Temps des moissons au lieu des moissons is part of Guillaume Pellay’s exhibition intitled Blé on show at 40mcube from september 24 to december 18, 2021. The performance brings together Sarah Blumenfeld, Thomas Delahaye, Louis Deschamps, Guillaume Pellay, Solène Robert et Lina Schlageter for a caloric effort necessary for the caloric accumulation. It summons comedy, ballad, camera eye, realism, rock and dance, redeploying sources and constitutive elements of the exhibition: geese, Catherine Ringer and Marcia, lust, landscape gaze or heat.

Saturday, October 16, 2021 – 3 pm

Performance presented as part of
TELL ME | Performance and radio event
16.10.2021, 3 PM – 11:30 PM

TELL ME explores an art scene that combines pop culture and abstraction of forms.
TELL ME 2021 focuses on the emerging scene in Brittany.

Program: soap opera, stress&objects, switchboard operators, unbearable songs, magic, weightlessness, stories&drinks, dreamy and vaporous R’n’B, computerized languages.

TELL ME is a project of the Frac Bretagne, the museum of fine art of Rennes, La Criée centre for contemporary art and 40mcube centre for contemporary art.

With DUUU* Radio, Morgan Azaroff, Mathis Berchery, Emilien Chesnot, Guillaume Pellay, Francis Raynaud, Rubie, Alisson Schmitt and Anaïs Touchot.

40mcube
3 PM to 3:45 PM | Guillaume Pellay

Museum of Fine Arts
4:15 PM to 4:15 PM | Morgan Azaroff
From 5:00 PM to 5:20 PM | Francis Raynaud

Frac Bretagne
6 PM to 10 PM | Anaïs Touchot
7:30 PM to 8 PM | Emilien Chesnot
8:00 PM to 10:30 PM | Mathis Berchery
9:00 PM to 9:20 PM | Alisson Schmitt
10:30 PM to 11:30 PM | Rubie

Continuous radio show in Le Canyon du Frac Bretagne and listening on www.duuuradio.fr
In partnership with the Maison de la poésie – Rennes and with the support of the City of Rennes.

– 16h : projection du film Prises de terre (2019, 1h55)
– 18h30 : lecture d’extraits d’Arabat par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors)

Arabat, le livre et ses deux films, Prises de terre et Au-Delà de Nous, de Élodie Claeys & Caroline Cranskens, interrogent le collectif, les lieux de résistance ou de révolte des monts d’Arrée à Notre-Dame-des-Landes en passant par les ronds-points des gilets jaunes, comme autant de cellules vivantes, d’histoires de vies qui entrent en résonance et en contradiction avec les aspirations et les colères du présent.

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Dans le cadre de l’exposition ce qui nous lie — restitution des résidences de création dans les monts d’Arrée de Juliette Agnel & Anne Desplantez — focus sur les résidences passées et à venir organisées par l’association Poésie et pas de côté — éditions isabelle sauvage.

Lecture par Frédérique de Carvalho de son livre Barque pierre (éd. isabelle sauvage, 2020) avec la compagnie Caméléon (Sophie Chénet et Bénédicte Jucquois — voix, flûtes et structures Baschet).

Frédérique de Carvalho a fait de Plounéour-Ménez, et des paysages alentour, son pays d’attache. « La lande aura dressé / la table » d’écrire, et « la bogue hérissée de l’instant / est posée sur la table ». L’instant est fait des rencontres humaines, animales et géographiques, qui font de l’écriture un à-vif, « lieu soustrait » d’espace et de désir.

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Dans le cadre de l’exposition ce qui nous lie — restitution des résidences de création dans les monts d’Arrée de Juliette Agnel & Anne Desplantez — focus sur les résidences passées et à venir organisées par l’association Poésie et pas de côté — éditions isabelle sauvage.

Rencontre avec Juliette Agnel et le géobiologue Yann Gilbert autour du livre L’invisible (éd. isabelle sauvage, 2020).

En ethnologue-photographe, Juliette Agnel a arpenté les monts d’Arrée en compagnie de Yann Gilbert, ressentant les énergies cosmiques, telluriques, l’énergie des hommes, l’histoire des lieux, la mémoire des roches, pour dresser une sorte de conservatoire du vivant sous un prisme esthétique, déploiement d’un paysage imaginaire indicible.

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Dans le cadre de l’exposition ce qui nous lie — restitution des résidences de création dans les monts d’Arrée de Juliette Agnel & Anne Desplantez — focus sur les résidences passées et à venir organisées par l’association Poésie et pas de côté — éditions isabelle sauvage.

Résidence artistique pluri-disciplinaire avec la performeuse Latifa Laâbissi et la vidéaste néerlandaise Manon De Boer. Ghost Party est un projet artistique en deux parties, une performance et un film (dont l’intention n’est pas de filmer la performance). Il s’agit d’un montage sonore de conversations de personnes avec leur propre médium, qui propulse la voix au premier plan tout en questionnant ses accents, ses affects.

Latifa Laâbissi est chorégraphe et danseuse. Mêlant les genres, redéfinissant les formats, ses créations font entrer sur scène un hors-champ multiple où se découpent des figures et des voix. La mise en jeu de la voix et du visage devient indissociable de l’acte dansé. Depuis 2011, Latifa Laâbissi assure la direction artistique d’Extension Sauvage, un programme artistique et pédagogique en milieu rural (Bretagne). Manon de Boer est diplômée de l’Académie des beaux-arts de Rotterdam et de la Rijksakademie des beaux-arts d’Amsterdam. Partant de la narration de soi et de l’interprétation musicale à la fois comme méthode et comme sujet, elle explore la relation entre le langage, le temps et la vérité.

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Production : Figure Project et Auguste Orts
Coproduction (demandes en cours) : WIELS, Centre d’art contemporain, Bruxelles (BE) / Frac Bretagne (FR) / Kunstencentrum BUDA, Courtrai (BE) / la Communauté flamande de Belgique (BE) / Museum DhondtDhaenens, Deurle (BE) / Netwerk, Aalst (BE) / Kunstendecreet (BE) / Fondation Serralves (PT) / Théâtre de Poche, Hédé-Bazouges (FR) / Villa Rohannec’h – Conseil Départemental des Côtes d’Armor ( FR)

Comme en 2020, la villa Rohannec’h ouvre ses portes pour les Journées européennes du patrimoine 2021. Qu’est-ce que le patrimoine ? Quelles sont les choses qui font patrimoine à la Villa ? Peut-on l’aborder comme quelque chose d’intime, propre à chacun ? Le patrimoine se résume-t-il à des faits et éléments historiques ou peut-on plutôt l’envisager comme un continuum fait de vécus humains, d’une construction de nos mémoires, individuelles et collectives ? Autant d’interrogations auxquelles les artistes en résidence et hôtes de la Villa sont invités à répondre tout au long de la saison culturelle.
Mises en espace pour les journées du patrimoine, ces réponses forment une fabrique du patrimoine. Ces journées seront l’occasion de partager des mémoires du lieu et conter les histoires en train de s’écrire.

Entrée gratuite.

Friday, September 17 – Screening in the gardens of the Hotel Gabriel of Nicolas Hergoualc’h’s project: Touching the Limits

Program: A 30-minute photographic slideshow about interviews and original music composed and performed by Vincent Raude, presentation of the edition and meeting with the two artists.

Touching the boundaries was carried out with people met in the street or through their place of confinement, during the period from April 24 to May 5, 2020 in the Pays de Lorient (56).

65 portraits associated with an interview around 5 open-ended questions, on the change in daily life, the discovery of oneself and the representation of others, the fears and hopes of deconfinement. From these simple questions a great diversity emerges, neither sad nor joyful, made up of hope, expectation, return to oneself, submission to the rule or search for faults. The realization that this rhythm must be the one we must keep for ourselves, or the wish that everything should go back as before. Anger. Hopes of decline, slowdown and environmental awareness, often prejudiced by the intuition of a society that will not question itself even after this. Conspiracy theses and divine punishment too. An exceptional moment to discuss and take stock of what we are going through.

Touching the limits is one of Confiner’s etymology.”

Each year in June, the Higher National Diploma of Plastic Expression (DNSEP) takes place, conferring a master’s degree (Bac + 5 level).

LE CABINET DU LIVRE D’ARTISTE PRÉSENTE :
_ANTHOLOGIE DE LA REVUE VÉHICULE

EXPOSITION + ACTIVATIONS
EXPOSITION : 6 . 30 septembre 2021
COMMISSARIAT : Garance Dor, Vincent Menu, Aurélie Noury
ACTIVATIONS des partitions de la revue jeudi 16 septembre 2021 à partir de 17h au CLA
 

Véhicule est une revue d’artistes dédiée aux partitions contemporaines. Conçue par Garance Dor et Vincent Menu, elle paraît depuis 2010.
« Véhicule propose des partitions à activer par le lecteur. Véhicule diffuse des œuvres à faire par tous et partout : chez vous, dans un square, dans un espace d’exposition, dans un théâtre, dans une école, sur un stade. Seul ou à plusieurs : peignez-vous les avants-bras en rose, mettez tout de biais, perdez-vous dans la taïga, jouez avec la lumière, comptez, chantez, dansez, mettez la scène dans une salle d’exposition, vrillez la partition, balayez les spectateurs, inventez le désert. Ceci n’est plus une revue c’est un spectacle, une performance, un geste, une danse, une exposition, une musique, un service à mettre en œuvre.
Les lire c’est déjà les activer.
Faites-les vivre, encore, différemment. C’est à vous. »
 

Seanapse
de 12h à 22h00
L’association Seanapse de Plouha nous invite à plonger dans l’univers de la musique disco à l’occasion d’une manifestation festive et intergénérationnelle accueillie dans le parc de la villa : « Open air disco » ! Une proposition à multiples facettes : la musique, le lien à la nature et à la mer toute proche, les circuits-courts, la sensibilisation au tri des déchets, et une programmation très riche et le plus locale possible avec des DJ’s et des ateliers récréatifs et ludiques pour rendre le public acteur et faire évoluer la décoration du site tout au long de la journée.

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Restauration et mobilier invitant à la détente dans le site.
Programmation et dossier de presse à venir (association Seanapse).
Cette manifestation était initialement prévue en septembre 2020 et a été annulée en raison du contexte sanitaire.

Comme chaque saison, les adhérent.e.s (petits et grands) des ateliers arts visuels du PHAKT présentent les productions réalisées dans les ateliers à partir d’une thématique commune à tous.

C’est travaux ont été réalisés sous la conduite de nos intervenants, Céline Géraud et Maria Revilla pour les arts plastiques et graphiques, Jacques Mahé pour la Bande Dessinée et Alexandre Texier pour la photo.

Le thème de la saison 2020 – 2021 : Une découverte subjective d’un monde végétal rural, sauvage et urbain.

La nature et le végétal sont des thèmes centraux en art. Longtemps traité comme décor durant des siècles, la nature reste toutefois un élément narratif ou symbolique important dans un tableau. Elle devient un sujet autonome au 16^ème siècle avec la peinture de paysage. La volonté des artistes est alors de sublimer la nature pour en faire un genre à part entière aussi important que le portrait ou la nature morte. Avec l’arrivée de la photographie ou encore les tubes de peintures au 19^ème siècle, de nouvelles approches artistiques apparaissent, avec par exemple les Impressionnistes qui s’intéressent à saisir l’instant et peignent alors une nature suggérant avant tout une émotion. Sujet inépuisable, au 20^ème siècle la nature devient support avec le mouvement du Land Art et reste au cœur des sujets traités par les artistes aujourd’hui avec l’implication écologique.

Vous trouverez dans cette exposition l’ensemble des travaux des adhérent.e.s juxtaposés les uns aux autres, pour révéler un panorama de paysages présentant une nature parfois fantasmée, parfois symbolique ou réaliste.

Une exposition révélant la nature comme paysage, trace du temps mais aussi comme écosystème parfois modelé ou dominé par l’Humain, amenant donc à nous poser la question de notre impact et notre place dans notre environnement ?

Depuis octobre 2019, la villa Rohannec’’h, maison-atelier dédiée à l’’accueil d’’artistes en résidence, a expérimenté une résidence sur un temps long avec le chorégraphe et cinéaste Paul Wenninger. Durant son séjour, il a pu tourner et réaliser entièrement à la villa son film d’’animation, O, actuellement sélectionné et diffusé dans les plus prestigieux festivals d’’animation internationaux (Annecy, Tampere, Oberhausen…).
Désormais artiste associé à la villa, Paul est invité à poursuivre son travail personnel tout en s’impliquant dans la programmation de la villa.
Pour La villa en court 2, Paul Wenninger propose au public de découvrir une sélection de courts métrages d’animation et expérimentaux inédits ainsi que deux installations.

Installations

Les murs ont des oreilles – Julian Palacz
Austern – Judith Albert

Programme de courts métrages

The Spine – Chris Landreth
Angry Dogs – Shaun Clark
Movements – Jeong Dahee
Reruns – Rosto
Pause et échange avec le public
Inside – Yann Chapotel
Peripheria – David Coquard-Dassault
O – Paul Wenninger
GRID – Alexandra Alagôa
Train again – Peter Tscherkassky

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Samedi 28 et dimanche 29 août 2021
Séances à 18h et 21h
Gratuit, sous chapiteau (dans le parc de la villa Rohannec’h). 
Programme pour les adultes et adolescent.e.s
Le pass sanitaire est exigé pour accéder aux projections (certificat de vaccination, test RT-PCR négatif ou antigénique de moins de 72h ou certificat de rétablissement). Les enfants et jeunes de moins de 18 ans ne sont pas concernés par le pass sanitaire.

En écho à l’exposition Faire un monde, méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau.

Textes puisés dans le catalogue des éditions isabelle sauvage : Incantation pour nous toutes, d’Anna Milana, LE SOIR LA NUIT LE JOUR, de Vianney Lacombe & autres surprises…

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Sophie Hoarau est entrée au théâtre par son premier métier de costumière et avec le goût du travail en compagnies. En Bretagne, elle a collaboré avec Éric Vigner au CDDB de Lorient, les compagnies 13-10ème en Ut à Rennes, a k entrepôt ou Fiat Lux à Saint-Brieuc, Jo Coop à Lorient, les Théâtres du Laid Cru et du Tapis Bleu, l’Atelier des Possibles… Elle a cofondé et porté pendant quinze ans avec Séverine Valomet La Quincaille, lieu et compagnie à Poullaouen.

La poésie, aiguiseuse des perceptions et des expressions, constitue dès lors la matière première de ses projets de scène.

Elle multiplie depuis les lectures publiques lors de rendez-vous mêlant poésie, performances et arts plastiques. En 2019, elle passe de la forme lue à la mise en scène avec le monologue poétique Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon.

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Nous partagerons ensuite un apéritif gourmand !

In the context of artists’ residencies supported by an initiative of the Drac and Regional Council, the municipality of Peillac has partnered with Minoterie21 to invite the artist, Stéfan Tulépo in residence. Acting like an archeologist of the present and of our collective memory, Stéfan Tulépo’s practice is resolutely pluridisciplinary in nature. The exhibition at the end of his residency brings together his photos of ephemeral installations, alongside a number of found objects that end up as sculptures made with a grinder, projections of glass fragments or etchings made on a number of unexpected surfaces.

Commissaire associée à la galerie Quinconce, Doriane Spiteri propose le cycle TACTIQUES composé de deux expositions collectives. Installations, protocoles, jeu de société et vidéos : cette première exposition explore la manière dont les artistes se font tacticiens pour se jouer du monde du travail. 

En bricolant leur monde, les artistes présenté.e.s interrogent la financiarisation de la société, la place de l’individu dans le monde du travail. Ils.elles pointent les failles du système, les codes et espaces du pouvoir face à l’efficacité et la compétitivité. Alors que les nouvelles techniques de management ont récupéré à leur compte les capacités créatives des individus, modifiant profondément notre rapport au travail, les artistes usent de tactiques et de ruses en injectant une marge de créativité à l’intérieur d’un système à bout de souffle. 

Du 2 au 5 août (tous les jours 10h-12h30) !lighe!
Venez rencontrer Valentin Guichaux (artiste en résidence) dans son atelier et expérimenter avec lui les techniques de la peinture.

“Les ateliers portent sur la pratique picturale, soit par la découverte ou approfondissement de ce médium. La thématique de ces ateliers est de représenter la nature à son moment de beauté, dans la simplicité et l’ordre. Le point de départ est d’explorer les possibles picturaux nourris par les observations du paysage environnant. L’objectif est la création d’œuvres personnelles en conversation avec la pratique picturale de Valentin Guichaux. 
La prise de photographies en extérieur servira d’outil pour la recherche picturale. Les participants mèneront une recherche individuelle dans l’atelier pour peindre à partir des images récoltées. Un temps sera consacré à la découverte ou le perfectionnement de la technique à l’huile. Une accrochage des productions sera conçu le dernier jour de rencontres.” 

Programme détaillé 
Lundi 02/08 10h-12h30
Rencontre avec Valentin Guichaux, visite de son atelier et présentation de sa pratique artistique. Présentation du programme des 4 jours d’ateliers (atelier). Réalisation des images (prise photographique ou dessin en extérieur)

Mardi 03/08 10h-12h30
Expérimentations picturales et/ou dessin et élaboration d’une palette à partir d’objets choisis. Initiation et perfectionnement à la peinture l’huile.
Choix et tests autour des motifs de chacun (atelier). 

Mercredi 04/08 10h-12h30
Peinture à l’atelier, choix des motifs. Peinture sur papier d’après les prises photographiques. (atelier)

Jeudi 05/08 10h-12h30
Peinture à l’atelier, chacun poursuit ses recherches et le développement de son travail (atelier) Mise en place de l’accrochage (pour la présentation)

De nationalité suisse, Daniel Zimmermann est artiste plasticien, dramaturge et réalisateur. Formé initialement à la sculpture sur bois, il réalise aujourd’hui des films, installations et performances. Dans
son travail il répond à des situations et à l’environnement en questionnant le sens et la durabilité des actions humaines. Aujourd’hui, son travail est présenté à la fois dans des musées et des festivals de film. Il est le cofondateur avec la chorégraphe Amanda Piña de nadaproductions une plateforme de projets transdisciplinaires.

Note d’intention
L’une des visions les plus persistantes de la modernité est l’effondrement du monde. Pour l’éviter, DER WURF développe des stratégies qui transforment les simples spectateurs en individus engagés. Au début du film, le réalisateur meurt. S’en suit un voyage onirique. Dans un enchaînement successif de séquences développées en collaboration avec des artistes, des performeurs et des chorégraphes, la recherche de formes de conscience est documentée et rendue tangible en 12 tableaux. Chaque séquence se déroule dans un lieu qui permet au ressenti subjectif et à la réalité objective de fusionner. La caméra tourne autour de son propre axe. Le thème est décliné tout au long du film qui devient lui-même une performance documentaire. Ceux qui s’y laissent entraîner accèdent à une intériorité cinématographique déployée sur une période de 100 minutes.
DER WURF fait suite au dernier film de Daniel Zimmermann, WALDEN (primé à Zurich, Karlovy Vary et montré au festival de Sundance, etc). Avec les artistes participants à son projet, il se lance une fois de plus dans un voyage. Dans un processus exploratoire ouvert, des paraboles filmiques sensuelles et poétiques, impalpables et rationnellement inexplicables doivent être créées. Cela se déroule à travers les méthodes, les approches et les perspectives des participants, les situations et la dynamique des lieux ainsi que les rituels et leur signification.
Après Vienne, le désert près d’Arad, Tel Aviv et un alpage dans les montagnes suisses, la villa Rohannec’h à Saint-Brieuc est le prochain lieu de recherche (et de tournage) pour développer des stratégies artistiques, chorégraphiques et cinématographiques.

Dana Michel (CA), Linda Samaraweerova (AT), Robert Steijn (NL), Yoan Sorin (FR), Bernhard Braunstein (AT) et Daniel Zimmermann partageront leur instinct créatif et leur intuition pour répéter des
actions et des mises en scène qui seront enregistrées sous forme de plans d’essai. (Texte officiel de D. Zimmermann)

He feared the navy blue color would reach him, overwhelming him with a sweet melancholy. Through the crack of the Knowledge Gate, we could hear the sounds of a squeaky, bewitching beach siren. The defective bolt had lied about its use. The birds should have migrated smoothly, reaching the idyllic island of ancient

thickness, but no pain could describe the absent strength of tired wings… Fragility of calm seas… straight lines… Undecided raft of a chamber with a view. Gulls, seagulls and dying bodies washed up on the mattress in indecisive reverie. Cliff of the castaway, islet where to pass away, life wanders in front of danger. Lockers strewn with 

algae, swift hatching, light blue, reflection of an edge. Death who lives with electric sweetness. Farewell, Mary Shelley, farewell kingdom. Hello shore, hello memory, hello another day. The light passes through the slats of the blind. Fragmented vision of a store erased from the empty shelf. At a glance she kisses and is lost in doubt,

with a second wink she wonders convinced. Everything was to be understood, but nothing will allow it. It just had to be seen as an exercise in style. A thought that lets go and gets lost in the chromatic unknown.

En écho à l’exposition Faire un monde, méandres vous propose un moment de conversation parmi les œuvres avec Virginie Gautier.

Virginie Gautier s’attache aux lieux pour parler des corps, cherche des approches, se nourrit du paysage, trace et emmêle des lignes.
Elle étudie en école d’art puis développe une pratique artistique autour des questions d’espace, de perception et de déplacement qu’elle poursuit aujourd’hui en dessinant et en écrivant.
Elle est publiée aux éditions du Chemin de Fer, Joca Seria, et Publie.net ; et codirige chez ce dernier éditeur la collection L’esquif/poésie.
Après avoir enseigné les arts visuels, elle est engagée dans la recherche-création en littérature. Docteure en « Pratique et théorie de la création littéraire », elle est chargée de cours et d’ateliers à l’université de Cergy-Pontoise et dans divers lieux d’enseignement et de formation.

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Nous partagerons ensuite un apéritif gourmand !

As part of its Suite 2021 programme, the National Centre for Visual Arts (CNAP), invited Minoterie21 to present a new sound composition by Félicia Atkinson. The work will be installed inside Imaginary Landscape, a dome conceived by Roland Cognet as an homage to John Cage. Félicia Atkinson describes this work as a questioning of “the links maintained by minimal art with experimental and electro-accoustic music, especially through the filters of listening, feminism and its place on the margins of the history of art and music.”

Reverie and gigantism.

An XXL world of disproportionate proportions offering a universe full of hope for a sweet future, in which Man respects the living and allows himself to keep within himself the joy and innocence of childhood.

Cyrille André is a sculptor living in Marseille. His large format work offers to take part in what interests him: questioning humans and what remains of their origins, the animal part that still inhabits them.

Riad, c’est l’idée d’un jardin en arabe, un jardin cultivé, que l’on entretient, que l’on compose en fonction de la saisonnalité, de ses fruits, des couleurs. Dans l’architecture maghrébine, le Riad est un espace circonscrit, un jardin de l’intime. !

Pour sa première exposition personnelle, Élise Hallab explore la dualité de la composition des jardins, entre le dessin de massifs et la création de motifs végétaux ornant le foyer. Le processus de création mis en œuvre se joue entre extérieur et intérieur, entre le temps de la cueillette et celui de la réalisation des couleurs et de l’impression en sérigraphie. 

Ici, les végétaux sont autant les matériaux utilisés que l’objet de la représentation. Un jeu s’opère entre les plantes, leur couleur et l’espace coloré qu’elles créent ainsi qu’avec l’imaginaire qu’elles suggèrent. L’architecture du lieu entre alors en résonance avec celle d’un Riad, le temps d’un été.

«
Cultiver un jardin, en manger les fruits
et dessiner avec.
S’asseoir et contempler le paysage.
Dessiner un jardin et composer
l’implantation des massifs.
Regarder le jardin pousser.
À un certain moment,
Cueillir les fleurs, les feuilles, les fruits
et parfois les écorces du jardin.
Mélanger séparément.
Imprimer le jardin.
Composer une étendue colorée.
Observer les rapports de couleurs »

At the end of summer, the Châteaugiron pond is adorned with a lasting kinetic work, designed to (re) discover the castle. From the creation of Typha Latifolia to its installation with its feet in the water, Olivier Valla takes you through all the stages during his residency.

In addition, activities are offered every Friday in the summer from July 9 to August 27 to link contemporary creation, heritage and nature. This program, called “Fridays at the water’s edge”, offers various events: workshops around the environment and the senses, concerts, walks … all this in a friendly and family setting.

Tout au long de leur résidence, les artistes de Méta Locaux vous invitent chaque semaine à les rejoindre le temps d’une balade et ainsi découvrir, regarder, écouter les avancées de leur création-collectage.

Ce deuxième volet de Méta-Locaux, fait suite à la résidence de création « Méta-Locaux 1 » qui s’est déroulée en 2020. En 2021, pendant 10 semaines, quatre artistes (arts visuels / théâtre / littérature / son) s’implanteront sur quatre quartiers de la ville de Saint-Brieuc : Balzac, Le Légué, Les Villages, Robien. Accueillis par la villa Rohannec’h, ils partiront à la rencontre des habitants et usagers de ces quartiers pour les interroger sur ce qui fait centre dans leur quartier dans la ville de Saint-Brieuc. A partir de ces rencontres, ils écriront des textes, penseront des installations, des images, des mouvements, des créations sonores.

Du 6 au 12 septembre, les artistes présenteront leur création dans l’espace public des quatre quartiers.

Tous les vendredis soirs, ils proposent une balade artistique de quartier.

• vend.09.07 de Balzac à Rohannec’h
• vend. 16.07 du Légué à Rohannec’h
• vend. 23.07 des Villages à Rohannec’h
• vend. 30.07 de Robien à Rohannec’h
• vend. 06.08 du centre à Rohannec’h
• vend. 13.08 du Légué à Rohannec’h départ à 18h au Carré Rosengart (16 Quai Armez)
• vend. 20.08 des Villages à Rohannec’h départ à 18h à Bonjour Minuit (place Nina Simone)
• vend. 2708 de Robien à Rohannec’h départ à 18h du Parking (rue Pierre de Coubertin)
• vend. 03.09 de Balzac à Rohannec’h départ à 18h de la Maison du projet (Tour n°12 rue Balzac)
• vend. 10.09 Rohannec’h au centre départ à 18h de la villa Rohannec’h (rue de Rohannec’h)

Inscription préalable : assotopos@gmail.com / 07 81 63 58 30

The sound installation “Kokin (…) Slendro gahter” the main issues that run through Julien Grossmann’s works feed by ethnomusicology and the relationships between music, power and identity.

The artwork, six rotating sound dioramas, invites us to travel the world through the six main musical scales, each represented by a small island placed at the center of a vinyl record. On the six LPS, six different musical pieces composed and played by the artist on a synthesizer taking up one of the six musical scales and the tone of a traditional instrument. Each instrument piece is not in real concordance with landscape it is presented with. Julien Grossmann uses here music as a cultural landmark, a geographical marker. Through this sound and visual dioramas the artist plays with our perceptions and representations of the faraway, what is exotic. An imaginary itself colonized by the colonial heritage, that Julien Grossmann offers us to explore.

Jeudi 8 juillet 2021 20h30
Abbaye de Saint-Jacut  
Entrée libre sur inscription sur le lien suivant

“La couleur et son rôle dans la peinture constituent, depuis des siècles, un enjeu de déchirements entre deux armées campant sur des positions antithétiques, un extrême étant défendu par Poussin, l’autre par Delacroix. Claude Briand-Picard renvoie ces deux points de vue dos à dos en ne faisant plus de l’acte de peindre, comme il l’a été pendant des siècles, une pratique de recouvrement d’une surface mais une démarche expérimentale de collecte et d’assemblage. Il renie ainsi, d’emblée, toute velléité d’identification. Il s’inscrit dans la démarche initiée par Duchamp, empruntant matériaux colorés et formes élémentaires au monde de la grande consommation ou à celui de l’industrie. Dans cette démarche, essentiellement ludique, qui enchaîne, non sans une certaine dose d’humour et d’ironie, appropriation, détournement puis réhabilitation – voire transfiguration – du banal, il définit un autre mode de relation du corps de l’artiste à l’œuvre en gestation. Il altère et redéfinit également, de façon tout aussi radicale, la relation du spectateur à l’œuvre, l’engageant dans une démarche inverse de celle de l’artiste : de la délectation visuelle à la prise de conscience de la banalité des matériaux constitutifs.”
Louis Doucet

Claude BRIAND-PICARD
Né en 1946, il vit et travaille à Paris et Saint-Armel (Morbihan).
Claude Briand-Picard se comporte comme un héritier des mouvements de l’abstraction américaine et européenne des années 70, notamment de Supports-Surfaces, un héritier qui en aurait soldé les aspects théorisants pour ne retenir et ne développer que deux de ses composantes essentielles : la relation du corps de l’artiste et du regardeur à la peinture, et la libération de la couleur et de la forme de leurs carcans traditionnels.

Louis DOUCET
Louis Doucet mène de front, depuis près de 50 ans, une activité de dirigeant de grandes entreprises du secteur privé, de collectionneur d’art contemporain, d’enseignant, d’écrivain, de commissaire d’expositions, de critique d’art, d’éditeur de livres d’art et de conseil auprès de plasticiens.

Galerie Rejane Louin
Cynorrhodon – FALDAC

Diane Giorgis est autrice, comédienne, metteuse en scène. Aurélie Le Maître est plasticienne. Etienne Sibéril est metteur en scène, comédien. Avec le corps, les arts plastiques et les mots, les trois artistes du collectif Topos questionnent le territoire et celles et ceux qui l’habitent, le traversent. En rencontrant des habitants, associant des acteurs locaux, Topos veut rendre la capacité d’imaginer, de ressentir et d’interroger notre société.

Ce deuxième volet de Méta-Locaux, fait suite à la résidence de création « Méta-Locaux 1 » qui s’est déroulée en 2020. En 2021, pendant 10 semaines, quatre artistes (arts visuels / théâtre / littérature / son) s’implanteront sur quatre quartiers de la ville de Saint-Brieuc : Balzac, Le Légué, Les Villages, Robien. Accueillis par la villa Rohannec’h, ils partiront à la rencontre des habitants et usagers de ces quartiers pour les interroger sur ce qui fait centre dans leur quartier dans la ville de Saint-Brieuc. A partir de ces rencontres, ils écriront des textes, penseront des installations, des images, des mouvements, des créations sonores.

Du 6 au 12 septembre, les artistes présenteront leur création dans l’espace public des quatre quartiers.

Tous les vendredis soirs, ils proposeront une balade artistique de quartier.

Le premier volet de Méta Locaux à Saint-Brieuc dans le quartier Balzac a donné lieu à l’édition d’un livre-objet.

Équipe artistique

• Mise en scène : Étienne Sibéril
• Écriture : Diane Giorgis
• Installations : Aurélie Le Maître
• Création sonore : Jérémie Moreau
• Interprétation : Diane Giorgis, Ali Khélil, Jean-Christophe Maas

https://associationtopos.tumblr.com
Avec le soutien de : la Ville de Saint-Brieuc, Bonjour Minuit, La Passerelle Scène nationale de Saint-Brieuc

L’artiste est soutenu dans le cadre du dispositif Contre vents et marées, avec le soutien de la Région Bretagne et en collaboration avec a.c.b – art contemporain en Bretagne.

Valentin GUICHAUX

Né en 1996, il est diplômé de l’Ecole Européenne Supérieure d’Art de Bretagne Lorient en 2019.

valentinguichaux.wordpress.com

Les Ateliers du Plessix-Madeuc vous invitent à découvrir le travail de Valentin GUICHAUX lors des portes ouvertes le samedi 28 et dimanche 29 août (14h-19h)

Elsa & Johanna have made it their obsession to get under the skin of others. Slipping into the daily lives of strangers, they travel through geographical and cultural territories to adopt other realities. Invited by the Frac Bretagne to “flag” the streets of Saint-Briac, the two artists invest some fifty flags, projecting this small seaside town into the peregrinations of their combined gaze.

Like birds, we are bipedal and aerial. Like the ground on which we rest, we inhabit the sky, the atmosphere is our environment. Compared to the horizontality of our territories and their cartographic representations, the sky always seems virgin, above and extended, an unattainable and common immensity. Yet it is quite constructed, measured, conquered and traversed.
We move and communicate, in part, by crossing the air by plane but also via electromagnetic waves (radio, telephony, wi-fi). After the conquest of our atmosphere by these technologies (and more generally by industrialization and carbon-based motorization), the constellations of satellites are now invading low Earth orbit (located just above our thin atmospheric film) to sweep the surface of our globe ever more efficiently and feed the clouds that aggregate our masses of data. Our conquest of oil but also of other resources takes us to the other side, to descend more and more deeply into the deep geological layers. Ground and sky have never been so connected, so interdependent, but more and more distant.
The Galerie des Petits Carreaux, buried but lit with zenithal light, paradoxically stirs up our relationship to the above. In this folded space, my proposals combining gestures and patterns, will construct possible stories: connect the tiny scale to immensity, repeat gestures like raindrops, collect empirical and fictitious data, draw vertical horizon lines , map the blue of the sky, build atmospheric representations ...

Peut-on suspendre une ombre ?

Mathilde GELDHOF et Alexandre LUU

Artistes en résidence 

Mathilde Geldhof et Alexandre Luu sont en résidence à Saint-Jacut-de-la-Mer. Ils y ont mené un travail de recherche, qui les a conduit à la réalisation de nouvelles œuvres photographiques et de dessins. Ils ont choisi de les rendre visibles grâce à des impressions sur tissus accrochés dans les jardins de l’abbaye. Les images créées deviennent des formes singulières, jouant avec les caractéristiques de la matière et de son installation. En écho aux usages du lieu, l’exposition est pensée comme une déambulation, où les images sont à la fois objet et décor.

Jardins de l’Abbaye de Saint-Jacut
3 rue de l’Abbaye 22750 Saint-Jacut-de-la-Mer

Du 3 juillet au 29 août 2021
Entrée libre tous les jours de 10h à 19h

Vernissage le 2 juillet 2021 à 17h (dans le cadre du Festival « La houle les mots »)
Visites guidées tous les mardis à 17h30

Suite à des ateliers encadrés par les enseignants Vincent Jouve et Pauline Marchant auprès d’étudiants de Licence 3 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Bretagne, le projet s’intéresse à la transformation d’un fragment urbain dont la situation est représentative des problématiques contemporaines d’habiter dans un centre ville. Les réflexions menées dans l’atelier intègrent la prise en compte d’un héritage urbain et la formalisation d’une stratégie de reconquête par l’espace public et le logement qui génèrent de nouvelles conditions d’habiter.

En partenariat avec l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Bretagne

Run by Lendroit editions, the artistic project 4X3 was proposed and elected to the participative budget of the city of Rennes. Installed at 75 avenue Aristide Briand in Rennes, three large format panels welcome huge artists posters visible to all, as many windows open on the current artistic landscape.

Each year, four artists are invited to present a selection of 6 images of 4 meters on 3 meters, which the public can discover at any time, 7 days a week and 24 hours a day.

Contemporary art invites itself into the open public space. Come and discover 4X3, a unique initiative accessible to all.

Muriel Taragano

Muriel Taragano traite l’artificiel et le vivant comme deux pendants complémentaires, deux frères jumeaux qu’elle relie par la technique et le savoir faire. De cette fusion en ressort des oeuvres symptomatiques d’une société du fictif et de l’artificiel où le faux remplace le vrai et la réalité se fond dans un chaos médiatique et technologique. Pour ce faire, elle part du vrai, de la terre, de la nature démiurge. Elle commence par le vivant, celui qui l’entoure, la campagne où elle habite, les aliments qu’elle consomme et les sols qu’elle arpente. Elle récolte feuilles et déchets alimentaires qu’elle stocke avec finesse dans des boites d’archives ou des récipients de laborantins. Elle collecte des tapisseries, traces d’histoires, reflets d’une époque et d’un passé encore vivant mais qui tend à disparaitre. L’organique et le mémoriel, ces vivants matériels et mentaux se rejoignent ainsi dans l’atelier de l’artiste proche du laboratoire et du cabinet de curiosité. L’expérimentation plastique côtoie la science expérimentale et vice et versa et les oeuvres qui résultent de ces recherches sortent de l’espace de travail telles des végétaux sortis de la terre. Car ici, les choses naissent et meurent et se renouvellent en permanence. La moisissure se développe, puis s’éteint, puis se réinvente, les tapisseries s’effacent et réapparaissent en traces mémorielles, les feuilles s’habillent d’un cocon de latex et disparaissent pour laisser place à leurs congénères artificiels. Un éternel recommencement, un va-et-vient permanent entre le vivant et l’artificiel, entre l’unique et son duplicata.

Images and humanism.

This photographic exhibition of the Frac Bretagne around Georges Dussaud is presented in the Châteaugiron dungeon as part of the project A photographic crossing in Brittany. Georges Dussaud is from Castelgironnais and is also a citizen of the world, which he travels to meet the populations since the beginning of the 80s. From Portugal to Greece, from Ireland to India, or on the way of the customs officers in Brittany, his footsteps lead him to discover rural territories imbued with ancestral traditions that he is keen to document.

Humanist photographer, reporter of ordinary life, it is through the use of black and white photographs, often in panoramic format, that he bases his determination to encompass humanity in its entirety. His reports give rise to series of images on which hard work and solidarity are imprinted, common to those who, shaped by nature, draw strength and dignity from it.

Represented in the collection of FRAC Bretagne since the early 1980s by a set of several series, his work has something universal and sensitive, taking on a poetic meaning in the face of man and his condition.

In partnership with the FRAC Bretagne (works from its collection) and the Petites Cités de Caractère® de Bretagne

Georges Dussaud, even if he has been living in Chateaugiron for many years, is also and above all a citizen of the world. From Portugal to Greece, from Ireland to India, or on the path of Brittany, his steps lead him to the discovery of rural territories marked by tradition. Represented in the collection of the Frac Bretagne since the early 1980s, his work has something universal about it, taking on a poetic meaning when faced with man and his condition.

Exhibition to discover in the dungeon of Châteaugiron castle

Projections cinéma, série de courts métrages d’animation et expérimentaux à la villa Rohannnec´h 3 week-ends de projection cinéma à la villa et dans le parc, les 26-27 juin, 28-29 août et en novembre 2021. Au programme : des courts métrages d’animation et expérimentaux inédits, choisis par Paul Wenninger, artiste associé à la villa, à travers les dernières sélections des festivals d’Europe. Et une installations multimédia de l’artiste Julian Palacz.

Les samedi 26 et dimanche 27 juin : séances à la villa à 15h, 17h, 19h et 21h. Jauge réduite (en raison de la situation sanitaire). Les samedi 28 et dimanche 29 août : séances dans le parc sous chapiteau, à 18h et 21h.

En novembre : dates à confirmer.

GRATUIT.
Public : adultes. Sans réservation, la villa vous accueille dans la limite des places disponibles !

The photographs taken by Robert and Shana ParkeHarrison are sleights of hand. The eye is drawn and captivated to these images, unable to discern what is real and what is fiction, and how what is seen is achieved. Vintage hues and a dreamlike quality characterise these pictures that seem to come to us from a faraway land, where anonymous characters undertake the craziest of tasks : covering a section of damaged land with a carpet made of grass, repairing a broken branch on the single tree left standing in a deforested landscape.

Figure atypique de l’art contemporain français, Pascal Rivet (né en 1966 , vit et travaille à Brest) a toujours célébré le dialogue entre art et culture populaire. Son travail immersif dans l’univers du sport et notamment du cyclisme est le point de départ de cette exposition.

Le travail des années 1993-94 sur le monde du cyclisme où l’artiste se met en scène dans des situations burlesques et « dérisoires » au service d’une carrière fictive de cycliste professionnel sera présenté au sein des collections permanentes. La série Les Silhouettes, ensemble de 10 silhouettes de bois peint représentant des champions cyclistes d’équipes professionnelles différentes permettent aux visiteurs de se mettre dans la peau d’un coureur ! 

Exposition en partenariat avec le centre d’art contemporain Passerelle qui présente dans le patio Les géants et Documents d’Artistes Bretagne. Documentation en ligne du travail de Pascal Rivet par Documents d’Artistes Bretagne : ddab.org/rive

“Je vais essayer de demeurer là encore un moment, à écouter, parce que j’ai toujours l’impression que je suis sur le point de comprendre ce que l’Océan me dit. Je ferme les yeux, je souris, et j’écoute… Il me reste encore de ces curiosités.»
Romain Gary, La promesse de l’aube.

Originaire de Grenoble, Marilia Destot a étudié la photographie à l’ENS Louis Lumière et le multimédia au CNAM, à Paris, avant de s’installer à New York en 2006.

Son travail photographique personnel porte le plus souvent, à travers des séries de portraits, danse et paysages, sur une narration intime et sensible du temps et de l’espace traversés. La mémoire subjective et poétique est au cœur de sa recherche.

La promesse est mon journal poème : la promesse du couple, de l’enfant à venir, du monde à découvrir. Un journal débuté il y a vingt ans, que je dé- et recompose au fil du temps, des lieux. Visages, paysages, et détails du quotidien se font écho et dessinent en filigrane le film de nos souvenirs. Les attentes et les absences, les cycles et les ruptures, les bonheurs et les fêlures… du désir d’enfant à la maternité, vers l’enfance retrouvée, « la promesse » célèbre les petits vertiges, les peurs souterraines, les miracles ordinaires de la vie, et trace une mémoire contemplative du temps qui passe.

En 2020, les Editions Filigranes publient la promesse en un coffret de trois carnets, accompagnés des textes de Dominique A, Sabine Huynh et Keren Ann.

En 2021, La Galerie le Lieu accueille la première exposition de la promesse en France, et la première présentation publique du livre.

Since 2013, Passerelle Centre d’Art Contemporain and Documents d’Artistes Bretagne has each year supported two artists from Brittany for a residency. Award winners are invited to live in Brest, devoting their time to the art centre workshop for a period of 3 months and producing a result in the form of a unique exhibition. Johanna Cartier (born in 1996) is therefore giving an account of her residency by presenting Turfur on the upper floor of Passerelle. A graduate of the École européenne supérieure d’art de Bretagne (European Academy of Art in Brittany), Rennes campus, in 2019, Johanna Cartier has for several years been developing works imbued with adolescent codes, resounding with popular music or examining rural landscapes with empathy and admiration.

After being swept away by her enthusiasm for dog shows, another type of animal competition has now captured the imagination of Johanna Cartier: that of the equestrian world. Bringing together films, sculptures and paintings, the Turfur exhibition is the result of observing this very specific world balanced between sport and gambling for money. This very masculine world is that of the betting shop, the bar of the locality or housing estate, and the national lottery kiosk. The design of these places is dated or kitsch, the atmosphere is that of a France that is and has been made invisible, lulled by always-on channels of information.

The title Turfur is a portmanteau word that can be read at several levels. Firstly, the English work ‘turf’ refers to land used for horse-racing and by extension to riding and activities related to racing. This title also evokes French ‘verlan’ reverse slang for ‘future’, as now widely used in urban argot, especially in rap. It also evokes the English word ‘fur’, an element – always synthetic with this artist – that she likes to use and which has a leading role in the exhibition. Finally, Turfur is a mantra, an exclamation from a world still unrecognised.

Through two films, this exhibition also provides an opportunity to reverse roles, situations and suppositions. The horse-rider is here boisterous and excited, whereas the biker rider of urban rodeos proves to be tender and attentive to his mechanical mount. Both share their position as heroes while being at the same time unsettling. They mix the interests, a priori, of the ‘bourgeois’ – the glorification of the equestrian arts – with those of the ‘guys from the estates’, such as their fascination for power on two wheels.

Turfur observes a margin of society that you pass every day, that of the crossroads by your workplace or on the way to the baker’s. You understand it well: behind the gaudy coloured shapes, the slogans and devastating punchlines, and the silky, cheap materials used by Johanna Cartier as the base for her vocabulary, an underlying class struggle with no goodies or baddies is being waged.

The theme of the sea is highlighted in the exhibition with the relationship of Humans with the Ocean, in West and Central Africa, encompassing fear and fascination. Fourteen artists from coastal countries of Africa tackle ecological questions such as ocean pollution, managing plastic waste and endangered biodiversity. Meanwhile others confront the topic of immigration, difficult living conditions on the continent of Africa and the need for some would-be exiles to make perilous crossings on dangerous craft, examined in particular in the testimony of one artist who has made this long journey.

In the waves there also reclines a goddess in the shape of a mermaid, the terrifying Mami Wata who seduces men to drag them deep under the waves, somewhat reminiscent of Princess Dahut in the Breton legend… Some artists have chosen to summon her up. Mami Wata may at times embody the strong, modern, and therefore disturbing woman of African societies. Finally, visitors will be plunged into the cultural and artistic traditions of Voodoo related to the cult of Mami Wata, very prevalent in sub-Saharan Africa.

This exhibition is part of the Africa Season 2020 held by the Institut Français, inviting the public to look at the world and understand it from an African point of view.

La villa Rohannec’h accueille pour une semaine de création le Master en apprentissage en alternance pour les métiers du musée. Une formation collaborative, professionnalisante, transdisciplinaire et itinérante. Les 22 étudiantes sont accompagnées par Isabelle Roussel-Gillet et Serge Chaumier, scénographe et muséologue. Semaine de travail découpée en 2 temps de travail individuels puis un temps de travail sur des sujets de transition écologique et de société et l’engagement des publics en lien avec la villa Rohannec’h.

In the context of artists’ residencies supported by an initiative of the Drac and Regional Council, the municipality of Peillac has partnered with Minoterie21 to invite the artist, Stéfan Tulépo in residence. The residency is taking place in the Chapelle de la Congrégation, rue de la mairie in Peillac and will be followed by an exhibition in the same venue (see separate information in the agenda)

Repenser la question de l’atelier. Cette résidence va permettre à l’artiste Anaïck Moriceau de retrouver une pratique artistique personnelle, après plus de dix ans passés à travailler dans l’édition d’art. Ce projet, un atelier de sérigraphie auto-conçu, sera évolutif et les plans de l’atelier seront partagés en open source.

For her solo show at 40mcube, Laura Gozlan creates a sculptural environment in which is displayed a cycle of video micro-fictions staging an evocation of the Monstrous Feminine.

In her installation composed of videos and sculptures, Laura Gozlan questions the links between subculture and Posthumanism, their founding myths such as New Age and Cybernetics, and their dystopias.


[2] Giallo refers to a particular Italian film genre that mixes thriller, horror and eroticism.



[3] Barbara Creed, The Monstruous-Feminin – Film, feminism, psychoanalysis, 1993.



[4] Paul B. Preciado, « Biopolitique à l’ère du capitalisme pharmacopornographique », in
Chimères, 2010/3 (no74).


Acknowledged as a key figure of the post-war abstract movement, inspired by lyrical abstraction, by Japanese art and by his journeys to India, the artist’s trajectory is as original as it is little known. Born in Brittany, he started his painter’s career in 1950 in Pont-Aven, in Paul Gauguin’s former studio.
He participated in several group exhibitions at the Salon d’Automne in Paris and worked for the Keraluc faience factory in Quimper. His artwork is now being preserved and exhibited in many major public collections.

A THREE-STEP ARTISTIC JOURNEY

The itinerary of the exhibition reflects the diversity of Xavier Krebs’ artistic career. It tells the story of an evolution towards abstraction, contemplation and meditation. The exhibition unfolds in three different locations which interact and respond to each other: at the Chapelle des Ursulines, his paintings are presented in chronological order; at the Maison des Archers, the exhibition focuses on his Breton roots, his notebooks and his various collaborations, while at the médiathèque, the artist’s memory and influences are highlighted.

Through the experience of color, light or touch, Margaux Janisset’s work explores the practice of painting in different forms. The artist plays with space and the temporality of the gaze, proposing a sensitive experience of painting. Sometimes on paper or notebooks, she extends her work into in situ interventions and inserts itself into the architecture. In the words of the artist, she thus develops a site-responsive rather than site-specific practice. The works are not separated from their process of realization and the conditions of their presentation.

The architectural context is the starting point of Margaux Janisset’s work. It determines an ambiance, an atmosphere, a climate. She intervenes in exhibition spaces, but also in interstitial spaces (a corridor, a window). The architectural elements are the supports, the points of support of gestures and colors. Her interventions make body to the architecture, and she tries to reveal, to unveil, the lights, the shadows and the traces, the textures, the imperfections of the walls. By relying on what is already present, she acts with the space, accompanies its movement, and seems to collaborate with it.

By discreet and light gestures, at the limit of the perceptible, appears an uncertainty between what is already there and the interventions of the artist. Guided by sensations, she induces a floating specific to each place, a tone. Her interventions are clues, scattered tracks that react with the space to leave room for intervals and give importance to the void that participates in the rhythm of the whole. The time stretches and allows to reveal the nuances, the colors appear and disappear in a perpetual movement of coloration and discoloration.

Margaux Janisset proposes an experience of space, light and time and focuses on their permanent changes. She invites the viewer to adopt a floating, airy look. The discretion of certain paintings participates in a space in movement where each change becomes an event. It is no longer a matter of looking at the work from a distance, but of inhabiting it, of living a moment in its presence.

Roundness and reflection.

The cloud, a real divine symbol in the history of art, is, dreamlike and contemporary, shaped in Dessus / Dessous. The three-dimensional sensory installation that the artist offers is made up of a thousand balloons, inviting you to find your head in the clouds and in the vault thanks to a mirror that can make the Hall of Mirrors at the Palace of Versailles blush. It is about living a playful, poetic and perhaps a little unsettling stroll in this cottony and soft universe. Take care, the top literally blends into the bottom!

Eric Vassal is a multidisciplinary artist since his work has developed through a constant exchange between sculpture, painting, printmaking and photography. He first worked as an illustrator for prestigious newspapers such as Le Monde and Le Figaro before entering the visual arts. For his installations, he of course reflects on the link that the work has with space, but he also takes into account the fact that the latter becomes collective through the presence of the public and its journey.

Parce que nos sociétés sont traversées par des questions qui concernent le territoire, la liberté d’aller et venir, l’obligation de migrer, la fermeture des frontières, l’espace vital en danger, les zones à défendre… Là — coins, mondes, terrains, archipels, îles, maisons, places… lieux — s’inventent et se pensent des possibles.
Interroger le lieu comme espace ouvert, penser en territoire sans bords, sans identité, nommer, tâtonner, déborder, écouter les lieux, entendre des animaux qui traversent, le vent, ce qui sourd, élargir, déplacer les montagnes, laisser fuir (les “lignes de fuite” de Gilles Deleuze), dériver.
Interroger le lieu comme espace qu’on invente, bricoler, construire, peupler, tracer le lieu (les “lignes d’erre” de Fernand Deligny), inventer des cabanes, des asiles, se poser, rêver, saisir, défaire, prendre lieu, déplier, revenir.

Inviter des artistes qui écoutent des lieux, qui inventent des territoires ou des abris, qui ouvrent des brèches, qui explorent des interstices :
Faire parler les images par le temps mis à tourner autour de leurs secrets, montrer les étapes de la quête d’un lieu qui va. (Julie Aybes — photographe, vidéaste)
« […] c’est-à-dire, faire un endroit, un petit monde, faire un petit monde, il sera rond, cette fois il sera rond, ce n’est pas sûr. » (Samuel Beckett — écrivain, poète, dramaturge)
Habiter là — et pourquoi pas — dans des cabanes bricolées de charme et de gravité, ruines retournées comme des chaussettes. (Denis Colin — plasticien)
Coudre au fil rouge les espaces ouverts, la possibilité d’un retour au nid. (Fabienne Houzé-Ricard — plasticienne)
Construire le fragile, donner sa profondeur et sa respiration à l’espace inventé, bâtir de l’image sur le réel et, de l’image, extraire du réel. (Laurent Millet — photographe, plasticien)
Passer outre, repérer l’interstice dans un paysage urbain saturé, la respiration, le trou où se glisser. (Brigitte Mouchel — écrivain, plasticienne)
Remplacer la ligne de mire par des lignes d’horizon. (Mathieu Pernot)
Dessiner des lignes qui s’entrecroisent, finissent par dérouler une topographie, signaler des lieux, bâtir des maisons, indiquer des parcours. (Till Roeskens — photographe, vidéaste)

Une exposition. Y déambuler.
Se confronter à l’expérience d’un lieu, l’hypothèse d’un lieu, la tentative d’un lieu.

In May 2020, the 10th Oodaaq Festival should have taken place, an anniversary and retrospective edition that wanted to highlight 10 years of video programming. First canceled, then postponed and finally rethought: the Oodaaq Festival loses its F to become “L’Estival Oodaaq, a summer of nomadic and poetic images” (Estival means summery or summer-like). We regret the impossibility of meeting again, but we hope to compensate a little by a season rich in artistic proposals, which will be visible in the partner venues and in the Lieu gallery in Rennes successively.

With the Estival Oodaaq, you will be able to discover one after another, between May 21 and July 27, the 4 seasons program, retrospective presenting 100 favorite videos of recent years, a selection of works from the call for projects launched in 2020, exhibitions, image-making workshops, residences and an outdoor projection.

Find all the information on the website https://www.loeildoodaaq.fr and on Facebook https://www.facebook.com/LŒil-dOodaaq-785050491626215

Collage, painting, sculpture, illustration: whatever, Jockum Nordström’s work is shot through with references to popular culture, art brut, jazz, Surrealism, architecture, the folklore of the sea and contemporary art. In the resultant dreamlike fables whole worlds and epochs intersect.

Pauline Boudry & Renate Lorenz work together in Berlin since 2007. They produce films, installations and sculptures with a strong connection to performance, choreographing the tension between narration and abstraction, visibility and opacity. Their performers are choreographers, artists and musicians, with whom they are having a long-term conversation about the conditions of performance and the violent history of the gaze, but also about companionship, glamour and resistance.

Their works have been recently presented at n.b.k, Berlin (2020), at Centre Culturel Suisse, Paris (2018), at the Contemporary Art Museum, Houston – USA (2017). They also have represented Switzerland at the 58th Venice Art Biennale (2019).

Through the use of DIY aesthetics and an often off-the-cuff approach full of humor and self-irony, Finizio has been developing a body of work rooted in the observation of incidents and phenomena that revolve around questions of exchange, value and cultural meaning. His installations operate as both events and models. They entangle the depiction of scripted spaces of commerce, habitat, display, construction, archive and work, with a model-like quality that actively speculates on the uses, statuses, and sentiments that these spaces perform.

Launched in 2020, he Frac Bretagne–Art Norac Award aims to support the professional development of Brittany-based artists at the international level. The award is a Frac Bretagne initiative supported by Art Norac, the sponsorship association of the Norac group. The goal of the award is to help bring artists active in the region to the international scene, in order to promote the professionalisation of their journey beyond the borders of France.

The Visual Arts Center in Austin in the United States is associated with the program and in 2022 will host the award-winning artist to produce a solo exhibition in its space.

The exhibition at Frac Bretagne presents the nominees.

Jason Glasser est un artiste protéiforme : plasticien et musicien, il prend plaisir à brouiller les pistes, transmettant une énergie pop à ses œuvres plastiques et intégrant des approches expérimentales à ses projets musicaux (chant, violoncelle, guitare…).
Ses œuvres s’inspirent de la culture pop américaine dans laquelle il a grandi : de la mythologie du Far Ouest en passant par les conquêtes esthétiques d’Andy Warhol, les aventures naïves de Phillip Guston ou les extravagances colorées de Ken Price.
Il produit des peintures sur pare-brise, sur tissus, sur filet ou sur toile ; des dessins fixes et animés ou des installations dont l’apparente simplicité lui permet d’orchestrer d’innombrables nuances poétiques entre abstraction et figuration.

Music For Evenings est le titre d’une récente série de peintures de Jason Glasser. Il évoque pour l’artiste l’ambiance contemplative de l’« heure dorée » où la couleur s’intensifie juste avant de se dissoudre dans la nuit.

Cette série de grandes toiles est le résultat d’expériences croisant la peinture à des techniques empruntées à la gravure, au collage et au cyanotype (l’ancêtre de la photographie, inventé au début du XIXe siècle).
Des silhouettes, des formes simples, des paysages apparaissent par un jeu de faibles contrastes sur des plages de couleurs très intenses et fluides.
Elles forment une série d’images qui semblent imprimées par le soleil et invitent l’imaginaire à compléter ce qui est parfois à peine révélé.

Jason Glasser tente ici d’incarner la nature transitoire de la vision dans le milieu statique de la peinture.

Deux œuvres vidéo de Jason Glasser sont présentées dans le salon de projection : “Anthem” (2021), est un prolongement animé des expériences menées pour la série Music For Evenings auquel se joint une composition musicale chantée par l’artiste. “Charms” (1996), est un extrait d’une de ses premières expériences vidéo, produite à l’époque de ses études à New-York, où l’intérêt pour les impressions solaires et les compositions “low fi*” apparaît déjà.
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Né en 1968 dans le Connecticut (USA), Jason Glasser vit et travaille à Paris.
Il est diplômé du Hunter College (New-York).
Depuis la fin de ses études, son travail se nourri de collaborations dans le champ de l’art (Mains d’Oeuvres ; La Chapelle St-Jacques centre d’art de St-Gaudens ; Parker’s Box gallery New-York ; Superéditions Paris…), de la musique (groupes Clem Snide et Fruitkey ; collaborations avec Etienne de Crécy) et du design (scénographie du spectacle “Sur les Chemins de Patti Smith” ; design de textiles pour la créatrice Vanessa Seward).
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* Lo-fi (abr. de low-fidelity, « de basse fidélité ») est une expression apparue à la fin des années 198O aux Etats Unis pour désigner certains groupes ou musiciens underground adoptant des méthodes d’enregistrement primitives pour produire un son « sale », volontairement opposé aux sonorités jugées aseptisées de certaines musiques populaires.

L’association Les Moyens du Bord a convié Yuna Amand à intervenir dans le cadre d’un projet d’éducation artistique et culturel (EAC) co-construit avec l’école publique bilingue du Poan Ben à Morlaix.
À partir d’une sélection d’oeuvres de l’artothèque des Moyens du Bord, ils ont déterminé ensemble un univers sonore en lien avec ces dernières.
Dans la découverte de la bidimension de cet art imprimé, et de la tridimension du son, comment pouvons-nous créer des interactions ? À partir de la création de paysages sonores, comment peut-on exprimer des sensations, des émotions?

Plus d’information sur l’exposition sur le site des Moyens du Bord, ICI.

This summer, the gates of the old Court House of Pontivy will be adorned with a collection of photographs from the Fonds régional d’art contemporain Bretagne. With more than 5,000 works, the Frac Bretagne’s mission has been to bring contemporary art to Brittany for forty years. It is a public service of culture, supported since its origin by the Region and the Naitional government. In Pontivy, it is therefore natural that it should take over the gates of the Court House, an emblematic building currently being transformed to accommodate the Region’s new services for the population. From here and elsewhere, these photographs present a glimpse of what this common heritage conceals, and are part of the summer tour Une traversée photographique en Bretagne which proposes a jouney through more than 15 exhibitions through out Brittany.

Julie Vacher, diplômée des Beaux-Arts de Lyon en 2013 et du Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains en 2018, analyse, interroge et met en scène les rapports d’interprétation et de transformation entretenus par les humains et les non-humains avec leurs environnements. Le champ de ses expérimentations s’étend de l’imaginaire écologique au fantasme sanitaire en passant par l’univers du travail. Via un travail d’écriture, elle explore le langage et son oralité, dont elle relève la poétique et les mécanismes de construction à travers le son, la vidéo, l’automatisation ou encore le web. Ancrés dans le réel, ses récits sont spéculatifs et hybrident le documentaire et la fiction expérimentale, le naturalisme et l’artificiel, le faux-semblant et les néologismes. Dédiés à une expérience collective, ils se cristallisent en exposition sous forme d’installations agissantes.
La réalisatrice Julie Vacher profitera de sa résidence à la villa Rohannec’h et dans la baie de Saint-Brieuc pour terminer l’écriture et réaliser le tournage de son film Chimère song.

Archives publiques est une exposition éphémère d’images anciennes du Colombier installées sur un parcours traversant le quartier :

• 20 affiches collées directement dans l’espace public, dont les images proviennent des Collections du Musée de Bretagne.
• Chaque affiche est accompagnée des crédits photographiques et d’un QRcode renvoyant à une google maps qui géolocalise les affiches dans le quartier.

Le projet est en partenariat avec, notamment, la ville de Rennes et le Musée de Bretagne.

Les Ateliers du Plessix-Madeuc vous invitent à découvrir le travail de Mathilde Geldhof  et Alexandre Luu, en résidence jusqu’au 3 juillet 2021.

Mathilde Geldhof 

Alexandre Luu

HOME MOVIE  est le titre de l’exposition dans laquelle sont présentés les fragments d’un film intitulé Colombia …

Entre le lieutenant Columbo, prince des séries TV, et Colomba, héroïne de Prosper Mérimée, en passant par la navette Columbia ou la société de production du même nom, …
Corentine Le Pivert & Nicolas Gérot nous invitent à découvrir une fiction mystérieuse aux allures d’étrange promenade urbaine.

Invitée en résidence durant l’été 2020, Juliette Agnel a œuvré de nuit pour mieux voir ce qui reste caché. Comment voir dans le noir, ce qui nous entoure – la nature, la ville, et la perméabilité entre les deux ? La photographe a pris le temps, elle s’est autorisée des pauses longues lui permettant de dévoiler peu à peu  les éléments obscurs d’une cité qui se révèle sous de nouvelles formes durant les mois de confinement. Entre les habitats plongés dans le silence et le retour  insolite de la végétation, elle a produit des images puissantes où tout n’est plus que surface, réceptacle des ombres.

Émilie Houssa de son côté a fait cueillette de mots, de sensations, d’images, pour rédiger une nouvelle dont le protagoniste est un peintre de nuages, un cueilleur de nuées qu’il reporte sur les murs qu’il trouve au gré de ses pérégrinations. Les paysages de Juliette Agnel reconstruits entre jour et nuit, sont, pour elle,  supports de fiction. Ce sont des lieux magiques et poétiques, qui laissent le temps d’arriver à pas feutrés, d’entrer dans la pierre, d’éprouver le poids de  l’espace et  le frisson du temps, de construire un monde.

Aux étoiles le poids de la terre fait l’objet d’une publication aux éditions Contrejour.
L’ouvrage d’art sera disponible en librairie à partir de fin mars 2021.

Partenariat avec l’association L’art à l’ouest, dans le cadre du programme Territoire rêvé Bretagne :

Au bout de la Bretagne prend fin l’Europe occidentale. Cette situation, ouverte sur la mer et tendue vers d’autres horizons, imprime l’identité bretonne et ses  territoires, elle relie ses paysages et ses habitants à la manière d’un port d’attache, mi-terre, mi-mer, ancrage réconfortant en même temps que matières à   utopies. C’est ici, depuis cet « espace tangible » que s’imagine Territoire rêvé Bretagne, un programme triennal de résidences, qui offre à six artistes – trois  photographes et trois écrivains – d’explorer librement la géographie des lieux traversés pour créer une œuvre poétique qui capte quelques rêves, relie le visible et l’invisible sans oublier d’interroger les interstices et les marges. Avec Aux étoiles le poids de la terre, Chartres de Bretagne, située en lisière de Rennes, est la  seconde ville après Saint-Malo à accueillir ce programme avec les photographies de Juliette Agnel accompagnées d’une nouvelle d’Émilie Houssa, Sinon les  nuages.

Norman Dilworth is interested in the phenomenon of numbers. His choices have a purely abstract basis, no reference to nature, although his finished works often give reason for associations in this sense. He humorously refers to it as “the nature of things”.

Norman Dilworth concentrates on simple mathematical rows, ascending or descending, inclined, angles of a precise degree etc. Yet the result is confusingly complex and mostly difficult to explain. His favorite materials are wood, stained black. Also, in his recent work, he uses for example traditional steel combined with stainless steel, and even string. The original color of the material plays an essential role in most of these new wall sculptures.

The solo exhibition “1 2 1 2 1” celebrates the 90th birthday of the English sculptor who has been exhibiting since 2004 at the Oniris gallery in Rennes and at contemporary art fairs in Paris and internationally.

Rencontre avec Ymane Chabi-Gara et Iwan Warnet, artistes en résidence à Saint-Jacut-de-la-Mer.
L’occasion de découvrir leurs recherches artistiques et les œuvres qu’ils réalisent.

L’association de production et de diffusion d’art contemporain finistérienne Astérismes propose chaque année à un artiste d’organiser une exposition dans le fort de Combrit (29). Cette année leur résidence s’est déroulée exceptionnellement à la villa Rohannec’h.
L’artiste plasticienne Anaïs Touchot s’est entourée de : Julie Béasse, Reda Boussella, Elise Carron, Francesco Finizio, Charlotte Khouri, Vincent Malassis, Anouchka Oler et Pauline Uguen. Ensemble, ils ont créé et présenté (du 1er au 25 mars à l’école des Beaux Arts de Saint-Brieuc) l’exposition « Chiens, humains et autres partenaires ».
Exposition en coproduction avec le Centre d’Art Contemporain Passerelle (Brest)

The title of Ariane Loze’s exhibition at 40mcube includes her two films Utopia and Mainstream (1). Based on the same directing concept, the artist plays several characters and several voices that take turns being heard.

Anne Langlois

1. The dominant ideas or ways of doing things used by most people.

Ariane Loze is represented by Michel Rein (Paris, Brussels).

Les Renc’arts sont des visites accompagnées qui vous invitent à prendre le temps de découvrir la démarche des artistes et leur processus de création. Il s’agit d’un temps d’échanges convivial, ouvert à tous.

Christophe Desforges et Guy Prevost seront présents pour cette rencontre.

Entrée Libre – 17h

LE CABINET DU LIVRE D’ARTISTE PRÉSENTE :

RAFFAELLA DELLA OLGA, CAMILA OLIVEIRA FAIRCLOUGH & ELSA WERTH
“FORSYTHIA, LILAC AND GERANIUM”

EXPOSITION 4 février . 25 mars 2021
COMMISSARIAT Raffaella della Olga, Camila Oliveira Fairclough & Elsa Werth
COLLECTIONS Archives de la critique d’art, Archives des artistes, BU d’Angers,
Centre des livres d’artistes, CLA
EXPOSITION SANS PUBLIC, OUVERTE SUR RDV SELON LES CONDITIONS SANITAIRES.

Le CLA est heureux de réunir, pour la première fois, trois artistes de la scène éditoriale contemporaine : Raffaella della Olga, Camila Oliveira Fairclough et Elsa Werth. Outre la présentation de leur production imprimée respective, elles ont choisi de convoquer la figure de Mary Ellen Solt (1920-2007), artiste américaine dont les travaux de poésie concrète entrent en résonance graphique et conceptuelle avec leurs propres publications et dont l’incontestable actualité contribue à maintenir le lien entre des générations d’artistes.

“Les superstitions font partie de notre folklore, rares sont ceux qui en soupçonnent la richesse, et plus rares encore ceux qui y croient. Pour ma part, les croyances populaires m’inspirent, de par leur incongruité et leur poésie. Dans une série précédente, Abrégé des secrets, qui explore des superstitions françaises, j’ai eu le sentiment de découvrir une langue presque morte, avec ses variantes locales, son vocabulaire, qui évolue et parfois s’éteint, en même temps que disparaissent ses locuteurs. Les mettre en scène, c’est l’occasion de les faire revivre, pour en fabriquer des images contemporaines. Mes photographies, questionnent leur statut et la réalité de pratiques non rationnelles, interrogeant autant les « secrets » de la nature que ceux de la nature humaine.

Dans la continuité de ce travail, je poursuis cette exploration des croyances, dans des régions où elles cohabitent avec la modernité. La Louisiane a cette particularité d’avoir d’abord été une colonie française aux 17ème et 18ème siècles. Les premiers colons européens à s’y être installés étaient des Français, paysans, parias, filles de petite vertu, ils apportèrent avec eux leurs coutumes et leur religion souvent mâtinées de superstitions. Celles-ci furent très vite enrichies par les apports des différentes populations d’esclaves africains et créoles ; ceux-ci débarquant souvent avec pour seul bagage les rites de leur pays d’origine. Alors qu’en France les croyances populaires n’ont guère évolué depuis deux siècles, elles ont en Louisiane eu tout le loisir de se mélanger et d’acquérir leur typicité. Toujours vivaces, elles sont aujourd’hui un des piliers de la culture locale. Leur survivance et leur transmission m’ont portée vers cette région si distincte du reste des Etats-Unis, où le surnaturel, dans une certaine mesure, fait partie du quotidien.

Dans cette série de photographies intitulée Beads and brickdust (perles et poussière de brique, ingrédients qui entrent dans certaines recettes), j’ai choisi d’illustrer les croyances de la Nouvelle-Orléans, ville multiculturelle s’il en est, au folklore particulièrement riche et imagé. Ici, chacun s’arrange avec les aléas de la vie et tente d’en influencer le cours, jadis pour éloigner loup-garou et ouragan, provoquer des transports amoureux, favoriser les récoltes ou honorer les esprits, aujourd’hui pour chasser les fantômes d’une maison, avoir de la chance au jeu ou prédire l’avenir.

Prenant pour périmètre le quartier métissé de Bywater, j’ai proposé à ses habitants d’interpréter de façon très personnelle un rituel qu’ils pratiquent, ou qu’ils ont choisi par affinité. Dans cette série, j’illustre le lien qui unit les membres des différentes communautés à leurs objets, leur maison, leur quartier, aux éléments et au spirituel. Je m’attache ainsi à donner corps à ces rituels étranges, parfois drôles ou poétiques, tout en soulignant l’héritage culturel d’une ville américaine aux histoires multiples.” Alexa Brunet

Série réalisée avec le soutien de l’aide à la photographie documentaire du CNAP et du New-Orleans Art Center.

A travers des photographies quʼelle prend lors de ses voyages, Raphaëlle Peria fait du souvenir lʼune de ses inspirations premières. D’un moment vécu, d’un sentiment ressenti, d’une rencontre inattendue, elle livre au spectateur un instantané déjà loin. Plus loin encore, car l’artiste se laisse le droit de les oublier avant de commencer à les travailler.

En attaquant la matérialité de la photographie ou de la plaque de cuivre, Raphaëlle Peria efface, préserve et révèle ce qui lui semble important. Elle tente de figer par la déformation de ses souvenirs personnels, un instant de notre mémoire collective, un fragment de notre Histoire qui sans cesse se réécrit.

A L’aparté, Raphaëlle Peria présente un travail basé sur un voyage en Argentine dans la ville d’Epecuén, qui questionne les ravages sur l’environnement causés par l’exploitation touristique d’un lac salé. Le sel, symbole du développement de cette ville, devient un fléau pour sa population. Dans ce nouveau projet, l’artiste fait du sel un matériau à part entière, venant altérer les plaques de cuivre ou simuler le dépôt de sel laissé par les eaux.

L’un et l’autre pratiquent le dessin. Ce qui les réunirait aussi serait l’intérêt pour les images, celles qui proviennent de mondes enchevêtrés appartenant à la littérature, au cinéma, à la peinture, des histoires lointaines et proches. Le paysage serait éventuellement un thème sur lequel ils se retrouveraient. Pourtant beaucoup de choses les opposent formellement, l’un choisira l’opacité de la pierre noire, l’autre la transparence de la couleur et de la cire

Playground, ce terme évoque à la fois l’aire de jeu, mais aussi par extension le terrain de jeu de l’artiste. A partir de formes universelles et géométriques, Macula Nigra questionne la part d’enfance qui ne nous quitte jamais vraiment. La pratique formelle de l’artiste rejoint celle de l’enfant, dans une posture d’architecte, jouant sur les échelles afin de déployer cet imaginaire dans un espace réduit.

A l’origine de nos premières expériences visuelles et motrices, il y a les formes et les couleurs. Ces éléments que nous manipulons dès l’enfance ne nous quittent pas si facilement à l’âge adulte. Cette réminiscence amène Macula Nigra à considérer le graphisme et l’architecture comme des jeux de construction ludiques.

Macula Nigra développe une pratique de l’image imprimée et de l’édition, créant des univers utopiques (ou dystopiques) via un travail de collage et d’associations d’images, provenant de sources iconographiques hétéroclites.

Les Ateliers du Plessix-Madeuc vous invitent à découvrir le travail de Ymane Chabi-Gara  et Iwan Warnet, en résidence jusqu’au 31 mars 2021.

IWAN WARNET

Né en 1996, il vit et travaille à Brest.
Il est diplômé de la Haute Ecole des Arts du Rhin en 2019.

« Cogito, ergo sum » (je pense, donc je suis), Descartes, Discours de la méthode, 1637. Peut-on penser ou créer à partir d’internet ? Les flux de l’information continue répétitive qui inondent les réseaux sociaux sont-il compatibles avec le temps de la réflexion ou celui de la lecture ?

Cette année, la villa Rohannec’h est partenaire d’un projet d’Education Artistique et Culturelle en lien avec le lycée Le Dantec de Lannion et l’artiste-plasticien Yuri Cardinal. Une première pour la villa, qui affirme un des axes forts de la politique départementale : le soutien à l’éducation artistique et culturel sur tout le territoire.

Afin de favoriser la rencontre entre les jeunes et l’art, le lycée Félix Le Dantec et sa professeure d’Arts Plastiques Marie-Line Nicol ont souhaité accueillir au sein de l’établissement, le plasticien Eric Le Vergé en résidence de création, de janvier à juin 2021. Pendant six mois, les lycéens (les 1ères et terminales option Arts Plastiques) collaborent avec l’artiste et leur professeur autour de la question de la plasticité des images numériques. L’artiste quimperois Eric Le Vergé est ainsi accueilli depuis le mois de janvier 2021, au cœur du lycée : deux jours par semaine, sa présence favorise les échanges avec les élèves. Les adolescents côtoient l’artiste et peuvent échanger sur sa démarche artistique. Parallèlement, il a mené une série d’ateliers avec les 1ères et Terminales option arts plastiques et les a accompagné dans une démarche de pratique artistique avec production individuelle.

Le projet « LEGO ERGO TWITTO » ou comment le flux d’information peut devenir objet artistique
“A la recherche d’un nouvel espace de travail à la croisée de l’intérêt que je porte à l’art, à l’information et à internet, j’ai entrepris en janvier 2014 sous le pseudonyme/projet Yuri Cardinal, un work in progress consistant à expérimenter artistiquement au sein du contexte internet donné par le réseau social Twitter […]. ” (Eric Le Vergé). C’est ainsi que l’artiste présente son travail et c’est dans cette perspective qu’il entreprend sa résidence en milieu scolaire au lycée Le Dantec. « Peut-on penser ou créer à partir d’internet ? Les flux de l’information continue répétitive qui inondent les réseaux sociaux sont-il compatibles avec le temps de la réflexion ou celui de la lecture ? » Autant de questions qui habitent le travail d’Eric Le Vergé et qui rencontrent l’univers des adolescents, grands utilisateurs des réseaux sociaux. Un travail qui doit amener les élèves à se questionner et à travailler à partir des flux d’images Internet, à les détourner et les positionner dans les espaces publics du lycée.

La démarche d’Eric Le Vergé, artiste plasticien
Le plasticien est présent sur le réseau social Twitter, sous le pseudo Yuri Cardinal, où il est possible de voir ses créations numériques. Il twitte des citations issues d’ouvrages traitant d’art, d’information, d’écologie ou d’Internet qui se retrouvent dans le flux puis, métamorphosées en images par une capture d’écran, sont injectées à nouveau dans le réseau mondial pour être de nouveau prélevées dans la toile en un dernier geste d’« arrêt sur flux ». Ces citations (références et auteurs crédités) s’installent in fine dans leurs nouveaux lieux de dialogue et d’interaction que sont les divers espaces pédagogiques et lieux de vie du lycée.

Pour en savoir plus sur la démarche artistique :

• L’artiste tient un journal numérique de résidence et publie très régulièrement sur son fil Twitter ses créations.
• Blog de résidence : http://residence.blog-lycee-ledantec.fr/category/yc2021/

Enseignante référente : Marie-Line Nicol, professeure d’Arts Plastiques.
En partenariat avec la Villa Rohannec’h à Saint-Brieuc.
Avec le soutien de la DRAC Bretagne / Ministère de la culture, de la Région Bretagne, du Conseil départemental des Côtes d’Armor et du Lycée Félix Le Dantec.