. Sa production se déploie sous forme de vidéos, de performances et de sculptures.

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Après son master au Piet Zwart Institute of Fine Art (Rotterdam) en 2016, Madison Bycroft a montré ses travaux à la Biennale de Sharjah (Beyrouth, Liban), à Adelaïde (Marseille) en association avec Triangle France, ainsi quʼà Münster (Allemagne), Athènes (Grèce), Christchurch (Nouvelle-Zélande) et New-York (USA).

Pauline Boudry and Renate Lorenz have been working together for more than ten years, making films, and producing installations and sculptures. They describe their research as “queer archaeology”, a way of identifying in history and bringing back to life figures and bodies which have entitled themselves to offer self-descriptions.

40mcube presents the video installation I Want (2015). The film opens with a protagonist wearing tinted glasses. She speaks: “You should feel as comfortable as possible because these art shows can be deadly”. She uses the first person singular, but we swiftly realize that her identity is a multiple one, and that her “I” is, at the very least, that of the New York punk poet Kathy Acker and the whistle-blower Chelsea Manning. Before shifting to her identity as a woman, this latter was a US army soldier who was sent to Iraq, best known for having downloaded and distributed a certain number of secret military reports, which led to his imprisonment. In the words spoken by the protagonist to the camera, there is thus a mixture of snippets of texts and words uttered by K. Acker and C. Manning, which gravitate around several subjects: anti-militarism, sex, identity and subversion. Through the stances and roles she incarnates, what is involved is both transforming society and waging a personal revolution.

L’exposition collective A Hard Edge With a Soft Core, qui réunit neuf artistes dont un duo, est en germe depuis une rencontre en résidence à la Cité Internationale des Arts entre Pierre Clément, Nicolas Momein et Samir Mougas. Son pari est de rassembler des artistes travaillant avec des matières molles en cours de solidification qui enregistrent les traces d’un geste.

Les œuvres de Pierre Clément et Nicolas Momein balisent le spectre du territoire exploré par cette exposition. Au pôle le plus aride, Pierre Clément présente des images numériques sur-tramées avec des motifs réalisés en série dans une impossible projection de l’esprit au fil du parcours de cordelettes synthétiques. À l’autre pôle de ce monde, Nicolas Momein surfe sur les volutes capricieuses d’un matériau de moulage qu’il contraint avec force drippings, contenus dans des shaped-canvases en Plexyglas. Il brouille les pistes entre sculptural et pictural avec ses incroyables chaos figés.

D’autres rencontres ont rendu la réalisation de ce projet nécessaire : les œuvres de Kahina Loumi démêlent le nœud gordien de cette exposition. Derrière ses couleurs peintes en camaïeux souples, on trouve l’exigence de la composition qui appareille des gestes picturaux avec des éléments de tissu préparés, découpés et cousus entre eux. Ses œuvres croissent ainsi à l’extrémité des ramifications où le pictural et le sculptural se mêlent inextricablement.

Les objets bien visibles et très dessinés présentés par Eva Taulois et Victor Vialles sont campés au sol de l’espace du HubHug. Le geste d’inscription dans un espace à trois dimensions est renouvelé avec une grâce nerveuse dans les œuvres de Victor Vialles. Impossible de ne pas visualiser le matériau dont serait fait un trait tracé, impossible de manquer les lignes de forces évoquées par la gamme d’objets assemblés autour de ses barres de pole-dance. Cette dimension animiste offerte par les circonvolutions de la matière s’exprime encore davantage dans les œuvres d’Eva Taulois. Elle invoque dans notre dimension deux entités sculpturales singulières, véritables golems de matériaux en expansion renforcés des pouvoirs de la couleur mate. Elles communiquent avec nous en s’exprimant dans un langage fait d’intuitions et d’émotions plus que de mots et de concepts.

Collant tout à fait à la matière molle qui durcit peu à peu, le dessin projeté par Sylvain Rousseau à une échelle démesurée démontre qu’une forme lisible est une peau vivante. Elle est composée d’éléments fondamentaux, comme l’énergie de l’extrusion qui la fait s’étendre sur une surface et la volonté de pousser l’expérience jusqu’au moment où l’habillage est complet. Les dessins de Samir Mougas sont projetés en creux dans la matière fusible, leurs empreintes sont révélées comme on relève avec du plâtre les indices du passage d’une bête antédiluvienne dans la boue pétrifiée. Ses formes croquées à l’échelle d’un Post-it serpentent dans la résine polyester et rayonnent de l’énergie noire qui porte le spectre de toutes les couleurs visibles jusqu’à nos yeux.

A Hard Edge With a Soft Core n’aurait rien d’un pari sans la carte blanche offerte au duo d’artistes Mobilier Peint, composé de Flora Moscovici et Yoan Sorin. Flora Moscovici diffuse habilement la peinture dans l’environnement qui en devient le support. Ses œuvres rendent la couleur tangible, palpable et aussi mystérieuse que le serait un phénomène physique inconnu. Yoan Sorin dispose de plusieurs cordes à son arc : ses travaux couvrent plusieurs registres de gestes et annexent différentes formes du temps. Il travaille souvent avec son propre corps qui vectorise une énergie projetée vers l’audience. Mobilier Peint approche le geste qui empreinte la matière en puisant dans une vaste typologie de matériaux, de surfaces et de supports, qui parle au nom de tous les artistes de A Hard Edge With a Soft Core.

Samir Mougas

À Cris Ouverts – title of the 6th edition of Les Ateliers de Rennes – Contemporary Art Biennale – sounds to the ear “or says” other than it reads: “with wide open screams/or crisis/or verse/or green”. It aims to reflect on different ways of being by opening up and enacting distinct paths, not only through dissonance but also through contestation (and sometimes) through the break of meaning that happens with the embracing of the unknown.

Rather than having recourse to a structure where artworks should de facto fit into themes, the two appointed curators of this 6th edition, Céline Kopp  and Étienne Bernard, intend to present a plurality of artistic practices that operate in the break of the systems that rule our contemporary societies.

To this end, this Biennale project aims to gather about thirty international artists who have been shaping different ways to inhabit the world, and who are reflecting on distinct imaginaries of a collective whole. The exhibitions will show large bodies of work and new commissions specifically produced for the occasion. Keeping with the investigations carried out by the Biennale’s previous editions on the links between art and economy, the participating artists of this 6th edition are looking beyond the established principles of domestication in which the subordination and management of other subjectivities –human, non–human or post–human– have imposed themselves as the only way to secure value and inhabit the social and natural world.

À Cris ouverts, 6e édition des Ateliers de Rennes, Biennale d’art contemporain

Commissariat : Étienne Bernard & Céline Kopp

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À en juger les petites flaques d’eau qui subsistent au fond des aquariums et les traces humides qui colorent le bord des rideaux, il semblerait que la Galerie Art & Essai ait été inondée puis que l’eau s’en soit retirée, charriant avec elle des résidus de cheveux et de poussière. Chez Paul Maheke, l’eau, élément primordial qui nous constitue et nous entoure, entretient un fort rapport au corps. Elle est dans son travail une matière féministe, politique et poétique, une manière d’envisager l’identité et la mémoire comme un terrain fluide, porteur de nombreuses strates. Une lumière tamisée et légèrement colorée baigne « Dans l’éther, là, ou l’eau » (2018), première exposition personnelle de l’artiste dans un centre d’art en France. Les objets domestiques comme les aquariums et les rideaux y cohabitent avec une dimension cosmologique incarnée par la vaste fresque représentant la planète Jupiter. Il s’y joue quelque chose de l’ordre de la transparence, celle du liquide et du verre, mais également de l’invisible. Dans l’opacité se camouflent peut-être des histoires de fantôme ou d’occultisme. Dans une pièce adjacente, les mains d’un magicien filmées en République dominicaine opèrent une série de gestes qui font apparaître et disparaître du feu, des cartes. Ponctuellement, l’installation est investie par des corps en mouvement qui prennent la parole, chantent. Ainsi les trois performeuses de I took everything and made it my own (the ghost is an appropriationist) entremêlent des récits d’apparition et de visions oraculaires, tissent des références empruntées à la littérature d’Édouard Glissant, d’Audre Lorde comme aux chorégraphies de Michael Jackson. Plus tard, ce seront l’artiste, sa sœur Alix et son frère Simon qui y exploreront le Kindoki, un système de pensée et pratique magiques originaires du Bas-Congo.
A familiar familial place of confusion poursuivra dans le contexte de la fratrie l’investigation du corps, les énergies et mémoires qui le traversent, ses ombres.

Né en 1985, Paul Maheke vit et travaille à Londres.

La 6^e édition de la biennale d’art contemporain Les Ateliers de Rennes met en lumière une pluralité de pratiques artistiques qui opèrent dans les fissures des systèmes régissant nos sociétés contemporaines. L’exposition présentée dans différents lieux, dont le Frac Bretagne, est l’aboutissement d’un dialogue rassemblant une trentaine (dont une douzaine au Frac) d’artistes de dimension internationale, de générations et d’origines diverses, dont les œuvres façonnent d’autres manières d’habiter le monde et d’imaginer l’être collectif.

Exposition produite par l’association Art Norac, dans le cadre des Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain

Madison Bycroft (1987, Australie) produit, à lʼinvitation de la galerie Raymond Hains et des Ateliers de Rennes – biennale dʼart contemporain, sa première exposition dʼenvergure en centre dʼart. Ses recherches balaient le spectre des communications, navigant de lʼarticulé à lʼinarticulable. Sa production se déploie sous forme de vidéos, de performances et de sculptures.

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Têtes de Minotaure en papier mâché, mollusques langue pendue, personnages grimés ; telles sont les figures auxquelles Madison Bycroft donne vie dans ses vidéos, sculptures et performances. Souvent au coeur de dispositifs théâtraux, et ce quʼils comprennent comme décors, travestissements et monologues, ces personnages examinent la façon dont nous communiquons entre individus, espèces et les [im] possibilités de la traduction dʼune parole, dʼune émotion. Récemment, lʼattention de lʼartiste sʼest portée sur les homophones, ces mots similaires à lʼoreille mais dont les orthographes et significations diffèrent. Au-delà des jeux sur le langage quʼil induit, lʼhomophone a une dimension plastique et politique : sous une uniformité de surface se cache une multiplicité de sens ; sous une même bannière peuvent se solidariser des identités résolument différentes.

M. Bycroft envisage cette question dans « International Waters », un ensemble de nouvelles productions présentées à la galerie Raymond Hains. À travers plusieurs vignettes, le film Jolly Rodgers and Friends (2018) conte notamment lʼhistoire de deux femmes pirates embarquées sur un bateau sous les traits dʼhommes. Lʼandrogynie des personnages, les jeux de camouflage participent dʼune dramaturgie qui sʼarticule avec le reste de lʼinstallation dans laquelle on pénètre en montant sur scène. Juché·e·s sur lʼestrade, comme si nous étions les acteur·ice·s de la pièce, nous faisons face à plusieurs sculptures étranges qui sʼavèrent être notre propre public (Bad Crowd, 2018). (…)

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Après son master au Piet Zwart Institute of Fine Art (Rotterdam) en 2016, Madison Bycroft a montré ses travaux à la Biennale de Sharjah (Beyrouth, Liban), à Adelaïde (Marseille) en association avec Triangle France, ainsi quʼà Münster (Allemagne), Athènes (Grèce), Christchurch (Nouvelle-Zélande) et New-York (USA).

For his first personal exhibition at the Oniris gallery, Didier Mencoboni presents canvases, works on paper and recent sculptures from 28 September to 03 November 2018.

Didier Mencoboni’s work answers three essential points: abstraction, concept and color. His work is made up of both small and large formats and periodically calls for different media such as canvas, paper, fabric, plexiglass or other materials. The work of Didier Mencoboni is deliberately experimental. It is necessary for him to vary the disciplines in order not to create habits with a medium. Each technique is an extension of the other: there is the idea of going out of the table to go to volume or rather extend the table.

Les Renc’arts sont des visites commentées qui vous invitent à prendre le temps de découvrir la démarche de l’artiste et le processus de création. Il s’agit d’un temps d’échanges convivial, ouvert à tous.

Entrée Libre – 17h

Toute lʼœuvre dʼElsa Sahal est marquée par un décalage singulier entre la céramique, une technique très ancienne souvent associée à lʼartisanat, et un propos contemporain, incarné et vivant. Apparue sur la scène artistique à la fin des années 90, Elsa Sahal a suivi lʼenseignement de Jeanclos à lʼÉcole nationale des beaux-arts de Paris. Au fil du temps, elle a développé un vocabulaire personnel oscillant entre une figuration inquiétante et une abstraction joyeuse, mettant en place un répertoire biomorphique étrange, un langage par lequel le corps et la féminité, sans cesse interrogés, se déploient à travers des organes et orifices isolés, ou encore des motifs viscéraux soulignés par des couleurs fortes et par lʼémail recouvrant le grès.

Les Éditions Incertain Sens seront au salon MAD, à la Monnaie à Paris pour présenter leurs nouveautés. À cette occasion, Stéphane Le Mercier et Éric Watier donneront une lecture.

IHCAR est autrice de bandes dessinées et illustratrice à Nantes. Installée à l’atelier Manu Manu de Maison Fumetti, elle y développe un style graphique qui s’appuie sur la texture, la forme et le contraste.

A L’aparté, réflexions et recherches ont amené l’artiste vers l’exploration d’une narration plus abstraite et conceptuelle, mais toujours en quête de sens et d’esthétisme. C’est donc tout naturellement sur ces pistes graphiques et narratives que les questionnements en lien avec l’astronomie et la métaphysique se sont posés.

Voyage aux centres du multivers aborde ces mondes parallèles et inconnus qui ne cessent de provoquer chez l’être humain fantasmes, angoisse et curiosité. Ici il est question de perdre ses repères, le temps d’une exposition, afin de flirter avec ce qui n’est pas tangible : dans une géométrie familière et orthonormée s’immiscent des passerelles et des formes qui défient les lois physiques.

Et si l’expérience fait naître un certain sentiment d’étrangeté, n’est-ce pas un passage obligé pour avoir un regard neuf sur ce qui nous entoure ? Une question qui résonne avec le triptyque final de l’exposition, L’Origine des mondes.

Dans le cadre de la résidence elle édite également un court récit en bande dessinée, Atlantisme. L’occasion pour IHCAR de parler des eaux troubles de nos souvenirs sentimentaux…

Exposition organisée dans le cadre du PAZAPA BD de Montfort Communauté programmé du 7 septembre au 27 octobre 2018. En partenariat avec l’association Le Chantier et le réseau Avélia.

L’artothèque a invité Gwenola Furic, spécialiste de la photographie patrimoniale, à porter son regard sur les nouvelles acquisitions de l’artothèque. Cette dernière propose une exposition mettant l’accent sur les matériaux choisis par les artistes.

Jules-Eugène Auclair, un photographe français des années 30.

Le nom et la personnalité de Jules-Eugène Auclair ne sont connus ni du grand public, ni même des historiens de la photographie. Pourtant sa production iconographique fait partie du patrimoine collectif français pour avoir été vue par des générations de voyageurs.

Jules-Eugène Auclair était photographe indépendant. Les compagnies de chemin de fer ont été pendant 10 ans (de 1929 à 1939) ses principaux commanditaires.

Né dans l’Indre en 1895, c’est en 1929 que Auclair entreprend un périple vers le Finistère pour mettre en pratique sa connaissance, récemment acquise, de la technique de prise de vue à la chambre.

Auclair les propose à la vente à la Direction de la Compagnie de l’Etat à Saint-Lazare, qui dessert l’ouest de la France. Une vaste opération de promotion des régions et de développement du tourisme ferroviaire est montée.

De commande en commande, Auclair devient imperceptiblement le fournisseur officiel, à qui la SNCF (devenue compagnie nationale en 1936), va faire dresser un constat topographique, architectural et ethnologique de la France des années 30.

En 1939, Jules-Eugène Auclair se positionne à nouveau en précurseur. Il ouvre un studio laboratoire photographique qu’il équipe d’agrandisseurs sur rails LORION : les négatifs sont projetés au mur et la réalisation des tirages au mètre carré est rendue possible.

Grâce à ce procédé, Auclair se lance dans la réalisation de découvertes photographiques et commence à conquérir le marché du décor de cinéma.

Janvier 1940: Auclair est démobilisé à Bourges; il en revient en août. 1949 marque la fin de ses activités et de sa vie.

Clotilde Leroy L’image Sartony

Hanna Maria Ograbisz-Krawiec is a Polish artist. His artistic work focuses on the dependence of the sculptural form on space and more in relation to the environment.

For the art center, the artist proposes to intervene with monumental abstract forms that will take place in the chapel. Suspended, ashore or halfway, they formerly a unique course for the eye. Their texture of playing with the transparency and the vision of the visitor.

Every summer, L’art dans les chapelles presents works by french artists and internationals.
The exhibitions are settled in chapels all around the city of Pontivy.
Artists are invited to create works interacting with the architecture of those historical places and their landscapes.

Julie Giraud détourne les images, les construit, les déconstruit pour mieux les analyser et nous en offrir, par la juxtaposition des médiums, une nouvelle perception.

Ses sujets sont régulièrement travaillés en série : les explosions, la brume, les nuages… A L’aparté, l’artiste propose une invitation au voyage à travers une mise en scène de sérigraphies et de peintures représentant des motels*. Son intérêt pour l’architecture des motels, et l’imaginaire qui s’y rattache, naît d’un voyage en Amérique du Nord.

En installant une enseigne lumineuse rose sur la façade de L’aparté, l’artiste invite le visiteur à pénétrer dans ce « MOTEL » improvisé. Dans l’exposition, deux mondes se complètent : l’un évoquant la nuit, les lumières des néons, le crissement des gravillons, l’autre, le jour, le paysage écrasé sous la chaleur où tout semble immobile. Pour les intérieurs des chambres de motels, à la décoration à la frontière du kitsch, l’artiste joue avec les motifs et des univers colorés saturés.

Tous les amoureux de Paris Texas**, des atmosphères désolées des tableaux d’Edward Hopper, des errances à travers les États-Unis, en un mot d’un certain imaginaire américain né de l’immensité géographique du territoire, trouveront dans l’exposition Motels de Julie Giraud source à réflexions… et à contemplation.

* Contraction de motor car, automobile, et hôtel. Né en Amérique du Nord, le motel est un type d’hébergement hôtelier situé à proximité des grands itinéraires routiers, permettant aux automobilistes de passage de faire une halte.

** Paris, Texas est un film franco-allemand réalisé par Wim Wenders, sorti en 1984.

La Criée centre for contemporary art is welcoming Vincent Gicquel for his first solo exhibition in an art centre. To mark the occasion the artist will be premiering a new series of large watercolours.

 C’est pas grave (No big deal) is produced by La Criée centre for contemporary art in parallel with the Pinault Collection in Rennes exhibition Debout ! (Stand Up!) featuring new paintings by Vincent Gicquel.

Vincent Gicquel is fond of saying paint flows in his veins, but drawing has a visceral hold on him as well. For this tireless worker drawing, most often in the form of watercolour, can serve as a preliminary study, a quick release for the setbacks and impasses painting sometimes leads him to, a moment of inspiration urgently thrown down on paper, or a long-simmering problem abruptly clobbered.

In his series of large watercolours for La Criée, Gicquel reprises and elaborates on his favourite subjects – his painterly and humanistic concerns: the place of the decorative motif in painting; the place of the figure in composition; and the place – tragicomic, miserable and risible but also and thereby exhilarating – of human beings in society and the world: Ecce Homo.

Paralleling his painting and taking it further, Gicquel’s watercolours convey, in its starkest, most concentrated form, all the urgency of the commitment to life and art of this hypersensitive yet amused observer of the human comedy.

Benoît-Marie Moriceau’s work varies greatly in terms of both form and scale, from the minimal
modification of the exhibition space to the landcape-scale intervention. All of his work, however, takes into consideration the context in which they are presented or the point of view which makes it possible to apprehend them. Whatever the typology, Benoît-Marie Moriceau’s work pertains to the site, from its spatial configuration to its history and uses.

For his project at Les Champs Libres, at the invitation of 40mcube, the artist brings together and creates
a dialogue between several distinct aspects of his practice and artistic career: an immersive exhibition displaying, on a reduced scale, a collection of works, and an installation visible from the panorama of the library. From this space dedicated to the transfer of knowledge, and its location within the city, Benoît-Marie Moriceau presents a two-part exhibition that involves, through sampling, multiple and fragmentary places and temporalities.

Meet Adam Jeppesen and preview his installation for the 27th edition of Art in the Chapels.
FREE
Learn more about the artist: http://www.artchapelles.com/articles/index.php?numrubrique=936&numsousrubrique=956&rubrique=les.artistes.2018_adam.jeppesen

Pendant près de 10 ans, Juliette Agnel a été en route. Elle a traversé des territoires, voyagé au Mali où les routes sont rouges, en Côte d’Ivoire où elles apparaissent vertes ou bien encore au Niger où on les découvre jaunes. De l’Afrique, jusqu’à la Corée, de l’Islande à la Norvège, son appareil photo et sa caméra se sont fait le réceptacle de contrées à explorer, de rencontres à faire.

«J’ai cru pendant longtemps que j’allais faire du documentaire », explique-t-elle. C’est de cette première ambition, grâce à laquelle elle a travaillé avec les équipes de Jean Rouch et s’est confrontée à l’ethnographie, que lui est resté le goût pour les voyages et la découverte. Mais, dit-elle encore : « les paysages étaient toujours pour moi à la fois traversés et imaginés, des supports de fiction».

C’est dans ce sens qu’il faudra comprendre sa série Laps, réalisée entre 2003 et 2005 au Niger, en Côte d’Ivoire et en Guinée, série éminemment subjective dans laquelle elle filme des routes en Super 8, ces routes qui sont aussi celles de ses racines puisque c’est là, sur ces terres lointaines, que sa grand-mère est née. Les images, fruit d’un flux arrêté, sont pleines de grain, mais la lumière de l’Afrique semble avoir laissé sa marque sur ces routes à n’en plus finir.

C’est avec la série Coréenne, puis celle des Éblouis que pour la première fois des visages émergent de l’obscurité. Chargés d’une intense picturalité, ces portraits sont réalisés grâce à un dispositif de camera obscura numérique. Une chambre noire nous ramène aux origines de la photographie et permet la création d’une image originelle. Témoignant du monde, apparition, ou disparition, les images obtenues, conservent ce halo dans lequel se forme une zone d’incertitude visuelle où le temps se dilate.

Léa Bismuth

Meet Cécile Beau and preview her installation for the 27th edition of L'art dans les chapelles.
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Learn more about the artist http://www.artchapelles.com/les_artistes_2018_Ccile_Beau/936-948-0

Meet Charlotte Charbonnel and preview her installation for the 27th edition of L'art dans les chapelles.
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Learn more about the artist : http://www.artchapelles.com/les_artistes_2018_Charlotte_Charbonnel/936-949-0

Meet Joan Ayrton and preview her installation for the 27th edition of Art in the Chapels.
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Learn more about the artist : http://www.artchapelles.com/les_artistes_2018_Joan_Ayrton/936-947-0

Meet David Renaud and preview his installation for the 27th edition of L'art dans les chapelles

. FREE Learn more about the artist

Meet Silvia Hestnes and preview her installation for the 27th edition of L’art dans les chapelles.
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Learn more about the artist: http://www.artchapelles.com/les_artistes_2018_Silvia_Hestnes/936-938-0

Meet Peter Soriano and preview his installation for the 27th edition of L'art dans les chapelles.
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Learn more about the artist : http://www.artchapelles.com/les_artistes_2018_Peter_Soriano/936-958-0

Un capharnaüm. C’est la première impression que donne l’espace de travail de Rika Tanaka. Une fois passé le seuil de son atelier, quelques pas seulement nous entraînent au cœur d’un véritable méandre de croquis, de volumes en plâtre, de plaques de bois, de photographies et d’une vaste panoplie d’outils et d’objets hétéroclite. C’est dans ce désordre dont l’artiste ne peut se passer que sont conçues ses productions graphiques et sculpturales.

Les murs sont littéralement tapissés de dessins agrémentés de chiffres et autres notes d’abord tracés dans de vieux carnets. Bien qu’il ne s’agisse que d’esquisses, voire de pense-bêtes qui remplissent déjà plusieurs cartons empilés dans un coin de l’atelier, le choix du papier est primordial. Sa couleur, son état de conservation ou encore le motif imprimé qu’il propose influencent directement la main de Rika Tanaka. Quelques pages restent même vierges et rejoignent l’immense collection d’objets éparses de l’artiste : cartes anciennes, coquillages fossilisés, fruits séchés, minéraux, flacons de verre, plumes d’oiseaux, miroirs, etc.

Aucun ne se distingue par sa rareté ou une quelconque valeur pécuniaire. Précautionneusement classés selon leurs formes, leur taille ou leur origine, la plupart sont issus de collectes en milieu naturel, de brocantes et de dépôts-vente. Leur statut est en tout point similaire aux ébauches scotchées aux murs. Ils sont les germes, les prémisses de projets à venir. Certains engendreront des formes nouvelles et abstraites, certains se multiplieront par la technique du moulage ou de la photocopie, quand d’autres seront préservés pour leurs qualités intrinsèques. Environnée de ses matériaux de préparation, l’artiste déploie son laboratoire. Les expériences sont multiples et simultanées ; peu de résultats en revanche quittent l’atelier pour une présentation publique. L’obtention d’un seul moulage de mains jointes en ciment ne demande pas seulement la réalisation préalable de divers modèles en plâtre afin de trouver la forme et le geste adéquats. Plusieurs tirages successifs sont nécessaires, en plâtre, en pierre reconstituée, en silicone et finalement en ciment pour définir le meilleur matériau comme la meilleure manière de l’utiliser. Chaque pièce est le fruit de lentes et parfois difficiles opérations. Le titre de l’exposition est sans ambiguïté. Le temps est une donnée fondamentale dans la pratique de Rika Tanaka. Pourtant, ni le labeur ni la patience observée par l’artiste ne transparaissent dans ses œuvres. Ses interventions sont ténues, discrètes, au point de se confondre avec les marques du roulis des vagues sur un coquillage ou les rognures d’insectes xylophages sur un morceau de bois. Son travail se limite parfois à un simple surlignage de ces effets de la nature auxquels on ne prête généralement pas attention. Après plusieurs mois de séchage et d’observation par exemple, la simple incrustation de feuilles d’or et d’argent relève et révèle tout à la fois le relief si particulier d’un épi de maïs. Cette mise en valeur d’objets naturels n’est pas sans rappeler la longue tradition occidentale des cabinets de curiosités. À l’instar des savants européens de la Renaissance, l’artiste se plaît d’ailleurs à réunir des éléments volontairement disparates selon des analogies de forme, de couleur et de texture. Ces rapprochements d’objets extraits de leurs cadres habituels ne sont pas non plus sans rappeler un certain surréalisme en faisant émerger une esthétique, un onirisme de l’étrange*. Ces deux références ne sont après tout pas si éloignées. Il n’est que de se rappeler la décoration étonnante de l’appartement d’André Breton aujourd’hui visible au Centre Georges Pompidou. Or, plus encore que ces sources occidentales que reconnaît volontiers l’artiste, les compositions présentées à L’aparté semblent davantage témoigner d’une philosophie — et l’on serait tenté de parler d’une sensibilité — toute japonaise, celle du Wabi-Sabi. Appliquée dès le XVᵉ siècle par le moine Murata Jukō, cette pensée unit « le wabi (solitude, simplicité, mélancolie, nature, tristesse, asymétrie, irrégularité…) au sabi (altération par le temps, décrépitude des choses vieillissantes, patine des objets…), pour faire l’apologie de l’éphémère, de la fragilité, de la beauté des choses imparfaites et modestes**». Ainsi pourrait s’expliquer le goût de l’artiste pour les matériaux a priori pauvres et sans attrait que sont les boutons de vêtement ou les copeaux de bois ramassés au gré de ses promenades autour de l’étang de Trémelin. En les disposant sur des supports sobres mais néanmoins ouvragés, l’artiste dévoile toute la singularité de ces objets de rebut. Plus encore qu’à une observation méticuleuse de ces spécimens, elle nous invite à leur contemplation. Tout comme des suiseki, ces pierres aux formes de paysages collectionnées par les lettrés nippons, chaque élément, aussi humble soit-il, se pare de mille et un parements jusqu’à la simple peau de courgette qui, sous le regard attentif de Rika Tanaka, se transfigure en modèle cosmographique. « Ainsi le minuscule, porte étroite s’il en est, ouvre un monde. Le détail d’une chose peut être le signe d’un monde nouveau, d’un monde qui comme tous les mondes, contient les attributs de la grandeur***».

Texte écrit par Quentin Montagne, mai 2018

* Abraham Moles, Psychologie du kitsch, Paris, Pocket, 2016, p.32.

** Magali Laigne, « Transient Beauty (wabi sabi) », Techniques & Culture, n°57, 2011, pp.256-267.

*** Gaston Bachelard, La Poétique de l’espace, Paris, PUF, 1998, p.146.

N. DESCRIPTION (FRANÇAIS)

La Galerie Le Lieu accueillera du 17 au 26 mai trois Résidences d’artistes au milieu scolaire:

RÉSIDENCE ILES DU PONANT – GROIX / BELLE ILE

Antoine de Tapol (photographe)

« L’adolescence dans les îles»

Collège des îles du Ponant et Collège Michel Lotte de Belle île.

Le photographe Antoine VINCENS de TAPOL est représenté par la Galerie Le Lieu. Il a réalisé

avec les collégiens, une série photographiques où les élèves ont été les acteurs de leurs histoires.

Projet porté par la Galerie Le Lieu

RÉSIDENCE BIEUZY LES EAUX et GAVRES

Eric Bouttier (photographe)

« Le Territoire du quotidien – Cartes Postales»

École Roland Le Merlus, Bieuzy-les-Eaux – École Anita Conti, Gâvres.

L’idée a été d’établir, par le biais de la carte postale envisagée à la fois comme médium artistique et

comme outil de communication sociétale, une correspondance visuelle et écrite entre deux classes,

de deux écoles différentes : une école de bord de mer et une école de campagne.

Projet porté par la Galerie Le Lieu

RÉSIDENCE ÉCOLE DE KEROMAN – LORIENT

Simon Augade et Thomas Daveluy

« Micro-morphose»

École primaire de Keroman.

Dans le cadre du dispositif « Des artistes à l’école », deux artistes de l’association Multi-Prises ont été

invités à construire des ateliers artistiques. L’idée a été de concevoir et réaliser un échiquier à partir

de la création de pièces en 3D, permettant ainsi la rencontre entre le monde de l’éducation, de la

création et des nouvelles technologies.

Projet porté par le Domaine de Kerguéhennec.

“Je recherche une forme, une couleur, une musique, une poésie… en somme un prétexte. C’est à partir du texte que je puise le plus souvent ma source. Le mot est mon matériau, il devient motif.” Aujourd’hui, l’artiste développe davantage l’idée d’un prétexte dans le but d’habiller/habiter l’espace. “À la fois atelier et lieu de résidence, entre intimité et exhibition, la galerie s’empare d’un quotidien pour réinventer la rencontre, le dialogue.”

LE CABINET DU LIVRE D’ARTISTE PRÉSENTE :
— « BIBLIOTHÈQUE ESTUDIANTINE #10 »
Exposition collective réunissant neuf écoles d’art francophones.

EXPOSITION DU 3 AU 31 MAI 2018
VERNISSAGE JEUDI 3 MAI DE 14H À 17H

L’exposition consacrée à la création étudiante s’ouvre, à partir de cette année, à plusieurs écoles d’art françaises, suisses et belges afin de réunir les meilleurs travaux réalisés dans l’année au sein de chaque structure partenaire.

BIBLIOTHÈQUE ESTUDIANTINE #10
avec les travaux des étudiants de :
EESAB Rennes
PN ENSBA Paris
ESA Tourcoing
ESADHaR Rouen
ESADSE Saint-Étienne
HEAD Genève
La Cambre Bruxelles
Université Lille 3
Université Rennes 2

Avec : Steven Akoun, Gwladys Alonzo, Clémence Althabegoïty, Quentin Alves, Océane Azeau, Liloë Bartnik, Audrey Bertoïa, Brigida Bocini, Léa Bouttier, Anaïs Caron, Paul Caharet, Lou Celli, Simon Chemineau, Pauline Cordier, Nelly Courtois, Ben Dabush, Barbara Decrook, Juliette Dérutin, Alexis Etienne, Caroline Etter, Typhaine Faunière, Clemens Fellmann, Sabrina Fernandez, Julie Gaubert, Victor Gogly, Juliette Green, Karl von Hammerstein, Christelle Herbert, Yi-Ping Huang, Alma Hosseini-Oskouei, Marie Johannot, Anton Kessel, Sarah Laaroussi, Morgane Lainier, Raphaël de la Morinerie, Fleur Leclère, Marcel Mariotte, Amandine Ostak, Mathias Pfund, Léa Ripoche, Marie Rosier, Alizée Ségard, Mathilde Segonds, Pauline Soulier, Laura Spozio, Tina Schwitzgebel, Laëtitia Szuzurek, Antoine Tarkowski, Hélène Thomas, Alexandre Texier, Léa Valet, Lucie Vidal, Jee Yeongseo, Zhao Yu, et bien d’autres.

Remerciements à Marie Boivent, Yves Chaudouët, Dominique De Beir, Nathalie Delbard, Océane Delleaux, Veronika Doszla, Laurent Duthion, Barbara Fédier, Véronique Goudinoux, Anne Goy, Odile Le Borgne, Pierre Leguillon, Stéphane Le Mercier, Laurence Lépron, Anne-Émilie Philippe, Valérie Poifol, Fabienne Radi, Catherine Schwartz, Yann Sérandour, Muriel Taragano et Élodie Wysocki, et à l’ensemble des étudiants participants

After developping his practice abroad since the 90’s (« Villa Médicis Hors Les Murs » in Dublin, Budapest, Stuttgart…) Stephane Lemercier has developped a strong taste for the emergence of polyglot storys and forms, crating tension between heterogenous elements (ready-made textuel et artist’s prints, typography & post-minimal sculpture).

L’exposition « Discreetly living behind your face » sera visible jusqu’au 25 juin.

La galerie présente cette exposition dans le cadre de RENDEZ VOUS A SAINT-BRIAC , parcours d’art contemporain www.festivartsaintbriac.fr

Photographe et plasticien, Didier Frouin-Guillery est aussi un collectionneur de collections en tous genres. Dans cette exposition, il met en scène un parcours qui combine une collecte d’images et d’objets, glanés ces vingt cinq dernières années, avec des créations aux techniques diverses (photographie, collage, assemblage, sculpture, dessin).

Au fil du temps, la photographie a pris une place majeure dans le travail de l’artiste qui se définit comme un « chasseur-cueilleur » d’images. Sa pratique s’énonce dans un double mouvement. Observateur de tous les événements du quotidien, le photographe fait de ses captures de choses anodines, ou qu’on ne voit plus, des curiosités poétiques à interroger. Il est aussi “guetteur” dans les divers espaces du monde de l’art, attentif aux visiteurs tout autant qu’aux œuvres. Grand amateur d’histoire de l’art, le photographe dit que son regard a beaucoup, voire tout appris de la peinture.

Didier Frouin-Guillery ne présente pas de photos individuelles. Après le temps de la prise de vue, il entame systématiquement un travail de montage de deux ou trois images. Ses diptyques ou triptyques prennent la forme de curieuses associations et d’assemblages inédits. L’artiste joue ainsi d’allers-retours de sens et d’énigme entre la chose et sa photographie, et entre les photographies à l’intérieur de chacun de ses ensembles. On peut y chercher des correspondances de sujets ou d’histoires, de lieu ou de temps, et des accords, ou des oppositions, de couleur, de forme et de composition. Chaque montage constitue une sorte de haïku visuel qui concentre et déroute en même temps le regard.

Dans son cheminement, l’artiste trace une arborescence de signes nourrie de culture populaire et d’histoire de l’art, d’histoire personnelle et d’histoires collectives. Il compose un récit poétique où chacun peut se reconnaître, questionner sa mémoire et son imaginaire.

Didier Frouin-Guillery est né à Rabat (Maroc). Après une formation de sociologie et d’ethnologie, il poursuit, sous la direction de Bernard Teyssèdre, des études d’arts plastiques à l’Université de Paris 1. Il vit et travaille à Quimper.

Marc Georgeault is a Breton sculptor close to nature and affected by our way of living with her. His technical skills around metal and wood enable him to produce relevant and original works, in dialogue with the place and its audience, always nourished by its ethical values in a breath of contemporary creation.

At the art center, the change of scale of the different installations and sculptures will change the perception of our relationship to insects and initiate reflection on our position as a self-proclaimed superior species. Passing the door is a symbolic opening to another present you will cross.

Get ready for the invasion of insects and open your eyes as soon as you cross the moat!

Gallery Oniris devotes a personal exhibition to Geneviève Asse during the ART PARIS ART FAIR SHOW, from 5 to 8 april 2018.

Painter of light, Geneviève Asse is first identified today by an incomparable color, the "blue ASSE". Present in the largest public collections and in many international exhibitions, she has been a major artist on the French scene since the early 1950s.

more informations : http://www.galerie-oniris.fr/actus/salons/art-paris/

Idée de la répétition d’un même système (assonance) doublée de son amplification (résonance) .

Les œuvres sont nées dans l’atelier de chacun, de manière indépendante et non concertée, mais leurs auteurs ont pris soin de les choisir précisément pour qu’elles puissent s’entendre et rentrer en résonance. L’une d’elle pourtant, est née de discussions téléphoniques intenses, se construisant au fil des points joués en un ping-pong hertzien. Olivier et Pierre-Alexandre avaient construit l’ensemble de leur première exposition sur ce principe, et l’on peut entendre qu’ils ont retrouvé avec gaieté leurs règles de composition.

LES ÉDITIONS INCERTAIN SENS PRÉSENTENT :
— JÉRÔME DUPEYRAT
Entretiens : perspectives contemporaines sur les publications d’artistes