A l’initiative du Laboratoire HCTI (Héritages et constructions dans le texte et l’image), dans le cadre du colloque international Arts et migrations dans les Amériques et les Caraïbes (de 1940 à nos jours), exposition d’une cinquantaine d’artistes, tous issus du Taller Experimental de Grabado de l’ISA (Instituto Superior de Arte) de la Havane.

Nous vous invitons à découvrir l’exposition de sortie de résidence de Léa Maraszek, Résidente SUPRA 2021-2022.

Possibilité de participer à un Atelier dégustation gratuit autour des fleurs comestibles et du travail de Léa. Sur inscription par mail à supra.runspace@gmail.com (place limitées)

Léa et l’équipe de SUPRA vous attendent nombreux.ses.

Soirée photographie humaniste en partenariat avec la Scam

Vendredi 16 septembre • 18h30 – 20h au Centre culturel Artémisia

Gratuit, entrée libre – Réservation recommandée.

Dans le cadre des Journées européennes du patrimoine, le Festival Photo La Gacilly propose une soirée dédiée à la photographie humaniste en présence du photographe lauréat Prix Roger Pic 2022, Baudouin Mouanda.

Vous pourrez rencontrer le lauréat du Prix, découvrir son travail et sa démarche lors de cette soirée événement à La Gacilly qui célébrera également les 30 ans de la SCAM.

Un événement organisé en partenariat avec la Scam et le magazine Fisheye, partenaire du Prix Roger Pic.

• Evénement gratuit et accessible aux personnes à mobilité réduite.
• Adapté au public à partir de 10 ans.
• Sous réserve de disponibilité, les personnes n’ayant pas réservé leur place pourront se présenter à l’ouverture des portes à 18h.
• Réservation en ligne recommandée et possible jusqu’à 16h, le 16 septembre 2022 : https://www.helloasso.com/associations/festival-photo-la-gacilly/evenements/soiree-photo-humaniste-prix-roger-pic-2022

+ d'infos : https://www.festivalphoto-lagacilly.com/journees-europeennes-du-patrimoine

Du  10  au  18  septembre 2022,  l’École européenne supérieure d’art de Bretagne -Site  de  Lorient et  la Ville de  Lorient présentent la jeune création issue de la promotion 2022, formée/forgée durant les périodes de confinements, confrontée alors à un autre rapport au temps, dans l’attente et en quête d’expérience.

L’exposition sera orchestrée et scénographiée par Elen Cornec et Sylvain Le Corre, deux artistes résidant à Lorient, particulièrement sensibles à la jeune création qu’ils soutiennent notamment à travers des accueils en résidence à l’Atelier Marcelin.

Commissariat d’exposition : Elen Cornec & Sylvain Le Corre
Conception graphique du visuel : Atelier Marcelin

Artistes en résidence d’été, ils présenteront leurs recherches et les œuvres qu’ils ont réalisées durant leur temps de résidence. Thibault Rabiller questionne les systèmes de communication visuelle actuelle au travers de ses peintures figuratives, quant à Valérie Sonnier, elle explore les liens qu’entretiennent souvenirs intimes et mémoire collective de l’enfance avec ses dessins, ses photographies ou encore ses courts-métrages.

Des jeunes filles invisibles.
Le constat est général en France, en 2018 : les jeunes filles, à partir de 13-14 ans, commencent à déserter les maisons de quartiers, les centres socioculturels et autres espaces jeunes des villes de l’hexagone. Elles sont aussi bien moins présentes dans l’espace public, qu’elles traversent sans s’arrêter. Lorient n’échappe pas à ce constat, et c’est particulièrement vrai pour le quartier Bois du Château.

L’objectif de ce projet était donc de toucher les jeunes filles à partir de 13 ans jusqu’à environ 25 ans. De manière collatérale, il était aussi question de toucher les familles ainsi que les garçons du même âge. Ce projet n’avait surtout pas vocation d’opposer les garçons aux filles, seulement de libérer sans concession une parole, un regard, mais toujours avec bienveillance.

Cette exposition voit le jour à la suite d’une résidence réalisée entre 2017 et 2019, dans le cadre du dispositif Entre les images impulsé par le réseau Diagonal et soutenu par le Ministère de la Culture.

En cette fin d’été, une sélection d’œuvres d’art contemporain issue de la collection du Frac Bretagne se déploie dans la rotonde, le foyer, la salle et la scène de l’Opéra de Rennes. Ces surprenants fantômes hantent ce bâtiment historique emblématique de la ville et en pimentent la visite. Une expérience sensible, étonnante et réjouissante pour toutes et tous.

méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (Dès lors).
En écho à l’exposition les transformations silencieuses, en présence de Sylvain Le Corre.

Au programme : Paul les oiseaux, d’Erwann Rougé et Le parti pris des choses (extraits), de Francis Ponge.

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Sophie Hoarau est entrée au théâtre par son premier métier de costumière et avec le goût du travail en compagnies. En Bretagne, elle a collaboré avec Éric Vigner au CDDB de Lorient, les compagnies 13-10ème en Ut à Rennes, a k entrepôt ou Fiat Lux à Saint-Brieuc, Jo Coop à Lorient, les Théâtres du Laid Cru et du Tapis Bleu, l’Atelier des Possibles… Elle a cofondé et porté pendant quinze ans avec Séverine Valomet La Quincaille, lieu et compagnie à Poullaouen.

La poésie, aiguiseuse des perceptions et des expressions, constitue dès lors la matière première de ses projets de scène.

Elle multiplie depuis les lectures publiques lors de rendez-vous mêlant poésie, performances et arts plastiques. En 2019, elle passe de la forme lue à la mise en scène avec le monologue poétique Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Conçue avec et autour du travail de Rika Tanaka (artiste en résidence à Peillac), Òu chante la rivière aborde certaines questions concernant l’eau. Comme dans l’esprit du poème Le dormeur du val d’Arthur Rimbaud (dont s’inspire le titre de l’exposition), l’eau peut se présenter sous le signe de la beauté ou bien sous celui de la tragédie.

Chacun des six artistes internationaux qui participent à cette exposition aborde le sujet de façon différente.

Les oeuvres présentées sont prêtées par les artistes ou bien par des collections dont le Fonds régional d’art contemporain, le Fonds départemental d’art contemporain d’Ille et Vilaine, et le Fond communal de la Ville de Rennes.

L’artiste américaine, Kendall Glover présente Lasso Errant, une nouvelle sculpture permanente réalisée pendant une résidence à Minoterie21 en été 2022.

Les Phonotons

Concert-performance d’Alexandre Berthaud & Bruno Kervern (Mille au carré).
En écho à l’exposition les transformations silencieuses, en présence des artistes Julie Bonnaud & Fabien Leplae.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition En chemin, 2012/2022.

Aquarelle et textile.

Derrière Minuit se trouve Candice Quédec, jeune artiste brestoise. Les eaux des mers du monde sont ses principaux outils de travail pour créer des aquarelles singulières. Chaque eau est unique et raconte une histoire. Leur densité, leur couleur, leur salinité font qu’elles s’expriment différemment sur les supports choisis par l’artiste.

Minuit créé des objets et des « espaces-univers » qui sont mis en scène. Au Donjon-Galerie, c’est un réel univers qui apparaît avec Fendre les flots. D’un rêve symbolique, celui d’une vague déferlant sur le monde, est née l’envie de réaliser une aquarelle à l’eau de mer sur une voile de bateau. Comme pour prendre le large vers un ailleurs en forme d’Atlantide.

Accueil de l’artiste dans le cadre du dispositif Contre vents et marées, avec le soutien de la Région Bretagne et en collaboration avec a.c.b – art contemporain en Bretagne.

Couleurs et espace.

Liz West sculpte la lumière et colore des espaces du monde pour inviter à regarder, à observer, à explorer ce que les couleurs vives et leurs rayons apportent aux lieux qu’elle investit. Après s’être arrêtée, en France, au Musée des Arts Décoratifs de Paris en 2018 et au Tripostal de Lille en 2021, c’est au centre d’art Les 3 CHA de Châteaugiron qu’elle va faire jouer les sens des visiteurs et faire vaciller l’atmosphère de la chapelle.

Les 700 miroirs colorés de Our Colour Reflection qui tapissent le sol sont animés par les rayons du soleil et projettent sur l’architecture un décor sensible mais flamboyant. L’atmosphère créée laisse place à une déambulation illusoire. Transformation de l’espace et perturbation de la vision sont de mises.
La couleur a un effet différent sur chacun de nous. Quel est celui rendu par l’installation sur votre corps… Confort, chaleur, énergie, joie ?

Dans les rues de Saint-Briac cet été, le Frac Bretagne et la commune proposent une nouvelle expérience artistique à ciel ouvert. Dans une dynamique d’immersion toujours renouvelée, le pavoisement de drapeaux plonge l’espace public sous une vague colorée : les rues et ruelles du village accueillent le travail d’Elsa Tomkowiak. Avec rythme, force et volupté, l’artiste s’empare des teintes les plus vives, joue de leurs vibrations et déploie pour les visiteuses et les visiteurs une expérience sensorielle inédite.

L’ARTISTE

Elsa Tomkowiak
Née en 1981, vit et travaille à Douarnenez.

« Dès ses premières années à l’école d’art, Elsa Tomkowiak conçoit la peinture comme un fait spatial. C’est-à-dire comme une pratique dynamique d’expansion de la couleur dans l’espace. La priorité est à la couleur. Aux couleurs, et à leur déploiement. Cette conception ignore d’emblée les frontières entre la peinture et la sculpture, puisque la peinture est, de facto, volume. (…)

Son exploration est un bain de couleurs une immersion dans la composition. On s’y sent happé, attiré, mais libre comme dans une forêt. La peinture nous enveloppe sans nous submerger. Nous pénétrons dans un spectre puissamment articulé, dont les éléments se donnent tour à tour puis se réajustent entre eux. A chaque pas, nous décomposons et recomposons le tableau. Ou plutôt à chaque pas, le tableau se défait et se reforme autour de nous. La peinture respire, vit dans notre mouvement. (…)

La couleur, comme la voix sont indissociablement liées au corps. C’est une pulsion organique, passé un instant par le filtre de la raison et du calcul pour trouver la justesse de sa tessiture et de sa structure. L’énergie ainsi libérée ne conduit pas au chaos. C’est pourquoi le déchaînement coloré des installations d’Elsa Tomkowiak n’est jamais une tempête. C’est une énergie folle insufflée dans une structure audacieusement ordonnée. Festives et méthodiques ses compositions obéissent à des systèmes rigoureux, mais elles ouvrent à des modalités inédites qui maintiennent la pratique de la peinture dans une voie constamment jubilatoire. »

[Expansion de la couleur, Hubert Besacier, 2012 (extraits)]

Découvrez le travail de l’artiste sur ddabretagne.org

Une exposition organisée en partenariat par le Frac Bretagne et la commune de Saint-Briac

Voilà l’été !

Expérience GENERATOR 2014-2022

Dans le cadre de la 2ème édition d’Exporama, L’Oeil d’Oodaaq, le Lieu et le Phakt s’associent pour proposer un projet en trois volets intitulée la « La dérivante » imaginé par les artistes Nyima Leray et Jonas Delhaye :

– 1 exposition dans la galerie du Lieu, local de L’Oeil d’Oodaaq, 20 rue Francis Joly

– 1 programmation vidéo internationale présentée dans la galerie du Phakt – centre culturel Colombier

– 1 sculpture flottante installée promenade du Lavoir à Rennes

L’EXPOSITION

Le travail collaboratif imaginé pour cette exposition, expression d’une histoire, sculpturale et performative, est le point de fixation et de liaison entre nos deux univers artistiques. Il se matérialise par la création d’une bouée, point de départ de la recherche, objet flottant qui rend sensible la jonction entre ciel et mer, visibles les reliefs de cette interface liquide et perceptibles les courants et les récifs.

Sculpture flottante, elle traverse le paysage urbain telle une bouée météorologique dérivante qui donne des informations sur son milieu. Elle porte la symbolique du signe qu’elle incarne et de sa fonction reconnaissable, tout en se chargeant de l’étrangeté d’une forme inspirée par le polyèdre de La Mélancolie de Dürer. A la dérive, elle donne à revoir les fixités de nos villes et l’expression des trajectoires utiles et quotidiennes de nos corps citadins. Mélancolie du passant, de celui qui erre comme un situationniste ou simplement perdu dans sa pensée, de l’acuité au changement au simple plaisir d’être là et d’observer. L’objet flottant, son incongruité, offre aussi un espace de projection et d’évasion, comme un rappel à un accès possible à la mer ; et, parce qu’il éprouve le paysage, il se charge des traces de son immersion, se faisant surface de réception.

LES ARTISTES

Nyima Leray

Né en 1978, Nyima Leray vit et travaille actuellement à Caen. Titulaire en 2005 d’une maîtrise de lettres modernes, il a suivi une formation d’art plastique et obtenu un master Art plastique spécialité «photographie et art contemporain» en 2012 à Paris 8.

«Dans mon travail, je porte mon attention sur un monde de petites choses, de traces, d’événements infimes, d’objets fragmentaires issus du quotidien. Tous ces petits riens deviennent un terrain de jeu, une matière sensible que je m’approprie. Je collecte ces traces, matériellement ou photographiquement, je les regarde, les ordonne, les agence, leur associe parfois un élément graphique, un mot, un geste pour les conduire ailleurs ou prolonger ce que j’ai ressenti au moment de leur découverte. Ces petites choses m’apparaissent souvent lors de marches en ville, en périphérie, sur le port, le long d’une route… tels des signes, des apostrophes, des promesses silencieuses à emporter précieusement avec soi et à décrypter. S’absorbant presque totalement dans leur sillage, on finit par imaginer ou rêver les traces que l’on suit peut-être autant qu’on les découvre. Le résultat de ce travail peut prendre différentes formes. Je m’intéresse cependant particulièrement aux formes éditées, livres d’artistes, cartographies… pour la manipulation que ces formes induisent chez le regardeur qui associent alors les mains à l’œil, le toucher au regard, ainsi qu’aux liens textes-images pour cette manière de venir se mettre se mettre en tension et se compléter.»

Lien vers le site de l’artiste : http://nyimaleray.com/

Jonas Delhaye

Jonas Delhaye, né en 1988, vit et travaille en itinérance. Diplômé de l’EESAB en 2011, il développe son travail artistique lors d’expositions et de résidences en France et à l’étranger. Jonas est finaliste du Prix découverte des Amis du Palais de Tokyo en 2014 et lauréat du Prix Yishu8 en 2019 grâce auquel il effectue en 2020 une résidence à Pékin.

LE PROJET 5

Son travail se définit dans une forme hybride où l’oeuvre et l’image sont envisagées au croisement de la sculpture et du performatif, de l’enregistrement au sens large. La démarche naît de l’immersion du corps dans l’espace, de son expérience du temps et témoigne de la mise en valeur d’une présence au monde par des modalités spécifiques d’apparition de l’image ou du langage. Cet engagement est un moyen pour penser l’oeuvre dans sa transversalité, ouvrir des potentialités de récits et de dialogues avec le paysage qui deviennent dès lors un moyen pour entrer en relation, comprendre… L’oeuvre apparaît le plus souvent comme la manifestation de ce lien, de l’interdépendance entre le lieu, le dispositif, le processus et l’empreinte ; trace sensible issue d’une rencontre avec le paysage.

Lien vers le site de l’artiste : http://jonasdelhaye.fr/

Reconnu internationalement pour ses illustrations produites pour des commanditaires prestigieux comme The New York Times, le Centre Pompidou, Les Inrocks, The Guardian, RCA Records, National Geographic ou encore Le Grand Palais, le Breton Jean Jullien développe depuis plusieurs années un commentaire graphique du monde contemporain aussi amusé qu’acerbe.

Peuplé de ceux qu’il appelle ses Paper people (personnes en papier), l’univers de Jean Jullien puise autant dans la culture populaire de cet enfant des années 1980 que dans l’histoire de l’affichisme – de Ungerer à Savignac. Plus récemment, il est retourné sur la côte sud-finistérienne de son enfance pour s’adonner à la peinture. De Lesconil à la Torche, il y observe dunes, bateaux et surfeurs, avec tout le génie du trait qu’on lui connaît en donnant le sentiment de vouloir échapper à la schizophrénie du commentaire de presse pour coucher le temps long sur la toile.

Pour son exposition personnelle Les Pas à Clohars-Carnoët, Jean Jullien investit la station balnéaire du Pouldu où se sont installés à la fin du XIX^e siècle certaines illustres figues de l’École de Pont-Aven.

Un de ses Paper people quitte la feuille de papier pour construire en volume et à échelle humaine un voyage sur les pas de ses illustres prédécesseurs. On le découvre ainsi attablé à la Buvette de la Plage où les peintres séjournèrent, tenue à l’époque par Marie Henry (aujourd’hui reconstituée à l’identique à la Maison Maison-Musée Gauguin), allongé sur la plage des Grands Sables dont les paysages et la fameuse lumière les inspirèrent tant ou encore au travail, pinceau à la main, dans la Chapelle Saint-Jacques, transformée en atelier d’artiste.

Cette fiction artistique à travers le village se poursuit à La Longère par une une présentation retraçant l’histoire des Paper people dans la pratique de Jean Jullien.

Découvrez le travail de l’artiste : jeanjullien.com
Evénement organisé en partenariat avec la Ville de Clohars-Carnoët.

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec l’artiste à 17h pour découvrir l’exposition En chemin 2012/2022 plus en détail.

Depuis l’origine, les recherches de Léa Bénétou tournent autour de l’idée de construction et de jeu.

A partir de cette base, Léa Bénétou ne cesse d’explorer (et d’exploiter)  des matériaux divers : ceux traditionnellement associés au travail artistique (dessin et peinture) mais aussi plus récemment, des matériaux de construction, justement : carrelage, ciment, parpaing, plâtre, brique.

Sa pratique inclut également des céramiques, des grès, des mosaïques et la fabrication de bijoux. Et même pour sa dernière exposition des objets en tissus : dessus de lit, taies d’oreillers…

Elle aime, en effet, jouer avec les formes et les matériaux. La transposition d’un objet de la vie quotidienne dans un autre matériau (grès émaillé, porcelaine), puis sa réplication, en troublent la perception: un moule pour mini châteaux de sable, une coupelle en verre Duralex, sont moulés pour obtenir une forme en grès émaillé et agencés avec d’autres identiques devenant ainsi les éléments d’une sculpture ou d’un relief au mur.

Et puis il y a les “Châteaux Forts”, qu’elle décline en dessins, carrelages découpés, céramiques. Ce sont des formes qu’elle affectionne car elles associent le monde de l’enfance, du passé et du jeu. Ces châteaux, représentés de manière schématique dans son travail, lui offrent un répertoire de formes simples (triangles, carrés, parallélépipèdes) qu’elle agence entre elles comme le font certains jeux de construction.

Léa Bénétou

Plan d’ensemble

Parcours A ciel ouvert

Exposition des étudiant·es de 5e année

Chaque année, l’EESAB-site de Quimper propose au public de découvrir le travail réalisé par les étudiant·es de 5e année, fraîchement diplômé·es ! En effet, iels viennent tout juste de passer leur Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique, valant grade de Master.

Cette exposition s’inscrit également dans la pédagogie puisque le site de Quimper développe une mention intitulée Penser l’exposition qui se décline sous différentes formes : accrochages, espace performatif, édition, interventions dans l’espace public, expositions et ses métiers…

Commissariat : Martial Déflacieux | Coordination de la 5e année : Antoine Dorotte.

Gabrielle Kourdadzé et Cléo Garcia Leroy ouvrent les portes de leurs ateliers à l’occasion de leur fin de résidence aux apm, initié en janvier 2022. Les artistes peintres ont menées des recherches autour du médium de la peinture à l’huile et échangeront sur place auprès des publics afin de faire découvrir leurs œuvres réalisées ces derniers mois.

Concluant le premier volet d’une série de trois résidences en Bretagne romantique, l’exposition personnelle de Gabrielle Decazes propose de découvrir une nouvelle série de dessins et sculptures inspirés du menhir de la Butte – situé sur la commune de Cuguen – et de la nouvelle La couleur tombée du ciel de H. P. Lovecraft. A l’aide de fusains réalisés à partir de végétaux collectés autour de la pierre levée, l’artiste a dessiné des paysages calcinés évoquant la « lande foudroyée » de la nouvelle, faisant du menhir de la Butte le vestige d’une météorite dotée d’une aura surnaturelle capable d’annihiler la couleur.

L’exposition propose également de découvrir une série d’anthotypes et bas-reliefs réalisés dans le cadre d’une résidence d’artiste avec les élèves de l’école primaire de Cuguen.

Commissariat et production : Le Bon Accueil – REVERB
Partenaires : DSDEN 35 ; commune de Cuguen ; école primaire publique de Cuguen.
La résidence d’artiste en milieu scolaire ainsi que l’exposition s’inscrivent dans le cadre d’une Contrat Local d’Education Artistique de trois ans (2022-2024) soutenu par la DRAC Bretagne et la Communauté de Communes Bretagne Romantique.

Le samedi 18 juin 2022, à 11 heures, le street-artiste historique brestois ROYALTI prend les commandes de la visite commentée du Comœdia dans le cadre de “L’Artiste vous guide”. 

Partagez, le temps d’une rencontre, la vision d’un artiste sur l’expo-vente : Royalti, artiste majeur de la scène locale, revient durant cette heure exceptionnelle sur son parcours, en apportant un éclairage spécifique sur les œuvres qu’il présente durant Street Art.

La visite se poursuit avec la présentation des œuvres des autres artistes exposés, avec toujours les commentaires du graffeur ! Un moment privilégié et une excellente manière de vivre l’expo-vente Street Art autrement et de rencontrer un street-artiste brestois !

Je m’inscris à la visite commentée du Comœdia par Royalti ici.

Dans le cadre de la manifestation les «Nuits des Forêts», l’Association Ultra vous propose une plongée artistique dans le bois de Kéroumen et à La Gare du Relecq-Kerhuon.

Le temps d’une journée inédite, cet événement sera ponctué de découvertes et de surprises artistiques à l’adresse de tous publics. Nous vous inviterons ainsi lors d’un parcours de création à ressentir la nature sauvage, à faire émerger de nouvelles énergies par le DIY, à se relier aux pratiques artistiques écoféministes ou encore à découvrir La Gare, pensée comme un écosystème transgressif à travers l’exposition Forest-Forêt.

Trouvant ses réalisations dans des espaces immédiats, la proximité et la constitution de micro-systèmes résilients temporaires, au sein de cette programmation, nous nous réunirons afin de repenser notre rapport à la forêt, au vivant et au sensible.

• 16h : Promenade Graphique au Bois de Kéroumen, départ à La Gare. Parcours-jeu éditorial et créatif composé par Camille

Bernicot et Yseult Hugon.

• 17h30 : Atelier Eco-print à La Gare.

• DJ Mix, temps convivial & guinguette.

• 18h : Découverte de l’exposition immersive Forest-Forêt, avec les œuvres sonores et visuelles de Camille Bernicot et Yseult Hugon, ainsi que les œuvres de l’Artothèque du Musée des Beaux-Arts de Brest, accompagnées du mobilier d’écoute de Charlie Cann, Designer, et Michel-Ange Archimbaud.

• 22h : Promenade Graphique de Nuit au Bois de Kéroumen, départ à La Gare, jusqu’à 23h.

Dans le cadre de la programmation «Ça coule de ressources» de la Ville du Relecq-Kerhuon et des Nuits des Forêts portées par l’association @NuitsdesForets

Céline Le Guillou (France, 1994) a pris part aux « Chantiers-résidence » pendant 3 mois, initiative portée par le centre d’art et Documents d’Artistes Bretagne. Le programme de résidence accueille chaque année deux artistes qui vivent en Bretagne ou sont diplômé.e.s d’une école de la région. Elaborée en étroite collaboration avec l’atelier de céramique de l’EESAB – site de Brest (Ecole Européenne Supérieure d’Art de Bretagne), l’exposition « Les forces heureuses » est le fruit du travail et des recherches menés par Céline Le Guillou pendant sa période brestoise.
L’artiste s’est engagée dans une observation quasi-scientifique du corps et de l’organique, tout en demeurant dans le champ de la poésie. Elle a, par le passé, développé un corpus de peintures puis de sculptures et choisit d’augmenter ses compétences en céramique en étudiant récemment à l’Institut Européen des Arts Céramiques en Alsace. Forte de ce nouveau savoir-faire, elle a désiré élaborer son exposition autour d’une série de nouvelles sculptures, cuites à Brest. Elle a cherché à s’approprier l’espace en construisant un « dessin » en trois dimensions. Des formes molles, de textures différentes, se déploient sur un mobilier imaginé spécialement par l’artiste. Les socles font ainsi partie intégrante des oeuvres et suggèrent parfois du matériel scientifique.
Céline Le Guillou a composé une discussion entre ses pièces, comme si un moyen de communication inconnu des oeuvres d’art préexistait. Elle considère ses formes comme un catalogue où elle vient piocher un vocabulaire ou une grammaire. Ses sculptures et ses peintures montrent l’intérieur des corps, ce qui est censé rester caché, et rappellent les travaux de dissection de la médecine et l’iconographie de « l’écorché », célèbre dans histoire de l’art depuis Rembrandt à Francis Bacon. Céline Le Guillou parle d’ailleurs de la céramique comme « une chair terrestre », évoquant le côté charnel et primordial de la matière. Les corps qu’elle façonne sont inclassables, à la fois attirants et repoussants. Elle se considère comme une « passeuse » entre une substance existante et une forme finale, l’oeuvre d’art. Le geste de l’artiste n’est qu’une étape naturelle dans l’ordre des choses. « Les forces heureuses », formule que Céline Le Guillou emprunte au philosophe Gaston Bachelard, s’apparentent à celles de la sculptrice britannique Barbara Hepworth qui recherchait une forme idéale et d’Henry Moore qui était parti en quête des mystères des formes. Le dispositif d’oeuvres présentées à Passerelle dévoile un processus de croissance naturelle millénaire, comme si les sculptures émergeaient seules ou étaient simplement accompagnées par l’artiste, devenant pour l’occasion
obstétricienne, celle qui permet la naissance.

Soo-Kyoung Lee, Rouge, 2021, acrylique sur toile

Après avoir célébré le 35^ème anniversaire de l’ouverture de la galerie pendant l’été 2021, une nouvelle exposition de groupe intitulée TEN vient fêter le dixième anniversaire de la reprise de la galerie Oniris par Florent Paumelle.

Depuis une dizaine d’année, il dirige la galerie avec le souci de respecter la relation entre le travail des artistes établis avec celui d’une jeune génération d’artistes émergents qui partagent un langage conceptuel commun.

Cette exposition met l’accent sur le travail des artistes qui ont rejoint la galerie depuis 2012 aux côtés de quelques œuvres d’artistes plus historiques.

La sélection se veut évolutive au fur et à mesure de l’été et peut présenter un accrochage différent d’une visite à l’autre. 

L’exposition présente des peintures, dessins et sculptures, dans les deux espaces d’exposition de la galerie Oniris situés au 38 er au 42 rue d’Antrain à Rennes.

CETTE EXPOSITION FAIT PARTIE DU PROGRAMME EXPORAMA RENNES 2022

Pendant tout l’été 2022, Exporama propose plusieurs dizaines d’offres complémentaires d’expositions, de performances, de ballades, d’animations  associant de nombreux acteurs locaux de l’art contemporain à Rennes, notamment Le Musée des Beaux-Arts, le FRAC Bretagne, les deux centres d’art contemporain de La Criée et 40mcube et de nombreux lieux à découvrir pour vous permettre de passer un bel été à Rennes sous le signe de l’art contemporain.

À travers le regard de douze artistes, l’exposition « À fleur de peau » met en exergue les rapports entre la ville et ses habitant.e.s. Plus précisément, il s’agit d’observer comment l’architecture et l’urbanisme peuvent modifier et influencer nos comportements, nos corps et nos psychés. « À fleur de peau » ne cherche pas l’exhaustivité et l’impartialité et tente de dresser un panorama engagé et poétique de différentes approches artistiques.

Les villes évoluent, s’étendent, se fragmentent, parfois elles s’éteignent. Les habitant.e.s sont directement concerné.e.s et l’expérimentent tous les jours. Ces impacts sont très différents suivant l’origine sociale et les moyens financiers de chacun.e.

La « gentrification », l’un des processus de modification urbaine le plus connu, a reçu de nombreux échos récents dans la littérature, la sociologie ou encore l’urbanisme. Ce terme, issu de l’anglais, désigne les transformations de quartiers populaires engendrées par l’arrivée de classes sociales plus aisées qui réhabilitent des logements et importent des modes de vie et de consommation différents. Les plus pauvres et fragiles sont chassé.e.s plus ou moins violemment par le système des promoteurs ou tout simplement par la hausse des prix. Vivre dans un état d’incertitude, dans la conscience d’un départ inévitable, parfois dans des conditions d’insalubrité marque profondément les habitant.e.s de ces lieux. Les artistes Cao Fei (Chine, 1978) et François-Xavier Gbré (France, 1978) évoquent ce sujet par l’angle de l’absurde dans une mégapole chinoise pour l’une et par une méthode d’archivage du démantèlement d’un quartier précaire d’Abidjan pour l’autre. Rayane Mcirdi (France, 1993) capte des récits de vie et des conversations d’habitants dans le contexte de la mutation de la banlieue parisienne où les immeubles neufs remplacent les barres des années 1960.

Industrie, flux automobile, chauffage modifient l’air et les sols des villes. Certaines immenses agglomérations sont connues pour baigner dans des nuages de pollution opaques et permanents, modifiant les climats locaux et intoxiquant les habitant.e.s, tout autant que la faune et la flore. Dans les photographies de LaToya Ruby Frazier (Etats-Unis, 1982), les corps sont malades, marqués par des empoisonnements générés par des aciéries environnantes à un quartier résidentiel.

La guerre et ses destructions traumatisent durablement et profondément les esprits et les corps. Des bâtiments en ruines sont conservés comme lieu de mémoire tel le dôme de Genbaku au Japon devenu le mémorial de la paix d’Hiroshima à l’issue de la Seconde Guerre mondiale. Des quartiers de zones de conflits sont interdits et mortels tandis que d’autres sont fortifiés à l’image de la Zone verte de Bagdad en Irak où les dignitaires locaux et étrangers vivent coupé.e.s de la population. Ali Cherri (Liban, 1976) conte son enfance pendant la guerre civile où il lui était impossible de jouer ou se balader dans les rues devenues hostiles.

De nombreuses thèses féministes étudient l’histoire des villes en regard de celle du patriarcat – l’autorité détenue par les hommes à l’exclusion des femmes. Les hommes sont célébrés dans l’espace public à travers des noms de rues, de bâtiments ou encore des statues et les femmes invisibilisées. Les hommes s’approprient la sphère publique, créant parfois des atmosphères de contrainte, et amènent à une peur, parfois inconsciente, de l’espace urbain marqué par des stratégies d’évitements afin d’éviter d’être importunée. En 2006, tel un symbole, la rappeuse Diam’s chantait « Y a comme un goût de viol quand je marche dans ma ville ». L’artiste Cecilia Granara (Arabie-Saoudite, 1991) exprime ce dégoût dans sa peinture qui témoigne de la colère silencieuse qu’elle accumule dans sa vie parisienne quotidienne.

La ville est construite comme un réseau vivant en perpétuelle évolution. Elle porte en elle l’histoire de ses habitant.e.s telles des archives à ciel ouvert. De son côté, Pauline Ghersi (France, 1989) raconte l’histoire de quartiers et son appropriation par sa population dans une série de films. Marilou Poncin (France, 1992), elle, met en relation cartographie urbaine et radiographie des corps – la ligne de métro devient une artère battante. Chairs, esprits et rues se confondent au profit du collectif et du commun.

Céline Le Guillou (France, 1994) a pris part aux « Chantiers-résidence » pendant 3 mois, initiative portée par le centre d’art et Documents d’Artistes Bretagne. Le programme de résidence accueille chaque année deux artistes qui vivent en Bretagne ou sont diplômé.e.s d’une école de la région. Elaborée en étroite collaboration avec l’atelier de céramique de l’EESAB – site de Brest (Ecole Européenne Supérieure d’Art de Bretagne), l’exposition « Les forces heureuses » est le fruit du travail et des recherches menés par Céline Le Guillou pendant sa période brestoise.

L’artiste s’est engagée dans une observation quasi-scientifique du corps et de l’organique, tout en demeurant dans le champ de la poésie. Elle a, par le passé, développé un corpus de peintures puis de sculptures et choisit d’augmenter ses compétences en céramique en étudiant récemment à l’Institut Européen des Arts Céramiques en Alsace. Forte de ce nouveau savoir-faire, elle a désiré élaborer son exposition autour d’une série de nouvelles sculptures, cuites à Brest. Elle a cherché à s’approprier l’espace en construisant un « dessin » en trois dimensions. Des formes molles, de textures différentes, se déploient sur un mobilier imaginé spécialement par l’artiste. Les socles font ainsi partie intégrante des œuvres et suggèrent parfois du matériel scientifique.

Céline Le Guillou a composé une discussion entre ses pièces, comme si un moyen de communication inconnu des œuvres d’art préexistait. Elle considère ses formes comme un catalogue où elle vient piocher un vocabulaire ou une grammaire. Ses sculptures et ses peintures montrent l’intérieur des corps, ce qui est censé rester caché, et rappellent les travaux de dissection de la médecine et l’iconographie de « l’écorché », célèbre dans histoire de l’art depuis Rembrandt à Francis Bacon. Céline Le Guillou parle d’ailleurs de la céramique comme « une chair terrestre », évoquant le côté charnel et primordial de la matière. Les corps qu’elle façonne sont inclassables, à la fois attirants et repoussants. Elle se considère comme une « passeuse » entre une substance existante et une forme finale, l’œuvre d’art. Le geste de l’artiste n’est qu’une étape naturelle dans l’ordre des choses. « Les forces heureuses », formule que Céline Le Guillou emprunte au philosophe Gaston Bachelard, s’apparentent à celles de la sculptrice britannique Barbara Hepworth qui recherchait une forme idéale et d’Henry Moore qui était parti en quête des mystères des formes. Le dispositif d’œuvres présentées à Passerelle dévoile un processus de croissance naturelle millénaire, comme si les sculptures émergeaient seules ou étaient simplement accompagnées par l’artiste, devenant pour l’occasion obstétricienne, celle qui permet la naissance.

Les deux artistes proposent le projet « Twin Islands », où se jouent les notions de parité, de réciprocité et d’échange. Le projet a tout d’abord pris la forme de deux résidences de création simultanées qui se sont déroulées sur un mois, au cours duquel Sara Bichão et Violaine Lochu ont inversé leur territoire d’origine : Sara Bichão a séjourné sur l’Île d’Ouessant, située à l’extrême ouest de la France, tandis que Violaine Lochu est allée sur l’île São Miguel aux Açores à l’ouest du Portugal.

Au fil de cette expérience, qui articule fiction et quotidien, elles ont travaillé en « réflexion » l’une de l’autre. Chacune sur son île, elles cherchent à inventer des modes de communication à distance, jouant de la notion d’insularité. D’est en ouest, du nord au sud, leurs mouvements sur l’île pour sortir, se diriger, travailler, communiquer, s’effectuent selon un protocole précis, et selon la géographie de l’île, par l’intérieur (centre), les pourtours (côtes), l’extérieur (espace marin). Au fil de ces rituels, il s’agit pour chacune d’éprouver quotidiennement les mouvements de l’autre en miroir, dans l’espace et le temps insulaires, pour en traduire l’expérience au plus près.

Au cours de ces deux résidences parallèles qui se sont déroulées en février – mars 2022, des objets visuels, sonores et performatifs à « communiquer » sont produits. Un premier moment de restitution publique et d’activation de ces objets se déroule à Passerelle Centre d’art contemporain à Brest. Le tournage de ces activations aboutit à une vidéo-performance qui sera exposée ensuite à Carpintarias de São Lázaro – Centro Cultural à Lisbonne, à partir du 1er sept. 2022. Lors d’une deuxième phase d’expositions et de performances, les artistes expérimenteront différents agencements du travail réalisé aux Açores et à Ouessant.

La Galerie d’art Albert Bourgeois clôture sa programmation 2021-2022 «Du Coq à l’Âne», consacrée aux animaux dans l’art, avec une exposition hors les murs de Karen Knorr.

C’est de l’autre côté du miroir que nous emmène la photographe américaine Karen Knorr. Figure emblématique de la photographie contemporaine, elle appartient à une génération d’artistes ayant remis en question la nature de cet art, ne le considérant plus comme une pure expression de la réalité mais comme une image fabriquée. En montrant des renards ou des sangliers, des cerfs ou des hérons aventurés dans de somptueuses demeures d’ancien Régime ou égarés dans de sublimes palais indiens, l’artiste compose des situations improbables, dont le spectateur, partagé entre l’amusement et l’inquiétude, est réduit à n’être qu’un témoin dubitatif, selon un pacte tacite qui établit délibérément chaque image comme un subterfuge : une scène fictive voire fictionnelle. Autant d’évocations mythologiques et de références à l’histoire et à la littérature que propose une œuvre où l’allégorie participe autant d’une parodie des arts du passé que d’une critique du jugement et de la connaissance.

Durant l’exposition photographique de Matthieu VENOT, deux ateliers sont proposées au public, autour de la photographie et plus spécifiquement du cyanotype.

Les participants créeront des compositions à partir d’éléments naturels, qui, directement exposés à la lumière du soleil, s’imprimeront sur les feuilles comme de véritables photographies teintées de bleus profonds.

– Mercredi 15 juin de 10h30 à 12h : enfants à partir de 8 ans.

– Mercredi 13 juillet de 10h30 à 12h : adultes.

Les 5 artistes en résidence de création : 

Juliette Le Roux, Ememem, Collectif Espèces d’Espaces, AdeC 

crédit photo Ememem : Eric Legret 

Entre peintures de paysages fantastiques aux ciels nacrés hyperboréens, photographies de minéraux semblant émettre dans un spectre lumineux impossible, les œuvres d’Edouard Wolton et Charlotte Charbonnel réunies pour cette exposition proposent une relecture au prisme de l’imaginaire lovecraftien de l’histoire et des légendes attachées au Mont-Dol.

Et si les anciens cultes attestés dédiés à la déesse Cybèle, au dieu pétrogène Mithra, ou encore la marque de griffes qu’aurait laissée le diable sur un rocher du mont, n’étaient que les manifestations d’une même créature fantastique tombée du ciel il y a plusieurs siècles?

L’exposition Pas sommeil propose d’envisager l’été 2022 comme le crépuscule de cette pandémie qui nous aura interdit de nous livrer aux formes d’errance entre chien et loup que nous affectionnons tant et qui sont profondément ancrées dans l’ADN rennais. L’été 2022 serait ainsi le (grand) soir au cours duquel sont de nouveau possibles les transgressions porteuses de la convergence collective, de la rencontre créatrice de sens et de formes.

L’exposition se veut ainsi ouverte, festive, poétique, généreuse mais aussi contemplative, revêche et militante. Elle évoque la fête dans son acception élargie – du rassemblement populaire impromptu au dancefloor, de la kermesse de village au concert de rock, de la rave techno à la culture queer… – en réunissant des pratiques artistiques de tous horizons. La fête est envisagée comme le lieu de la réjouissance autant que celui de la résistance, de la revendication sociale, identitaire et culturelle, celui du spectaculaire comme de l’intime.

En investissant l’univers de la fête, les œuvres présentées invitent le public à vivre une expérience singulière, collective ou individuelle, interpellant leurs sens, incitant à l’interaction avec les dispositifs proposés et à la mise en mouvement de leur corps. Les esthétiques, les ambiances, les signaux, les dispositifs extraits du monde festif sont transposés et mis au service des œuvres d’art, avec une bonne dose d’humour à la fois jubilatoire et pleine de dérision.

Le public est libre de découvrir les trois volets de l’exposition au Musée des beaux-arts, aux Champs Libres et au Frac Bretagne selon l’ordre qu’il souhaite, en construisant son itinéraire. Dans chacun des lieux, le parcours interroge différents aspects et enjeux de la fête, faisant se croiser les lignes de force qui traversent toute l’exposition.

Pas sommeil. La fête dans tous ses états est une exposition collective proposée par le Frac Bretagne, le Musée des beaux-arts de Rennes et les Champs Libres.

L’exposition présentera un chemin sur 10 ans de travail en choisissant, pour chaque année, des œuvres significatives à mes yeux, peintures, dessins, volumes, livres d’artiste. Un espace sera consacré plus particulièrement à la gravure.

Je crois que toute œuvre doit tendre à se libérer du fardeau des superstitions, elle doit participer à la libération de chacun d’entre nous. Je crois qu’il ne peut y avoir de réelle liberté sans art, il en est la substance, le passeur, le ciment qui nous lie tous par-delà les époques et les contingences.  Des grottes de Lascaux au Minotaure de Picasso, des miniatures persanes aux paysages peints de Per Kirkeby, l’art nous redit que nous sommes de ce Monde.  

Passage évoque ce temps de latence identitaire, celui de l’adolescence. Entre la campagne vendéenne et celle de la Crimée, nous voguons dans le même silence qui anime ces jeunes en quête d’avenir et de devenir. Dans une douceur et une bienveillance commune, les regards de ces deux photographes nous proposent un temps d’arrêt, un retour à cette période d’intenses émotions et questionnements.

L’entretemps | Jérôme Blin

Ni vraiment villes, ni vraiment campagnes : des entre-deux parfaits où l’on oublie les hommes. Les héros de Jérôme Blin n’ont de l’homme que l’essence, beaucoup sont des femmes, tous sont adolescents. Ils et elles sont en devenir et leur question n’est pas tant de savoir devenir quoi, mais où. Où aller ? Jusqu’à quand rester dans ces rues qui se perdent dans les champs, le bocage vendéen ou la métropole nantaise ? Blain, Les Herbiers, Saint-Herblain, comme une ritournelle contre le vent. Chez Jérôme Blin, les crépis passés ou les parkings vidés se transforment en scènes fabuleuses pour accueillir le plus vieux récit du monde : celui d’une adolescence en quête d’un destin.

Artek | Claudine Doury

Artek installe des adolescents dans un espace, dans un temps et dans des fonctionnements qui les détachent du réel, ils s’échappent de la contingence pour laisser s’exprimer leurs doutes, leur identité, leurs contradictions et leurs désirs. Ce camp se révèle un terrain privilégié pour l’approche de ce moment de la vie qui fascine Claudine Doury et qu’elle s’attache à mettre en images. Dans ce décor de rêve, alors qu’ils vivent une fiction qui les libère du quotidien, garçons et filles se laissent aller à l’exigence vitale de leur âge : ils jouent et ne jouent pas, adoptent des rôles qui les aident à contrôler ce qu’ils sont – chaotiques dans leurs désirs et leurs impulsions – plutôt qu’à se donner une image…

Durant cette année 2021-2022, comme chaque année, les ateliers arts plastiques du PHAKT ont exploré un thème commun, celui de la cartographie.

Par la question de la carte sous différents prismes les ateliers dessin, BD, peinture, arts graphiques, photographie et arts plastiques ont travaillé de différentes manières pour aborder les déclinaisons d’une carte comme notion de représentation.

La carte comme plan géographique ou parfois comme un plan d’anatomie; mais aussi la carte de la mémoire et de l’intime.

À cette occasion vous retrouverez les animateurs des différents ateliers :

Maria Revilla – Arts graphiques, Peinture, Dessin

Céline Géraud – Arts graphiques, Arts plastiques, Peinture, Dessin

Jacques Mahé – Arts plastiques, Bande dessinée

Alexandre Texier – Photographie

Cette exposition des travaux des adhérent.e.s du PHAKT sera suivi d’un concert de flûte à 19h.

L’artiste plasticienne Virginie Barré a pensé l’exposition « Écouter chanter les dunes » comme on fredonne une chanson. Elle travaille depuis deux ans à l’écriture d’une comédie musicale « La plage des dames ». Cette exposition en est une préfiguration, elle est composée de chansons qui peuplent le scénario dont nous pourrons lire les paroles, de dessins et de prototypes d’objets qui vont traverser le film à venir. Toutes les œuvres possèdent une réelle autonomie mais elles sont également autant de promesses pour cette comédie à venir qui se déroulera sur deux plages du Finistère où l’artiste réside. Une exposition où objets et dessins, se côtoient, comme les variations d’une comédie musicale qui s’élabore doucement en chantonnant.

Le premier film de Virginie Barré écrit et réalisé avec ses deux amies Claire Guezengar et Florence Paradeis, « Odette Spirite » (2012), sera également projeté ; un film déjà musical lui aussi, en chanson, dans lequel on suit un esprit revenu sur terre car il lui manque une chose pour aller dans l’au-delà.

REPÈRES BIOGRAPHIQUES :
Virginie Barré est née en 1970 à Quimper. Elle vit et travaille à Douarnenez. Petite, tandis qu’elle est élevée dans une famille de créateurs, amateurs d’art et de chant, Virginie Barré se rêve héroïne de western et dessinatrice. Aujourd’hui, elle tente justement « de mettre en images et en couleurs des histoires rêvées, des histoires fantastiques en empruntant les langages de l’art et du cinéma ». L’œuvre de Virginie Barré se compose aussi bien de sculptures détonantes à l’ironie mordante, d’installations dans lesquelles des mannequins laissent entrevoir des scénarii improbables où la gravité et l’effroi tutoient le grotesque, de dessins en noir et blanc à la ligne claire et, plus récemment, de vidéos relevant de différents registres : approche intime ou nécessitant la mise en place d’une logistique collaborative et collective. Son univers s’inscrit dans le sillage de l’appropriationnisme* et est structuré par sa cinéphilie, marqué par son goût pour la bande dessinée, et se nourrit de fictions littéraires et de culture populaire.

*appropriationnisme : genre artistique des années 1980 qui réemploie du matériel esthétique (œuvres, photographies de presse ou publicitaires, images d’archives, films, vidéos, textes, etc.). La réappropriation de ces objets et / ou images préexistantes à la réalisation de l’œuvre se fait avec peu voire sans transformation.

Virginie Barré est diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Nantes. Elle est représentée par la galerie Loevenbruck à Paris et la galerie ADN à Barcelone. Ses œuvres figurent dans les collections françaises de Saint-Cyprien, du FNAC (Fonds National d’Art Contemporain), des Frac (Fonds régional d’art contemporain) Bretagne, Basse-Normandie et Midi-Pyrénées (collections Les Abattoirs), et du musée des Beaux-Arts de Bordeaux, ainsi qu’au sein de collections privées en France, Belgique, Allemagne, Espagne et aux Etats-Unis. Virginie Barré enseigne à L’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne (site de Quimper).

En savoir plus sur Virginie Barré : http://ddab.org/fr/oeuvres/BARRE

 La Criée centre d’art contemporain présente Le Cantique des oiseaux, exposition chorale et nouvelle production de Katia Kameli, dans laquelle l’artiste propose une variation, composée de céramiques musicales, d’aquarelles et d’un film, autour du célèbre texte éponyme du poète perse Farîd-ud-Dîn ‘Attâr. Avec Le Cantique des oiseaux, Katia Kameli poursuit son cheminement entre les cultures et se frotte à la terre, un matériau nouveau pour elle.

 Le texte d’Attâr (1174-1248) chante le voyage de milliers d’oiseaux en quête de Sîmorgh, oiseau fabuleux et figure centrale de la mythologie perse. Il s’agit d’un voyage initiatique, symbolique et spirituel, à travers les sept vallées successives du Désir, de l’Amour, de la Connaissance, de la Plénitude, de l’Unicité, de la Perplexité, du Dénuement et de l’Anéantissement. Guidés par la Huppe, symbole de la sagesse, seuls trente oiseaux parviennent à la fin du voyage.

Katia Kameli s’est progressivement intéressée à ce texte majeur de la culture orientale à travers différentes traductions françaises : celle d’Henri Gougaud d’abord, celle de Jean-Claude Carrière ensuite et enfin celle, récente, de Leili Anvar, à laquelle elle emprunte son titre.
Avec cette reprise du texte d’Attâr, l’artiste poursuit son exploration des récits, de leurs traductions successives, de leurs flux, ainsi que de l’épaisseur et de la polysémie qu’ils y gagnent.
Elle s’intéresse par ailleurs à la dimension spirituelle du récit d’Attâr, à la quête intérieure qui s’y déploie à travers la figure de l’oiseau, animal qui relie la terre au ciel et dont le langage nous est à la fois si familier et si mystérieux.

La traduction du Cantique des oiseaux que propose Katia Kameli est sensuelle et pluri‑sensorielle. Elle se décline en une série de céramiques, qui prennent la forme de quelques-uns des oiseaux du poème : la huppe, le paon, le rossignol, le héron, etc.
Ces sculptures sont aussi des instruments de musique. On entend leur chant dans le film qui les accompagne et dans lequel une procession de musiciens les activent, ainsi qu’à l’occasion de performances, qui viennent faire résonner l’espace d’exposition.
Des aquarelles, dont certaines ont servi de dessins préparatoires aux céramiques, complètent cet allegretto. Leurs inspirations sont multiples, des miniatures perses aux sculptures minoennes, en passant par Valentine Schlegel ou Asger Jorn. Réalisées sur des papiers de différents formats, certaines sont entourées de cadre en terre ; elles se situent à la croisée d’un art savant et d’un art populaire. Comme les sculptures, elles ont à voir avec la naissance et la mémoire du geste.

Avec Le cantique des oiseaux, Katia Kameli propose une nouvelle expérience de la traduction – d’une œuvre dans une autre, d’un art dans un autre, d’un medium dans un autre, de l’indicible dans le visible, etc. –, productrice à la fois d’écarts et de mêlées.

 On n’invente rien, on réinterprète toujours dans une autre langue. Katia Kameli

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition Le chemin se fait en marchant.

Dans l’exposition L’île de la résidence, Anne Brégeaut déploie son univers sous la forme d’une série composée de peintures préexistantes et de nouvelles œuvres, dans laquelle s’insèrent des extraits d’un texte de fiction écrit par la commissaire Anne Langlois.

L’œuvre d’Anne Brégeaut est rempli de paysages colorés, peuplé d’animaux ou de rares personnages stylisés qui évoluent dans des scènes narratives étranges. Énigmatiques, ses peintures laissent comme les rêves une grande part à l’interprétation. Sa série Mes insomnies s’apparente paradoxalement à des images et des histoires qui paraissent extraites de songes, dans une dimension psychanalytique.

L’île de la résidence est un texte écrit par Anne Langlois, de l’ordre de la fiction, dont l’histoire se déroule dans le cadre d’une résidence créée par un mécène mystérieux dans la montagne. Quatre artistes s’y rencontrent et découvrent l’histoire et les histoires du village, ce qu’on leur raconte et ce qu’on leur cache. En parallèle se construisent leurs œuvres, avec les étapes de recherche et de production, les discussions et les validations, ainsi que les différentes phases de doute et de fulgurances par lesquelles ils et elles passent.

Ainsi leurs histoires personnelles et celles du village se rejoignent, avant d’atteindre leur apogée dans ce qu’on appelle en théâtre l’acmé, et en anglais pour la littérature et le cinéma, le climax.

À partir de ce moment-là, tout déraille.

Dans l’exposition L’île de la résidence, Anne Brégeaut déploie son univers sous la forme d’une série composée de peintures préexistantes et de nouvelles œuvres, dans lequel s’insèrent des extraits du texte d’Anne Langlois, focalisés sur les paysages et les personnages. Recomposant ainsi sa lecture, l’exposition laisse transparaître une atmosphère commune aux œuvres et au texte, aborde la question du processus créatif, la manière dont la narration fait espace et la place que le texte y prend, ainsi que, plus largement, la question de la fiction dans le commissariat d’exposition.

La relation entre les concepts de nature et de culture a toujours fait l’objet de nombreuses discussions pour dépasser la longue opposition qui a prévalu dans la philosophie occidentale. C’est précisément à cet endroit que travaillent Sylvain Le Corre, Julie Bonnaud & Fabien Leplae, revendiquant à chaque nouveau projet un travail de terrain et d’expérimentation. Leurs ateliers sont des observatoires, entre jardin et laboratoire. Ils cherchent dans différents domaines, non pas à hybrider mais à explorer ce qui est entre-deux, ce qui fait conversation, les créolisations, les contaminations de pensées et de gestes.

Proches du quotidien, du menu, ils récoltent, jardinent, font entrer le dehors dedans, se demandent comment dessiner « comme une ortie » ou faire les gestes de la forêt. Ils mélangent les matières et les manières. Leurs œuvres ne sont pas figées, elles évoluent, prolifèrent, vivent. Prenant les végétaux, les cailloux ou les paysages comme idées et matériaux, se tournant autant vers le passé, le présent et le futur, ils s’inspirent de pensées philosophiques, de mythes et récits.

Leurs démarches et projets nous renvoient tout autant à Michel Foucault, Gilles Deleuze, François Jullien, Vinciane Despret… et font écho à des questions urgentes sur notre rapport au monde.

Cet été, les murs de l’Espace Lucien-Prigent se parent des couleurs chaudes et des formes géométriques des photographies de Matthieu Venot !

Originaire de Brest, il s’est fait connaître en photographiant sa ville sous un angle inédit, pleine de couleurs et de formes géométriques qui se détachent sur un grand ciel bleu…
Il fait de la poésie avec de l’architecture brute en se baladant au fil des rues pour immortaliser les « perles cachées » : escaliers, fenêtres, angles de bâtiments, au service d’une composition pure et colorée.

« Je voulais montrer Brest à ma manière. Je ne me retrouve pas dans les photos existantes, ce n’est pas ce que je vois. »

Impossible de ne pas être immédiatement attiré par les couleurs pastel et le travail sur les lignes : la silhouette d’un immeuble jaune se détache sur un ciel bleu, un mur de couleur ocre est percé d’une étroite fenêtre aux reflets turquoise… Ne sortant que par jour de grand beau temps, il se sert de ce ciel immaculé comme d’un fond de studio, composant des images simples et graphiques. Les lignes se croisent et se superposent, les formes se détachent de ce fond bleu jusqu’à nous faire oublier ce que l’on regarde : un toit, un mur, une rambarde, un balcon.

La couleur occupe une place primordiale dans ses photographies, comme pour répondre à une envie de voyage. Laissez de côté la supposée grisaille bretonne pour laisser place à des clichés qui évoquent la Californie ou la Floride, sans quitter le Finistère. Un optimisme communicatif !

www.matthieuvenot.fr

Pour sa onzième édition, le Festival Oodaaq inaugure une nouvelle formule pour concentrer sa sélection 2022 en un lieu unique mettant à l’honneur les vidéos d’une trentaine d’artistes internationaux. Le temps d’un week-end, du 13 au 15 mai, la Parcheminerie (RENNES) vous propose d’embarquer avec nous pour de nouvelles expériences audiovisuelles singulières et multiples, captations d’horizons multiples que nous proposons à vos contemplations. Un week-end d’exploration spéléologique au coeur des images et du bâtiment, investi dans sa totalité par nos performances, expositions, programmes vidéos, rencontres et concerts.

Des sous-sols aux étages, des loges à la scène, le théâtre de la Parcheminerie vibre aux impulsions sismiques de nos images poétiques et propose aux visiteurs une expérience complète, entre la traversée d’une exposition qui se déroule par paliers et la présentation en live d’expérimentations sur les images et les sons. 

Intitulée Apnée, l’exposition de cette année peut en effet se vivre comme un travelling tour à tour mélancolique et sombre puis chargé d’espoir et d’énergies nouvelles, un cheminement audiovisuel initiatique au fil d’étapes qui invitent à une mue au coeur du bâtiment. 

La même dualité, relevée dans notre appel à projet, vient structurer les deux soirées du festival : intériorité et plongées profondes en nous-même, puis expérimentations jouissives sans limites ! Un double mouvement de plis et replis qui préparent à mieux se déployer ensuite.

Entre obscurités et lumières, à travers des gouffres scintillants, cette nouvelle programmation saura comme toujours vous désorienter tout au long d’un voyage ponctué de visions singulières et inédites, bain salvateur de regards azimutés.

“Au fond, tout est plus foncé, plus froid. Alors le retour vers la lumière est incroyable”, Aurore Asso, apnéiste.

Durant cette heure privilégiée, venez découvrir les œuvres de nos street-artistes, afin de tout comprendre des arts urbains et de leur place dans nos villes et notre société ! Sculptures, peintures, collages et sérigraphies : toute la diversité de la scène urbaine est représentée dans cette expo-vente Street Art inédite et exceptionnelle.

19 street-artistes des scènes locale, nationale et internationale

Ville populaire et maritime, ouverte sur le monde et ses représentations, Brest fait partie des lieux incontournables et pionniers du Street Art en Bretagne. La galerie du Comœdia a donc mis l’accent sur la scène locale, en proposant à la vente les œuvres d’artistes émergents ou de renommée nationale : Pakone, graffeur incontournable de la cité du Ponant, fait son entrée au Comœdia avec ses mythiques cerisiers japonais en fleurs. Complice de Wen2 au sein du Cartel 29, ses créations sont présentées à la vente aux côtés des toiles de Royalti, autre street-artiste majeur brestois, qui mêle portraits photographiques de « ti zefs », bombe aérosol et affiches lacérées. L’expo-vente Street Art est aussi l’occasion de découvrir les créations de Tom Geleb, street-artiste originaire de Brest et qui s’est fixé pour mission de diffuser l’amour, partout, à travers l’Art et son personnage Téva.

Sur les scènes nationale et internationale, les writers et street-artistes de l’abstraction proposent à la vente leurs dernières créations : Xkuz, L’Outsider ou encore L’Atlas utilisent la calligraphie pour jouer avec les notions de compréhension et créer un alphabet universel. Le CyKlop revient quant à lui au Comœdia avec de nouveaux potelets tirés des univers « comics » et une création spéciale pour la galerie. Enfin, Levalet présente des oeuvres inédites aux techniques variées, apportant un regard décalé sur notre société contemporaine.

Le Street Art au féminin

Pour cette seconde édition d’une expo-vente consacrée au Street Art, Le Comœdia permet aux femmes de nous toucher : Miss Tic, artiste de la galerie et pionnière du graff en France, s’exprime à travers la bombe aérosol sur pavé ou pochoir. Si Lady K nous fait entrer dans son univers psychédélique par la découpe de planches de skate, Petite Poissone nous entraîne de son côté à la recherche du temps perdu et pourtant si actuel, grâce à ses collages de « poèmes » sur des assiettes d’Art. Sêma Lao, quant à elle, met en valeur les émotions et les sentiments, dans ses créations figuratives représentant la joie, la tristesse ou l’inquiétude, sur des visages d’enfants et de femmes.

Enfin, dans le cadre du dispositif d’aides « Contre Vents et Marées » de la région Bretagne et du réseau a.c.b (Art Contemporain Bretagne) dont la galerie est membre, Stéphanie Kilgast présente ses œuvres à la poésie mélancolique, alertant sur les dangers du réchauffement climatique.

La place du skate et de la culture Hip Hop

Objet emblématique et indissociable de la rue, le skate fait son entrée à la galerie, avec la création de pièces exceptionnelles présentées lors de la grande exposition « Art et Sport, La Rencontre » en 2021, à Saint-Jean-de-Monts. Parmi les graffeurs qui ont travaillé à la réalisation de ces skates, on retrouve 13Bis, Numa Monsi, Kouka Ntadi, Lady K, EpS, Nicolas Delpech et Reso !

Je m’inscris aux visites commentées de Street Art ici

Déroulement des visites

Les visites commentées durent environ 40 minutes. Vous disposez ensuite de 20 minutes pour vos questions, vos achats, ou pour profiter du Comoedia et revoir librement les œuvres.

Arrivée : 15 minutes avant le début de la visite pour le contrôle des billets. Fermeture des portes à 9 heures 30 et à 11 heures. Au-delà de ces horaires, il ne sera plus possible d’accéder à la visite.

Informations pratiques

Les visites commencent à 9 heures 30 et à 11 heures chaque samedi. Groupes limités à 20 places.

Tarif de la visite : 10 € par personne. Le règlement s’effectue uniquement sur internet et votre billet numérique ou papier sera à présenter lors de votre venue.

Commissariat : Alexandrine Bonoron

Le mouvement punk a profondément marqué les milieux culturels : musique, mode, photographie, zines. Bien que les racines de la contestation remontent au Moyen Âge (si l’on en croit Greil Marcus), le punk est pour toujours associé à des images devenues malheureusement aujourd’hui des stéréotypes. Cependant, ces stéréotypes, notamment graphiques et thématiques, vont être repris par différents mouvements, en particulier féministes, qui vont leur donner un nouveau souffle. Aujourd’hui, il faut rendre justice au punk du vent de révolte qu’il a soufflé sur la création contemporaine. Qu’il s’agisse de photographie, d’installation, ou d’édition, la création comtemporaine doit au punk une certaine esthétique de la marge.
Marge en tant que thèmes : friches industrielles, concerts illégaux, affichage féministe sauvage… Marge en tant que médium : micro-édition, photocopie, sérigraphie, peinture sur journaux…
Marge en tant que graphisme : déchirures, encrage aléatoire, écriture manuscrite parfois illisible, collage…
Cette exposition s’attache donc à replacer le punk dans son contexte, par des oeuvres d’art, des créations inédites et des zines : ce qu’il doit à l’art des années 1960 à 1990, ce qu’il a généré dans les années 1970-1980, et ce qu’il a semé dans l’art contemporain.

Une MAUVAISE IMPRESSION, qui dure encore.

Pour cette seconde édition d’une expo-vente consacrée au Street Art, Le Comœdia galerie d’Art présente à la vente, du 28 avril au 23 juillet, les œuvres de 19 street-artistes, des scènes locale, nationale et internationale.

19 street-artistes des scènes locale, nationale et internationale

Ville populaire et maritime, ouverte sur le monde et ses représentations, Brest fait partie des lieux incontournables et pionniers du Street Art en Bretagne. La galerie du Comœdia a donc mis l’accent sur la scène locale, en proposant à la vente les œuvres d’artistes émergents ou de renommée nationale : Pakone, graffeur incontournable de la cité du Ponant, fait son entrée au Comœdia avec ses mythiques cerisiers japonais en fleurs. Complice de Wen2 au sein du Cartel 29, ses créations sont présentées à la vente aux côtés des toiles de Royalti, autre street-artiste majeur brestois, qui mêle portraits photographiques de « ti zefs », bombe aérosol et affiches lacérées. L’expo-vente Street Art est aussi l’occasion de découvrir les créations de Tom Geleb, street-artiste originaire de Brest et qui s’est fixé pour mission de diffuser l’amour, partout, à travers l’Art et son personnage Téva.

Sur les scènes nationale et internationale, les writers et street-artistes de l’abstraction proposent à la vente leurs dernières créations: Xkuz, L’Outsider ou encore L’Atlas utilisent la calligraphie pour jouer avec les notions de compréhension et créer un alphabet universel. Le CyKlop revient quant à lui au Comœdia avec de nouveaux potelets tirés des univers « comics » et une création spéciale pour la galerie. Enfin, Levalet présente des oeuvres inédites aux techniques variées, apportant un regard décalé sur notre société contemporaine. 

Le Street Art au féminin

Pour cette seconde édition d’une expo-vente consacrée au Street Art, Le Comœdia permet aux femmes de nous toucher : Miss Tic, artiste de la galerie et pionnière du graff en France, s’exprime à travers la bombe aérosol sur pavé ou pochoir. Si Lady K nous fait entrer dans son univers psychédélique par la découpe de planches de skate, Petite Poissone nous entraîne de son côté à la recherche du temps perdu et pourtant si actuel, grâce à ses collages de « poèmes » sur des assiettes d’Art. Sêma Lao, quant à elle, met en valeur les émotions et les sentiments, dans ses créations figuratives représentant la joie, la tristesse ou l’inquiétude, sur des visages d’enfants et de femmes.

Enfin, dans le cadre du dispositif d’aides « Contre Vents et Marées » de la région Bretagne et du réseau a.c.b (Art Contemporain Bretagne) dont la galerie est membre, Stéphanie Kilgast présente ses œuvres à la poésie mélancolique, alertant sur les dangers du réchauffement climatique.

Pour la première fois à la galerie, 18 skates d’artistes proposés à la vente

Objet emblématique et indissociable de la rue, le skate fait son entrée à la galerie, avec la création de pièces exceptionnelles présentées lors de la grande exposition « Art et Sport, La Rencontre » en 2021, à Saint-Jean-de-Monts. Parmi les graffeurs qui ont travaillé à la réalisation de ces skates, on retrouve 13Bis, Numa Monsi, Kouka Ntadi, Lady K, EpS, Nicolas Delpech et Reso !

Autour de l’exposition : nos événements en galerie

Comme à chaque expo-vente, la galerie Le Comœdia vous propose d’assister à divers événements permettant d’approfondir vos connaissances et vos goûts artistiques :

• Retrouvez, tous les samedis matins, les « Week-ends de l’Art », visites commentées privées de la galerie, sur réservation ici.
• Une fois par mois, « L’Artiste vous guide » : un samedi matin en mai, juin et juillet, c’est un artiste exposé qui prend les commandes de la visite guidée, afin de donner un autre point de vue sur l’exposition. Réservations à venir.
• Le cycle de conférences du Comœdia continue le samedi 18 juin 2022 : sur réservation ici, rencontrez l’experte Violaine Pondard et les street-artistes de la galerie, pour une plongée au cœur des différents mouvements des arts urbains.

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre à 17h avec l’artiste pour découvrir l’exposition Le chemin se fait en marchant plus en détail.

Patrick Nadeau est designer et architecte. C’est dans les années 2000 qu’il entreprend une réflexion l’amenant à intégrer des plantes au cœur de ses projets de design d’objet ou d’espace. Pour lui, le développement souvent incontrôlable de l’urbanisation oblige à repenser le rapport de l’homme à la nature en imaginant de nouvelles frontières entre espaces construits et espaces dédiés au végétal.

La chapelle, cet espace construit au XIIème siècle, n’y déroge pas. Pour ce printemps, Patrick Nadeau, accompagné de Marie-Marie Dutour, s’empare du lieu et crée une mise en scène monumentale et végétale aux reflets lumineux dorés. 55 000 tiges suspendues, sous lesquelles l’humain ne peut que s’émerveiller, relèvent la beauté des graminées séchées, comme une ode au règne végétal.

Les fleurs présentes dans l’exposition ont été récoltées à l’été 2021 en Dordogne par Marcelline Smetek & Quentin Geffroy de la ferme florale Champ Tigré. Les structures accueillant les fleurs ont été réalisées par Germain Gaschet, designer. L’éclairage a été pensé par Christian Pinaud.

Une exposition du collectif et meutes (Julie Aybes & brigitte Mouchel)

et meutes est un collectif d’artistes à géométrie variable, qui se donne comme objectif d’aller à la rencontre de visages et de paysages, de questionner, d’expérimenter, en coopération, explorant des démarches et médias artistiques pluriels.

“Nous cherchons à donner à voir une image du monde qui ne soit pas rassurante, ni confortable, qui pousse à la vigilance, à l’attention pour ce qu’on entend, ce qu’on voit, ce qu’on perçoit. Nous tentons de montrer la complexité du monde contemporain, la manière fragmentée dont il nous arrive, là où l’histoire collective croise, traverse, se heurte aux histoires singulières, aux territoires parcourus en mémoire ou en rêve, à la recherche de lieux et de récits possibles. Nous cherchons à provoquer et mettre en éveil les sens, les perceptions, y compris l’intuition, et ce qui nous advient : l’imaginaire, les réminiscences, les songes.”

Le samedi 9 avril prochain, à 11 h, l’artiste Jean-Paul Thaéron prend les commandes de la visite commentée du Comœdia. 

Pour la première fois, votre galerie vous propose de partager, le temps d’une rencontre, la vision d’un artiste : Jean-Paul Thaéron, le célèbre plasticien brestois dont les œuvres parent la cité du Ponant. L’artiste revient, durant cette heure exceptionnelle, sur son parcours, en apportant un éclairage spécifique sur les œuvres qu’il présente durant Nouvelle Vague bretonne.

La visite se poursuit avec la présentation des œuvres des neuf autres artistes exposés. Les commentaires de Jean-Paul Thaéron apportent une nouvelle perception de l’art contemporain et des créations en Bretagne.

Un moment privilégié et une excellente manière de vivre la Nouvelle Vague Bretonne de l’intérieur, sous le regard d’un artiste. 

Françoise Pétrovitch est une artiste plasticienne née en France en 1964 à Chambéry. Elle travaille le dessin et la peinture, ainsi que la céramique et la vidéo.

Né en 1946, Philippe Piguet est historien, enseignant et critique d’art. Il collabore à la revue L’OEil depuis 1985, ainsi qu’au magazine Art Absolument depuis sa création en 2002, et il enseigne à l’ICART (Institut Supérieur des Carrières Artistiques) à Paris depuis 1986.

« Si le dessin est le vecteur cardinal de la démarche de création de Françoise Pétrovitch, l’artiste l’exerce à l’ordre de toutes sortes de médiums, de supports, de matériaux et de formes. Elle le met à l’épreuve de pratiques très diverses – peinture, scultpure, céramique, vidéo, etc. – avec une totale maîtrise en quête d’images inédites, tout à la fois étranges et familières. Aussi le monde qu’elle révèle ne manque jamais de nous interpeller parce qu’il nous renvoie à notre propre histoire, notre propre condition. »

Ph. P.

Un projet photographique et performatif de Josef Nadj.

L’exposition est  présentée du mercredi 6 au dimanche 17 avril 2022, de 14h à 19h.
La performance (durée : 20mn) est présentée samedi 9 et dimanche 10 avril aux horaires suivants : 14h, 15h30, 17h, 18h30.
Le nombre de places étant limité, réservation indispensable à partir du 2 mars.

Dans nos mémoires collectives, nous pouvons constater fréquemment que des êtres imaginaires et des êtres réels partagent le même répertoire des êtres vivants. Dans l’encyclopédie “ d’Histoire naturelle” de Pline l’Ancien, l’éléphant combat le dragon, le phénix vit cinq cent neuf ans. La conquête du Nouveau Monde aura rempli les cabinets de curiosités amplifiant cet emmêlement. Les technologies nouvelles ouvrent l’accès aux mondes de l’infiniment petit, de l’infiniment profond, de l’infiniment loin. Les terriens continuent de rêver, Freud décode la pensée par la voie du rêve et les chamanes messagers interprètent les rêves et organisent les jours à venir.

Comment nos connaissances peuvent-elles venir perturber la reconnaissance du monde. Notre certitude “d’avoir reconnu”, pourrait être à son tour remise à jour. C’est de ce perpétuel renouvellement de nos parcours collectifs que mes recherches reçoivent leurs substances, en espérant aussi, en devenir participante.

LA TANNERIE
Située à Bégard, dans les Côtes d’Armor, La Tannerie est un espace d’exposition dédié aux rencontres entre l’art contemporain, le design et les projets sur l’espace au sens large. Elle propose un regard transversal et singulier entre les pratiques, par une sélection d’expositions exigeantes, mais sans élitisme. Construite en 1927, elle a été réhabilitée et ouverte au public en 2012. Elle est aujourd’hui un repère dans le paysage culturel et artistique des Côtes d’Armor.Depuis 2012, la programmation des expositions est gérée par l’association ADER – Art Design Espace Roudour. Elle accompagne des artistes dans leurs parcours, des collectionneurs et amateurs dans leurs choix. Elle conseille aussi des collectivités ou des entreprises dans leurs projets culturels et artistiques.L’association reçoit un soutien de la ville de Bégard, de la Communauté d’Agglomération de Guingamp Paimpol, du Conseil général des Côtes d’Armor, de la région Bretagne et de la DRAC Bretagne.

Le paysage n’est pas seulement affaire de « vue », mais de vivre (F. Jullien). 

La proximité avec un fragment de végétal le fait exister, épiphanie qui ouvre à la grande respiration du vivant. Dans la translucidité de la matière, la peinture scrute le mouvant : 

la lumière fuse entre les interstices des tracés gestuels. Quand la forme devient flux, le dessin intuitif sollicite le visible et le déborde. Le temps est dans sa durée retranscrit, l’espace dans sa traversée révélé. 

Amoureux de langue bretonne, la galerie du Comœdia vous propose de découvrir son expo-vente Nouvelle Vague bretonne en… breton ! Le samedi 2 avril prochain, à 11 h, partez à la découverte des artistes du territoire, sélectionnés par votre galerie, lors d’une heure de visite commentée par l’artiste breton Steven Mazé. 

Attention, le nombre de places reste très limité.

De l’été 2021 au printemps 2022, l’artiste a arpenté les méandres du quartier Colombier en imaginant divers protocoles d’exploration au fur et à mesure de sa résidence.

A partir de prises de notes, de collectes d’objets et d’expériences sur le terrain, l’artiste réalise un inventaire sensible et intuitif d’un territoire et de son histoire. Au fil du temps, des passerelles se tissent entre les différents fragments, entre le passé et le présent, entre le dehors et le dedans.

Au PHAKT, Anthony Folliard transforme l’espace d’exposition en un lieu imaginaire de projections et d’aventures, à mi-chemin entre le campement, le laboratoire graphique et l’atelier de bricolage. Contre-point d’une résidence menée exclusivement dans l’espace public, l’exposition Camp de base est à la fois la restitution d’un processus de recherche et le point de départ de nouvelles expéditions à venir explorant la pluralité du paysage urbain.

Anita Conti, née en mai 1899 et morte en 1997 est une océanographe et photographe. En 1943, le gouvernement d’Alger lui commande une recherche sur les ressources de poissons du littoral ouest africain et les méthodes de pêche traditionnelles qui y sont pratiquées ; ainsi, pendant presque dix ans, Anita Conti se consacrera à étudier et à prospecter les côtes de Mauritanie, du Sénégal, de la Guinée et de la Côté d’Ivoire, expérience qu’elle relatera dans son livre paru en 1957, Géants des mers chaudes. En partenariat avec les Archives de la Ville de Lorient, Marie Béatrice le Berrigaud, directrice du Lieu de la Photographie, propose une exposition inédite retraçant le passage d’Anita Conti sur les côtes de la Guinée.

Une exposition en partenariat avec les Archives de la Ville de Lorient, le Festival pêcheurs du monde et la Médiathèque François Mitterand

Gabrielle Kourdadzé et Cléo Garcia Leroy, les deux artistes en résidence à Saint-Jacut-de-la-Mer présenteront les œuvres réalisées jusqu’à ce jour durant leurs résidences de 6 mois qui s’achèvera le 30 juin 2022. Le travail de la première se déploie autour de la technique du dessin réaliste à l’encre en multiples portraits, tandis que la deuxième œuvre à une peinture du corps où la figure s’éclipse. 

SUR RÉSERVATION

La galerie d’Art Le Comœdia vous donne rendez-vous le 26 Mars 2022, à 16H30, pour une conférence exceptionnelle sur le thème de l’Art contemporain en Bretagne : le compositeur et écrivain Jean-Yves Bosseur apportera un nouvel éclairage à l’expo-vente Nouvelle Vague Bretonne et déterminera les liens existant entre Art contemporain et Région Bretagne.

Inscrivez-vous dès à présent, les places sont limitées !

Saisissant le regard par des couleurs intenses ou d’étranges calligraphies, les dessins et sculptures de Léa Barbazanges mettent en valeur l’interdépendance entre le monde minéral, végétal et animal.

Lignes de faille, une exposition de travaux photographiques et vidéographiques de Manuela Marques. Des œuvres élaborées à partir de phénomènes naturels, géologiques telluriques, lumineux. Dans le cadre de la saison Fran-Portugal 2022 – Institut Français.

La fermeture hivernale de la galerie s’achève et
…..une nouvelle saison s’annonce.

Vous êtes conviés au vernissage de la première exposition de la saison, Faisons-le nous-mêmes, placée sous le signe du travail collectif.
Projet conçu fin 2020 avec Camille Girard et Paul Brunet, duo d’artistes de Quimper, il a démarré en septembre 2021 par une visite au FRAC Bretagne et a pris fin la semaine dernière! Les élèves de la classe de 5eD du collège Camille Guérin de Saint-Méen-le-Grand ont été heureux de donner forme à des réalisations en commun, venez les découvrir au contact des oeuvres de Camille et Paul.

Nous serons ravis de vous accueillir dès vendredi 18 mars à 18h .

L’association montfortaise Envie de vie en ville s’associe à l’événement pour soutenir ce temps fort et notre projet:
– Charlotte de Coctum sera présente dans la caravane EVV pour proposer du snacking “gourmand” et des boissons maison
– dj Kleiz nous accompagnera aux platines
Et le groupe rennais Super Crayon invité par Camille Girard et Paul Brunet  jouera à partir de 21h.
https://lepivertgerot.com/supercrayo

La promotion du master 2 Métiers et Arts de l’Exposition de l’université Rennes 2 a le plaisir de vous présenter l’exposition « Le mouton est dans le salon » dédiée à l’artiste Bertille Bak. Elle se tiendra du 11 mars au 15 avril 2022 à la Galerie Art & Essai, située sur le campus Villejean. Pensée en dialogue avec l’exposition « Dark-en-ciel » présentée à La Criée centre d’art contemporain du 22 janvier au 24 avril, l’exposition poursuit l’exploration du monde irréel et fantasmé de l’imaginaire enfantin, que le travail de Bertille Bak confronte à la réalité de l’exploitation capitaliste.

En évoquant la présence du Grand Méchant Loup, à la fois figure malveillante des fables et métaphore du pouvoir corrompu et cruel, l’exposition fait se côtoyer l’univers des chasseurs-débardeurs de la forêt alsacienne et celui des travailleuses marocaines dans les usines de décorticage de crevettes. Les œuvres de Bertille Bak qui y sont présentées oscillent entre le joyeux et le maléfique, l’heureux et le sordide, s’inspirant de la morale abrupte et souvent ambiguë des contes populaires. « La différence est que le Il était une fois se conjugue ici au présent et que les loups d’autrefois ont revêtu le costume trois pièces des oppresseurs modernes », explique l’artiste. En explorant les ressorts narratifs de la fable, l’exposition souligne ce que Bertille Bak conçoit comme un recours à l’artifice dissimulant une réalité tragique et contemporaine, un conte social déchu. Arpentant un espace sombre et menaçant, le·la visiteur·euse est emporté·e dans un parcours jouant sur l’indistinction entre prédateur et proie, homme et bête, humain et monstre. La figure du Grand Méchant Loup glisse alors vers celle d’un être hybride énigmatique et ambivalent, directement issu d’un rêve merveilleux et effrayant.

Biographie

Bertille Bak est une artiste plasticienne et vidéaste française, née à Arras en 1983. Diplômée en 2007 de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, où elle a été formée dans l’atelier de Christian Boltanski, Bertille Bak se perfectionne ensuite au Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains à Tourcoing jusqu’en 2008. Son travail explore les notions de communauté, d’exploitation et de résilience à l’heure de la globalisation, qu’elle interroge principalement par le biais de vidéos, mais aussi au moyen d’installations, d’objets, de dessins et d’archives. Lauréate du prestigieux prix Mario Merz en 2019, Bertille Bak réalise de nombreuses expositions personnelles et collectives en France et à l’international. Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques de grande ampleur (Centre National des Arts Plastiques, du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, de différents FRAC, du MAC VAL), et au sein de collections privées renommées (Collection Pinault, Fondations Neuflize et Louis Vuitton).

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition L’errance d’une myope.

Au printemps 2022, plusieurs expositions prennent place dans la ville de Landivisiau, mettant à l’honneur la création sculptée.

Du 5 mars au 1^er mai, l’Espace culturel Lucien-Prigent accueille les œuvres de deux artistes :

> Au rez-de-chaussée, Juan ARANAGA, lauréat du Salon de sculpture 2020, présente des sculptures en acier, en granit et en verre, aux côtés d’œuvres picturales.

> À l’étage, la plasticienne Meghan MAUCHERAT DE LONGPRÉ, originaire de Landivisiau, expose des volumes, dessins et installations créés pour le lieu.

Aux mêmes dates, trois autres expositions vous invitent à déambuler dans la ville, résultats d’un appel à projets reconduit pour la 7^e année consécutive :

> Dans le parc de Kréac’h Kélenn : sculptures métal – Anthony BOËFFARD.

> À la fontaine Saint-Thivisiau : installation aquatique – Léa B-H.

> Sur le parvis de l’Hôtel de Ville : sculpture – Thoma RYSE.

En parallèle, du 5 mars au 3 avril, place au 33^e Salon de sculpture contemporaine, dans le hall de l’Hôtel de Ville.

Organisé par la Ville de Landivisiau et l’Association Sculpteurs Bretagne, le Salon accueille cette année 36 sculpteurs et 98 œuvres. Ce rendez-vous permet aux publics de découvrir la pluralité des techniques et matériaux.

Que je ferme les yeux ou que je les ouvre en grand, que j’en cligne un pendant que l’autre reste fixe, que je mette mon corps par-dessus ou par-dessous la couette : je gagne toujours en épaisseur.
Quoi qu’il arrive je me stratifie, je me superpose, je me couche après couche l’une sur l’autre : quoi qu’il arrive je m’ajoute.

Dans la société du 7/7, la transparence est de mise : architectures de verre, open spaces, objets en veille…
Clémence Estève choisit de se tourner vers les espaces de l’intime, du repos, où l’on ne se soucie plus d’être vu ; les zones de retrait, de lâcher prise, de contemplation et d’oisiveté.
Et si s’abandonner à la lassitude pouvait ouvrir d’autres voies de résistance et faire naître de nouvelles formes de résilience ?

Cette exposition bénéficie du soutien de Documents d’Artistes Bretagne (DDAB) et des literies Valentin.

Inédit en Bretagne !

Le samedi 26 février, La Galerie D’Art Le Comœdia vous accueille de 16H30 à 18H00 pour une conférence exceptionnelle de l’artiste Yann Kersalé, qui reviendra sur ses 40 ans de pratique artistique et sur la genèse de ses projets à travers le monde, en regard des oeuvres que l’artiste international présente à la vente pour la première fois en Bretagne. Une manière privilégiée de tout comprendre du travail de celui qu’on surnomme le “Sculpteur de lumière”. 

Réservation obligatoire : attention, le nombre de places est limité !

L’exposition « L’invention d’une histoire vraie (2) » poursuit les pérégrinations de Nelly Monnier (1988, France) et d’Eric Tabuchi (1959, France) dans les campagnes françaises. Dans la continuité de leur récente exposition au centre d’art GwinZegal à Guingamp, le duo d’artistes présente une partie de leur Atlas des Régions Naturelles (ARN) et une série d’œuvres sculpturales et picturales qui en découlent.

Tout commence avec une idée à la fois insensée et chronophage : photographier et documenter l’architecture vernaculaire dans l’intégralité des régions naturelles de France – une notion assez floue – depuis la Flandre française à l’Outre Forêt alsacienne, du Freto corse au Béarn et jusqu’au Léon finistérien. La tâche s’avère colossale, à mi-chemin entre une quête sortie d’une fiction d’Heroic Fantasy et une aventure saugrenue et drôle à la Monty Python. De leurs voyages, Monnier et Tabuchi ramènent des clichés très divers, s’attachant, en premier lieu à documenter le bâti, mais par extension à décortiquer les paysages et à comprendre l’incidence des humains sur leur habitat. Le duo photographie des paysages étonnants, des architectures étranges, des situations loufoques, des endroits de joie, ou encore des lieux tombés en désuétude. C’est un portrait multi-facettes de la France, tantôt touchant, parfois absurde, jamais jugeant, qu’ils réalisent durant leurs périples. Dans leur atelier, iels trient leurs photographies par géographie ou par thème. La démarche n’est pas sans rappeler celle de Bernd et Hilla Becher, un couple de photographes allemands connus pour leurs clichés frontaux d’architecture industrielle, ou celle de « La France » de Raymond Depardon qui documentait la France qui se modernisait, ou encore le travail de Walker Evans qui s’est distingué en portraiturant les Etats-Unis de la Grande Dépression de 1929 à la Seconde Guerre mondiale.

Les camarades du centre d’art GwinZegal écrivaient très justement qu’à « l’ivresse de la vitesse de notre époque, Nelly Monnier et Eric Tabuchi opposent l’éloge de la lenteur et des petites routes. C’est dans une petite automobile, à vitesse réduite, qu’ils sillonnent discrètement le paysage, ponctuant cet atlas imaginaire d’innombrables arrêts. »

À travers les œuvres de Monnier et Tabuchi, il n’y a pas de violence apparente mais elle se devine parfois sous-jacente. L’histoire récente de l’exode rural et des délocalisations se dessinent tout autant que des récits propres à chaque région. Les territoires français se révèlent dans toute leur pluralité architecturale : l’ardoise est marqueur des toits bretons tandis que les tuyés – de grand fumoirs – s’imposent dans le paysage du Haut-Doubs par exemple. L’exposition de Passerelle fait écho à son territoire, compilant essentiellement des images du Léon et du Trégor, rassemblant représentations de menhirs, de maraîchage, ou encore d’amers, parfois « augmentés » d’inscriptions depuis le désormais traditionnel « ACAB » au local « BZH Libre ». Une série de peintures et de collages introduit une certaine étrangeté au corpus plus documentaire des photographies, en tentant de tirer l’essence et l’âme des paysages visités par le duo. Ces peintures sont, d’une certaine manière, symboliques de la démarche qui est leur : in fine, le duo s’est lancé non pas dans un état des lieux de l’architecture hexagonale mais dans une épopée, dans une quête vaine et poétique d’un Graal immatériel – une histoire fictive de nos régions.

L’exposition « The Smoken Ridge » est l’occasion de revenir sur l’œuvre graphique d’Alan Fertil (1982, Quimper – 2015, Bruxelles). Diplômé de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il a passé ses années de jeunesse et d’études entre la Bretagne, les Etats-Unis et l’Angleterre. À l’issue de son cursus, il s’installe à Berlin puis à Bruxelles en 2009 où il co-fonde le collectif « The Ister », une association, mêlant des artistes, des commissaires d’exposition et des travailleur.euse.s de l’art, qui a pour objectif de promouvoir la jeune création. Alan Fertil est alors connu pour son œuvre à quatre mains avec Damien Teixidor, s’intéressant au mobilier urbain, à la culture du skateboard et du bricolage. Le duo expose en France au MAMO – Centre d’art de la Cité Radieuse à Marseille, au centre d’art 40mcube à Rennes ou encore à Bruxelles à la MAAC, Maison d’Art Actuel des Chartreux. Alan Fertil développe, en parallèle, une pratique du dessin, jamais réellement exposée et largement inédite. Cette partie de son œuvre a fait l’objet d’une monographie intitulée « Alan Fertil, Drawings, Sketches and Notes », parue récemment aux éditions Zéro2 avec le soutien de la fondation Antoine de Galbert, de 40mcube et de Passerelle.

Les allers-retours d’Alan Fertil entre pays anglophones et francophones, son goût pour la littérature, imprègnent ses œuvres dans lesquelles il intégrait de nombreux textes et mots, entre poésies, slogans ou réflexions. Tour à tour méthodiques et brouillons, ses travaux montrent la construction de l’espace qui nous entoure mais aussi un chaos en évolution. Ses dessins sont marqués par un usage du fusain et du graphite qui y confèrent une profondeur noire et obscure. On assiste à l’élaboration d’une cosmogonie inédite, la création d’un univers conçu dans l’esprit de l’artiste. La dernière série d’Alan Fertil s’intitule « Ether Triumph », évoquant tout autant la divinité primordiale grecque que le terme éther issu de la physique pré-Einstein (avant 1905). La définition de l’éther semble s’accorder avec les sentiments et les ambiances des dessins de l’artiste. En astronomie, il s’agissait du fluide subtil supposé remplir l’espace au-delà de l’atmosphère terrestre, tandis qu’en physique, l’éther était un milieu hypothétique extrêmement ténu et élastique, universellement répandu dans le vide comme dans la matière. Au sujet de cette série, Bitsy Knox écrit que « la matière vibre avec enthousiasme, circule et se contient à des échelles à la fois céleste et moléculaire. De grandes théories s’y déploient librement ; c’est la science sous l’emprise de l’intuition ».

Le titre de l’exposition « The Smoken Ridge » [La crête enfumée] est emprunté à une œuvre de l’artiste. Elle évoque ses considérations inspirées de la science tout autant qu’un intérêt pour l’organique et le paysage. Si bon nombre de ses œuvres démontrent une abstraction totale puisqu’elles s’inspirent de l’espace et de l’astronomie, certaines se signalent par un ancrage plus prosaïque, plus dans « le réel », empruntant le vocabulaire de la botanique et de l’anatomie. Ainsi, des langues côtoient des mains inspirées de feuilles et des constructions rappellent le fameux Atomium de Bruxelles.

Dans une note programmatique, Alan Fertil écrivait « Toutes les formes sont de valeurs égales, aucune ne mérite une attention particulière car aucune n’est indépendante des autres ».

Durant près de 3 mois, Caroline Thiery (1997, France) a pris part au programme « Les chantiers-résidence » porté par Document d’Artistes Bretagne et Passerelle dans les murs du centre d’art. Il en résulte l’exposition « Whatever remains from the ghosts » [Tout ce qui reste des fantômes] qui inclut les œuvres réalisées sur place pendant le temps de la résidence.

Les fantômes de Caroline Thiery nous sont connus et communs. Ils fabriquent le passé : sentiments vagues, souvenirs de conversations, chansons matraquées qui résonnent encore et encore dans les têtes, sourires fugaces dans les transports en commun et bien d’autres restes du quotidien. Partageant généreusement ses expériences, Caroline Thiery dresse une carte de nos rapports sociaux tant amoureux qu’amicaux, familiaux ou encore culturels. Elle traite en particulier notre recherche d’affection et d’amour, mis en tension par le désir ambivalent d’indépendance. Elle scrute les nouvelles méthodes de rencontres comme les applications de dating qui ont bouleversé la manière de « consommer » les relations. L’usage du numérique et d’internet, qui aboli toutes notions d’attente et de distance, a transformé les comportements de drague pour le meilleur et pour le pire : envoi de dick pics – des photographies de pénis – à des inconnu.e.s, usage de « disquettes » – des petites phrases censées être romantiques qui s’avèrent souvent lourdes voire grossières et autres nouveautés. Grâce au numérique, la recherche de relations amoureuses et de partenaires sexuel.le.s n’a jamais été aussi facilité pour la ou le candidat.e à la passion, caché.e derrière son écran de téléphone, planqué.e sous la couette, ou scrollant – faire défiler un contenu sur un écran informatique – assis dans les toilettes. Le titre de l’exposition évoque également le ghosting, une pratique, très répandue depuis l’avènement des sites de rencontre, consistant à mettre fin à une relation sans prévenir, en interrompant toute forme de communication.

Au-delà des questions de cœur, Caroline Thiery s’interroge sur notre rapport à l’enfance et à l’adolescence, confectionnant divers talismans et objets totémiques qui forgent un potentiel passé, tels les « plaids fantômes » à motifs de chien, cigogne ou encore de paysage tropical, ornés de textes. Là où le monde adulte juge d’un mauvais œil certaines pratiques adolescentes telles les fanfictions – des récits dérivés de sagas littéraires, de films, de jeux ou de séries – ou l’attrait pour une musique pop considérée parfois comme kitch, Caroline Thiery décide de s’en emparer et de les ériger en symboles. Ainsi, elle réalise une sculpture en l’honneur de la chanteuse Priscilla qui a connu la célébrité dès ses 12 ans. Mettre en avant cette popstar française revient à réhabiliter cette culture dévalorisée d’un âge de transition que nous avons toutes et tous vécu et qui nous a façonné.

Le texte tient une place essentielle dans l’exposition à la fois par des narrations rédigées par l’artiste, disponibles à la lecture dans les salles, mais aussi par la multiplication de phrases et de mots au sein même des œuvres. La culture du « mème internet » – un élément ou un phénomène repris et décliné en masse sur internet, souvent une image annotée – est une vaste source d’inspiration. Les mèmes, ce sont des punchlines, des slogans très contextuels qui nécessitent parfois des codes de compréhension pointus. Chez Caroline Thiery, ils prennent des formes originales, ils sont drôles, intimes, souvent universels. Les anecdotes et les récits, visuels ou écrits, que l’artiste déploie, s’entrecroisent sans réponses ; c’est au visiteur de créer sa propre histoire.

Le Murmure des Dieux
Els Viaene | Julien Grossmann

Exposition présentée aux Ateliers du Vent
52 rue Alexandre Duval
du 18 février au 12 mars 2022
Vernissage le 17 février à 18h30

Exposition ouverte du mercredi au samedi de 14h00 à 18h00

L’exposition « Le Murmure des Dieux » emprunte son titre au roman de Michel Bernanos (1923-1964) pour proposer une sélection d’œuvres des artistes Els Viaene et Julien Grossmann en utilisant celui-ci comme toile de fond. L’exposition tisse entre la fiction du romancier et les œuvres des deux artistes un réseau de relations notamment lié à un imaginaire de la forêt amazonienne, de l’Eldorado, aux vestiges de civilisations précolombiennes et l’exploitation par les occidentaux des ressources naturelles dans les empires coloniaux.

Commissariat : Le Bon Accueil – Reverb
Production : Le Bon Accueil – Reverb
Partenaire : Les Ateliers du Vent

Décapsuler l’art : Ouvrons l’œil !

– Les rencontres apéritives en Histoire de l’art –

SÉANCE 3 –  Espèces d’espaces.

De l’invention de la perspective à la Renaissance jusqu’au Land art, en passant par De Stijl et le Constructivisme, rapide exploration de surfaces et de lieux habités par la création artistique.

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Les rencontres apéritives en Histoire de l’art.

Amis gourmands et amateurs d’art, venez échanger, rencontrer, apprendre autour d’un moment convivial ! Présentées par un enseignant-conférencier professionnel sur la base d’un menu thématique, ces rencontres vous invitent à savourer l’art et la manière d’aborder les oeuvres.

Chaque séance aborde un thème précis par le biais d’un retour historique sur des artistes et mouvements incontournables de l’art contemporain.

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1 jeudi par mois, de 19H00 à 21H00.

L’artothèque-galerie vous invite à une rencontre avec l’artiste à 17h pour découvrir l’exposition “L’errance d’une myope” plus en détail.

Le changement de nos rapports avec l’environnement passe très certainement par un réenchantement, un émerveillement face au vivant.
Lors de ses observations de la nature, Daniela Lorini s’est intéressée aux algues, ces organismes qui composent Une forêt sous la mer. Ce matériau naturel offre une multitude de formes, de textures et de couleurs, avec lequel joue l’artiste pour présenter son exploration subjective. Entre expérimentation autour de la techniquedu cyanotype et découverte d’un monde sous-marin, l’exposition propose un dialogue entre science et art.

À travers ses recherches, Daniela Lorini explore l’environnement et plus particulièrement la manière dont les organismes vivants cohabitent dans un même territoire. C’est en cherchant dans les détails de la nature qu’elle s’intéresse aux algues et à ce qui les compose. Offrant une multitude de formes, textures et couleurs, ce matériau naturel constitue aussi un écosystème riche et mystérieux.

Grâce à un processus à la fois créatif et scientifique, l’artiste invite à découvrir sa propre interprétation du monde sous-marin. Alliant expérimentation et poésie, Une forêt sous la mer propose une déambulation entre imaginaire et réalité magique.

Le développement et l’enrichissement d’une collection d’art contemporain constitue l’une des missions fondamentales d’une artothèque. Ils permettent de développer sa mission originale de transmission et de diffusion des œuvres auprès du public.

Aussi, chaque année un travail collégial a lieu à l’artothèque à l’occasion d’une commission d’acquisition. Ce temps essentiel et précieux réunit des professionnels de l’art contemporain qui étudient les propositions d’acquisitions et échangent autour de projets artistiques précédemment sélectionnés.

La collection présente les principaux courants de l’art contemporain et de la création émergente. Certaines œuvres viennent consolider le fonds acquis ces quarante dernières années, d’autres ouvrent de nouveaux axes de développement. Parmi ces axes d’ouverture, le dessin contemporain occupe une place particulière.

Organisée dans le cadre du Printemps du dessin, cette exposition invite à découvrir un ensemble de dessins de jeunes artistes. 

Societas humana, donne à voir la société dans laquelle nous vivons, ses mécanismes, ses codes, son devenir. Que ce soit par les thèmes du travail, des loisirs, ou de l’écologie. Cette exposition est conçue pour réinterroger les interactions humaines et ce qui les régies. 

THÉÂTRE DE PAPIER #1
Lecture à trois voix
Stéphane Le Mercier

24 pages, agrafées, impression offset couleur, 28 x 27 cm.
ISBN 978-2-914291-97-2
5 € (publié avec le soutien de la Drac Paca).

« Des photocopies réalisées au Centre International de Poésie Marseille, à l’École Supérieure d’Art et Design Saint-Étienne, au Cabinet du livre d’artiste à Rennes, aux archives Sohm à Stuttgart… Des photocopies fournies par des tiers ; envois postaux, enveloppes en Kraft.

Des photocopies à peine consultées, parfois annotées, agrandies, recadrées. Des photocopies entassées dans des boîtes en carton, classées dans des pochettes en plastique.

Des photocopies aujourd’hui délaissées, loin de leur nécessité d’origine – un travail de thèse consacré au colportage.

Théâtre de papier : la possibilité d’un espace narratif, d’un texte à trois voix.

Livret d’opéra + terrain des opérations = livret des opérations.

PS : En 2022, Théâtre de papier est une collection de livres, d’ephemera, d’affiches déplaçant l’espace de mon atelier/bibliothèque vers d’autres espaces de consultation privés et publics. »

Bertille Bak a pour habitude d’aller à la rencontre d’une communauté ou d’une collectivité, elle en observe les rites, les gestes et les objets. Elle imagine avec et pour elles une narration, entre documentaire et fiction.

Pour son projet Mineur Mineur, qui s’intéresse au travail des enfants, elle expérimente de nouvelles collaborations à distance avec des complices en Inde, en Bolivie, en Indonésie, en Thaïlande et à Madagascar.

Le master Métiers et Arts de l’exposition de l’université Rennes II présente une exposition de Bertille Bak du 11 mars au 22 avril 2022 à la Galerie Art & Essais.

L’exposition Animalia ou la vie fantasmée des animaux regroupe des œuvres dans lesquelles la figure animale est présente, où elle joue même un rôle majeur, intégrée comme une actrice à part entière. Focalisées sur des animaux proches de nous, avec lesquels nous sommes en relation quotidiennement, animaux domestiques, d’élevage, ou ceux traditionnellement chassés, mais aussi ceux qui, pendant notre enfance, se cachent sous notre lit, dans la cabane au fond du jardin, dans les méandres du lac voisin, dans un pays lointain, et qui peuplent nos imaginaires.

Avec des esthétiques et des modes narratifs différents, les œuvres rassemblées permettent de passer en revue un certain nombre de relations fantasmées que nous entretenons avec les animaux, qui suscitent chez nous une empathie, voire créent un phénomène d’identification forte, qui peuvent provoquer une fascination, parfois poussée jusqu’à la vénération, mais aussi une inquiétude ou une incompréhension. Ainsi l’animal devient symbole, nourrit nos peurs les plus profondes, explique ce qui échappe à notre entendement, se transforme en l’objet d’une quête existentielle.

Prenant la forme de représentations réalistes ou stylisées, filmées, sculptées, peintes, ou composées par ordinateur, un crescendo se produit dans l’exposition avec un passage progressif entre réalisme et irréel assumé. Quand la sculpture et la performance de Clédat & Petitpierre introduisent une poche d’humour et de jeu dans le concret de l’exposition, le style documentaire de Marie Voignier ou de Nicolas Milhé sème le doute. Le réalisme de Bertille Bak, de Darielle Tillon ou de Jean-Marie Perdrix vrille assurément vers le surnaturel, tandis que Maël Nozahic nous emmène dans des scènes oniriques, jusqu’à ce que Bertrand Dezoteux ou Luiz Roque anticipent un futur où les animaux, dans un retournement de situation discret, prennent clairement la place des êtres humains – et le pouvoir sur eux.

Ainsi, l’exposition Animalia ou la vie fantasmée des animaux n’est rien d’autre qu’un point de vue sur le monde dans sa dimension historique, politique, religieuse, et sociétale, dont l’animal est évidemment partie prenante.

Anne Langlois

[2,3] – pour 2 et 3D –  est le titre du livre de l’artiste Tauba Auerbach entré dans la collection en 2021 et que le Frac Bretagne déploie pour la première fois à Rennes, du 21 janvier au 15 mai 2022.

Cette œuvre, créée en 2011, se présente comme un livre pop-up : l’artiste a créé 6 formes géométriques et colorées qui émergent de ses pages comme des sculptures de papier. Elle propose ainsi d’envisager la sculpture, bien souvent synonyme de stabilité et de rigidité, dans la fragilité du papier et dans l’intimité de la lecture d’un livre. Il en ressort une expérience, à la fois, surprenante, spectaculaire, magique mais aussi simple et délicate.

Ce développement des formes dans l’espace constitue une étape importante dans l’évolution du travail de l’artiste à l’aube des années 2010. Jusqu’alors cantonnées aux effets d’optiques sur la planéité de la toile (jeux d’ombres répliquant le volume), ses œuvres s’ouvrent à la troisième dimension et explorent de manière plus aboutie cet intérêt marqué pour la perception et l’animation de la surface.

Artiste habité par une histoire ensevelie des formes, de matériaux et de pratiques rituelles, Thomas Teurlai investit des espaces aux quatre coins du monde, du white cube aux espaces industriels déclassés. Exhumant des récits, bouturant sons, sculptures et sciences humaines, l’artiste redonne vie et mouvement à des objets et des histoires délaissées. De cette rencontre entre les mondes de l’alchimie, du bricolage et du sacré émergent des installations hybrides qui sollicitent nos zones érogènes. Le visiteur se retrouve impliqué, corps et âme, dans ces espaces d’une poésie décalée, où le temps semble se dilater.

Pour son exposition au Frac Bretagne, Thomas Teurlai s’intéresse à la subsidence, phénomène géologique décrivant l’enfoncement des mégapoles dû au pompage des eaux souterraines et au bétonnage intensif. Cet affaissement global sert d’amorce à une errance filmique en vue subjective.
Rêverie cyberpunk où un musée fantôme erre les pieds dans l’eau, périclitant sous les assauts répétés de spores et autres virus antédiluviens. Une déambulation à rebours du temps, tissant entre eux des espaces à priori éloignés.
S’y croiseront les momies de street artists gisant sur les rives poussiéreuse d’une histoire mort-née.
Un astrolabe de granit radioactif composant la bande son, comme un Thérémine monolithique inversé.
Et un texte en rouet-épiléptique, filant la voie off pour sortir du tunnel.
De l’autre côté du trou de ver teinté.

Le Frac Bretagne présente la première exposition de l’artiste américain Jibade-Khalil Huffman en France.

Né à Détroit en 1981, Jibade-Khalil Huffman est un artiste et écrivain qui utilise archives et documents éphémères contemporains pour aborder le glissement de la mémoire et du langage, notamment à propos de notions de race et de visibilité. Travaillant souvent in situ, son travail prend la forme d’installations, de vidéos, de projections, de caissons lumineux photographiques et de collages photographiques imprimés sur des transparents et des papiers superposés. Mettant en avant la matérialité des médias numériques et leur dégradation au fil du temps, l’approche d’Huffman dissout le sens explicite afin de le reconstituer sous forme d’objets en perpétuelle évolution. Par la projection et la répétition, son travail évoque l’intraduisible, ruminant les qualités liminaires d’expériences singulières à travers l’aplatissement des hiérarchies symboliques et sémiotiques.Son travail se situe en grande partie aux croisements de l’écriture, de la poésie, des médias et du discours commun, souvent en coupant, échantillonnant et déplaçant des morceaux de vidéo et des extraits de texte dans de nouveaux formats. L’idée de l’effacement – de certaines voix, de certaines personnes et de certaines idées – comme sujet et comme technique est au cœur de sa pratique, dans la construction et le retrait de couches de matériaux dans ses vidéos et ses collages bidimensionnels.

L’artiste Manon de Boer et la chorégraphe Latifa Laâbissi se sont rencontrées en 2015 lors d’un workshop autour du travail d’Oscar Schlemmer et de la fluidité entre les différents médiums et langages artistiques. En effet, la pluridisciplinarité est essentielle dans chacune de leur pratique. Elles ont donc décidé d’approfondir leur collaboration dans une temporalité dilatée et distendue, à travers des contextes de travail diversifiés tels que des conversations itinérantes, le souvenir de lectures partagées, le jardinage, la correspondance et le collage.

Leur dialogue s’éloigne de l’urgence d’un résultat, d’une régularité rigide ou de toute anticipation prévisible. Manon de Boer et Latifa Laâbissi ont toutes deux un cheminement et des méthodes de travail affirmés et voient dans leur collaboration une occasion de défier leurs processus, de se laisser altérer par l’autre pour élaborer différemment. C’est dans cette perspective qu’au fil du temps elles construisent un corpus d’images commun, une carte mentale qu’elles activent et explorent en se questionnant sur leur propre discipline et par le tâtonnement d’un terrain à priori inconnu.

Le projet Ghost Party propulse la voix au premier plan, questionne son timbre, son langage, ses affects, ses accents.

Le projet comporte 2 volets : l’un chorégraphique Ghost Party (1) et l’autre vidéo Ghost Party (2).

De la figure animale, l’histoire de l’art, qu’elle soit ancienne, moderne ou contemporaine, est riche de toutes sortes d’images. S’agissant de création contemporaine, on relève qu’elle est de plus en plus récurrente, appréhendée soit pour elle-même, soit dans une relation à l’humain, soit sur un mode plus symbolique. Sans se priver parfois d’une certaine dose d’humour tant l’animal et l’humain partagent toutes sortes de points communs. La sélection retenue vise à mettre en exergue la richesse tout à la fois plastique, matérielle et sensible de ce thème séculaire. Entre fable, métamorphose et caricature, un drôle de bestiaire !

Philippe Piguet,

commissaire de l’exposition

De gigantesques peintures longilignes et colorées flottant dans l’espace, tombent à hauteur des visiteurs. Tels des étendards servant d’emblèmes à quatre portraits d’acteurs de la transition écologique, les peintures sont des arrêts sur image d’un documentaire de l’artiste.

Longtemps, j’ai repoussé l’émergence d’une œuvre se saisissant du paysage, plus particulièrement de la forêt […]

Depuis quelques années, j’interroge les empreintes de ces instants vécus, à la lisière d’un chemin vers la sombre forêt où tout a commencé.

Les œuvres présentées sont le laboratoire d’où émanent les modalités de représentations de ces perceptions singulières et anecdotiques, elles proposent ces visions fragmentaires et les myopies d’un terrain.

L’exposition Empreinte du reste, volume du manque rassemble une cinquantaine d’oeuvres de Paul Pouvreau, datant de la fin des années 1990 à aujourd’hui, proposant à la fois un cheminement parmi les images et dans les images elles-mêmes. Grâce à ce large éventail de sa production, on perçoit de quelle manière l’artiste rejoue avec ses photographies certains genres majeurs de l’histoire de la peinture (la nature morte, le paysage) ou principes esthétiques de mouvements artistiques du XXe siècle (le pop art, l’art conceptuel). Il en donne des versions pour ainsi dire bricolées, sans être dans l’imitation ni la parodie. Que ce soit dans ses dessins — où il retravaille des pages de journaux et des dépliants publicitaires par remplissage — ou dans sa nouvelle série photographique où il transforme par des jeux d’échelle et de lumière des sacs plastiques en d’éloquents masques de tragédie grecque, c’est toujours le même plaisir de faire qui l’anime. C’est ce plaisir de la fabrication qui lui permet de donner corps à des pensées et des formes, aussi fragiles soient-elles en apparence.

Biographie :

Paul Pouvreau est né en 1956 à Aulnay-sous-Bois. Il vit à Argenton-sur-Creuse et est professeur à l’École Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP) à Arles. Son travail artistique a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger : Centre Pompidou, Les Rencontres de la photographie d’Arles, MAC VAL, CRAC de Sète, Frac Basse-Normandie, Caen, Frac Corse, Galerie Les Filles du Calvaire, Paris et Bruxelles, etc. Parmi ses dernières expositions personnelles, on peut citer citer Le Magazine des jours au Centre photographique d’Île-de-France (2019) ou encore Des choses à part à l’Artothèque de Vitré (2017). Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections privées et publiques : Centre national des arts plastiques (Cnap), FRAC Alsace, FRAC Corse, FRAC Franche-Comté, FRAC Limousin, FRAC PACA, Artothèque de Caen, Artothèque de Vitré, Musée de Valence, etc.

Pour cette première exposition de l’année, nous avons invité Design Social Club a présenter une installation, une pièce simple et radicale qui vient prendre place chez nous, à la Gare et trace une ligne et horizon résilient pour 2022.

Dépourvu de végétation, hostile à la moindre forme de vie, exposé en permanence à un soleil de plomb et balayé par des vents desséchants, le désert est un environnement extrême. Lieu mystique de la fuite, le désert ne stimule pas l’imagination, mais en ce lieu où il n’y a rien, c’est la pensée qui est mise à rude épreuve. Une expérience qui révèle à celui qui en revient un lien subtil entre un désert physique et psychologique.

Désert de sable où vie désertique il peut être très loin ou bien très proche. Dans un quotidien privé de sens, orchestré par une mécanique qui rejette le libre arbitre pour imposer des croyances orientées par les peurs, les repères s’effacent et les sensations s’évincent, il perturbe le chemin et dissipe le but.
Bousculé par les mirages, le sens de la vie se dissout pour devenir à son tour désertique etabsurde.
L’oasis, illusion ou réalité, semble se dessiner soudainement dans ce paysage chaotique.
Une mécanique naturelle qui rassure et offre un climat fertile pour se retrouver.
Un refuge dont la structure particulière surprend et rassure. Une mécanique bien orchestrée qui offre abondance dans un milieu où rien ne prend vie.
Obtenu par une symbiose de trois strates végétales, la plus élevée, celle du palmier dattier, s’ouvre comme un parasol dans ce milieu où l’ensoleillement est terrible.
À l’ombre de cette canopée poussent les arbres fruitiers qui en plus d’offrir de généreux fruits assure la protection de la dernière strate, occupée quant à elle par un jardin varié où poussent céréales et légumes.
Ce jouant de ces associations, la série Oasis suggère une réflexion sur une existence parfois désertique où se confondent mirages et réalités.
Une poésie par l’objet qui prend la forme systémique d’une oasis et mime les différentes strates qui le composent. Table, luminaire et tapis entrent dans la salle à manger comme un mirage qui émerveille par des couleurs et des matières au contour flou. Un cadre propice aux moments de partage qui comme la source d’eau reste l’élément essentiel à la naissance de cet Oasis.

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RENCONTRE DIALOGUÉE AVEC L’ARTISTE DE DESIGN SOCIAL CLUB

le 15 janvier 2022 à 15h

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VISITE CONTÉE LE SAMEDI 5 FÉVRIER À 15H ET À 17H

Une création littéraire de Sophie d’Orgeval, compagnie La Rigole.

Sophie d’Orgeval vous propose 3 contes autour de l’oeuvre de Design Social Club. Tous les sens sont ici convoqués pour s’immerger dans l’univers de l’oasis, espace de vie au milieu du désert, espace de repli

pour le voyageur, fenêtre ouverte sur l’imaginaire du paradis perdu, du mirage et du rêve. Petits et grands peuvent goûter aux mots et aux histoires tout en s’imprégnant du lieu et de l’esthétique du Designer.

Durée 30 mn/ sur réservation : 07 82 80 27 71 

Tarif : 3,00 € ou 5,00 € (adultes)

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PENDANT LES VACANCES SCOLAIRES

Atelier de création « BUR’OASIS » à partir de 6 ans

animé par Charlie Cann, Designer

Dans le cadre de cet atelier, les participants seront invités un créer un espace de réflexion, de médiation et de rangement pour leur bureau. Ils pourront même voir apparaitre  dans le création un coucher de soleil!

les 7, 8 et 9 février 2022

14h — 17h

tarif: 80 euros

JEUNES PUBLICS

POUR LES GROUPES (scolaires et hors temps scolaires)

Accueil en visite – atelier de création,

1h15 avec Charlie Cann, Designer

du lundi au jeudi

sur rdv.

Wang Bing à la trace présente 5 oeuvres vidéo et une série photographique qui témoignent, tantôt dans une veine historique, tantôt dans une veine anthropologique, des conditions de vie et de travail de tout une frange délaissée de la population chinoise d’hier comme d’aujourd’hui.

Une bibliothèque de vases frappés de texte. Une pluie de lettres en porcelaine tombant du ciel. Une table basse accueillant des céramiques colorés. Des tissus brodés ou teintés sous verre. Des livres grand format. Catherine Fontaine explore toutes les techniques qui la relient à la matière et à la nature; entrez dans l’univers feutré de l’artiste plasticienne lorientaise.

Autour de l’exposition :

• Samedi 29 janvier à 15h : visite commentée par l’artiste, en dialogue avec l’écrivaine Marie-Hélène Lafon qui fera lecture de quelques textes en lien avec les thématiques de l’exposition.
• Mardi 15 février à 12h30 : visite commentée par l’artiste
• Samedi 12 mars à 15h : visite commentée par l’artiste enrichie d’une interprétation en langue des signes (LSF)
• Jeudi 17 mars à 19h30 : concert proposé par le groupe Nachtigall du Conservatoire de Lorient. Un programme où dialogueront chant de travail sud-africain, élégie géorgienne, poésie en arabe classique du 12ème siècle, canon à boire italien baroque, rock des années 90, blues du début 20e et gospel traditionnel.
• Samedi 26 mars à 15h : la musicienne et calligraphe Catherine Denis proposera une lecture des textes présents dans l’exposition “Neige de mots‘ et d’un texte de Virginia Woolf extrait du livre “Les vagues” en lien avec des créations musicales conçues pour ces textes par le guitariste Dimitri Masseboeuf.

À l’origine du travail de Fabienne Houzé-Ricard, se trouve un double écheveau. Celui des brindilles entremêlées en des cercles aux diamètres de plus en plus restreints et qui finissent par former un nid – d’où l’on vient.

Celui de la mémoire, aussi, qui, plus le temps passe, accumule les souvenirs en strates successives – si bien sûr l’on s’en tient à la stricte chronologie. Mais la mémoire nous joue des tours, et, pareille à l’oiseau avec ses brindilles lorsqu’il construit son nid, entremêlent les choses, les époques, les images, les événements qui forment une vie.

Elle a entamé, il y a 15 ans, une série de peintures d’oiseaux dont on ne voit ni les yeux, ni le visage. Bien que de grandes dimensions, cette série a quelque chose du travail de l’entomologiste, ou des portraitistes du 19^ème qui fixaient sur la toile hommes et femmes du monde et leur offraient ainsi l’immortalité.

Métaphore du processus mémoriel, ces toiles expriment la lente élaboration de la personnalité et de l’identité qui varient d’un individu à l’autre, comme les formes et structures des multiples nids que l’artiste nous propose, suspendus dans ce vide qui est aussi le nôtre.

Fabienne Houzé-Ricard pratique la peinture, le dessin sur papier ou sur toile, l’estampage, la couture, l’installation… ses projets se nourrissent l’un l’autre depuis de nombreuses années, toujours reliés entre eux par les thèmes du nid et de l’oiseau.

Elle vit et travaille en Bretagne.

Elle a exposé au Salon DDessin à Paris, à la galerie Méandres au Huelgoat, à l’espace d’art contemporain Le Village, à Bazouges-La-Pérouse et participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives en France.

Thierry Clech

Anaïs Touchot imagine une entreprise fictive comme différentes salles successives, salles d’attente. Comme dans une salle d’attente traditionnelle, vous trouverez à chaque étape : des magazines, des tableaux, des punchlines, des affiches de motivation, un panneau pédagogique, un design laid, des meubles de collectivité, des bandes sonores, fabriqués, pimpés par elle-même.
Comme on dit « deux salles deux ambiances », chaque salle aura un thème et un karma qui apportera sa pierre à la thérapie. Anaïs a pensé cette exposition à la manière de l’installation Coral Reef de Mike Nelson, dans le style de Francesco Finizio, alliant une approche pleine d’humour et d’auto-ironie qui initie des relations avec les objets et les produits de consommation. En les utilisant de manière non prescrite comme Shana Moulton avec un humour ironique, une sensibilité low-tech et pop. L’exposition se présente dans une esthétique plus précaire et se fond au monde du bien-être.
Avec des punchlines à la fois magico-politiques ou thérapeutiques, issues d’une surexploitation des codes de l’Art de la Communication; sans oublier le public, directement concerné, le visiteur doit traverser différents espaces, afin de procéder à chaque étape du désenchantement, tragique et comique.

L’inauguration de l’exposition aura lieu le samedi 15 janvier 2022 de 14h à 18h.