L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition Le chemin se fait en marchant.

Pour sa onzième édition, le Festival Oodaaq inaugure une nouvelle formule pour concentrer sa sélection 2022 en un lieu unique mettant à l’honneur les vidéos d’une trentaine d’artistes internationaux. Le temps d’un week-end, du 13 au 15 mai, la Parcheminerie (RENNES) vous propose d’embarquer avec nous pour de nouvelles expériences audiovisuelles singulières et multiples, captations d’horizons multiples que nous proposons à vos contemplations. Un week-end d’exploration spéléologique au coeur des images et du bâtiment, investi dans sa totalité par nos performances, expositions, programmes vidéos, rencontres et concerts.

Des sous-sols aux étages, des loges à la scène, le théâtre de la Parcheminerie vibre aux impulsions sismiques de nos images poétiques et propose aux visiteurs une expérience complète, entre la traversée d’une exposition qui se déroule par paliers et la présentation en live d’expérimentations sur les images et les sons. 

Intitulée Apnée, l’exposition de cette année peut en effet se vivre comme un travelling tour à tour mélancolique et sombre puis chargé d’espoir et d’énergies nouvelles, un cheminement audiovisuel initiatique au fil d’étapes qui invitent à une mue au coeur du bâtiment. 

La même dualité, relevée dans notre appel à projet, vient structurer les deux soirées du festival : intériorité et plongées profondes en nous-même, puis expérimentations jouissives sans limites ! Un double mouvement de plis et replis qui préparent à mieux se déployer ensuite.

Entre obscurités et lumières, à travers des gouffres scintillants, cette nouvelle programmation saura comme toujours vous désorienter tout au long d’un voyage ponctué de visions singulières et inédites, bain salvateur de regards azimutés.

“Au fond, tout est plus foncé, plus froid. Alors le retour vers la lumière est incroyable”, Aurore Asso, apnéiste.

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre à 17h avec l’artiste pour découvrir l’exposition Le chemin se fait en marchant plus en détail.

Le samedi 9 avril prochain, à 11 h, l’artiste Jean-Paul Thaéron prend les commandes de la visite commentée du Comœdia. 

Pour la première fois, votre galerie vous propose de partager, le temps d’une rencontre, la vision d’un artiste : Jean-Paul Thaéron, le célèbre plasticien brestois dont les œuvres parent la cité du Ponant. L’artiste revient, durant cette heure exceptionnelle, sur son parcours, en apportant un éclairage spécifique sur les œuvres qu’il présente durant Nouvelle Vague bretonne.

La visite se poursuit avec la présentation des œuvres des neuf autres artistes exposés. Les commentaires de Jean-Paul Thaéron apportent une nouvelle perception de l’art contemporain et des créations en Bretagne.

Un moment privilégié et une excellente manière de vivre la Nouvelle Vague Bretonne de l’intérieur, sous le regard d’un artiste. 

Une exposition du collectif et meutes (Julie Aybes & brigitte Mouchel)

et meutes est un collectif d’artistes à géométrie variable, qui se donne comme objectif d’aller à la rencontre de visages et de paysages, de questionner, d’expérimenter, en coopération, explorant des démarches et médias artistiques pluriels.

“Nous cherchons à donner à voir une image du monde qui ne soit pas rassurante, ni confortable, qui pousse à la vigilance, à l’attention pour ce qu’on entend, ce qu’on voit, ce qu’on perçoit. Nous tentons de montrer la complexité du monde contemporain, la manière fragmentée dont il nous arrive, là où l’histoire collective croise, traverse, se heurte aux histoires singulières, aux territoires parcourus en mémoire ou en rêve, à la recherche de lieux et de récits possibles. Nous cherchons à provoquer et mettre en éveil les sens, les perceptions, y compris l’intuition, et ce qui nous advient : l’imaginaire, les réminiscences, les songes.”

Françoise Pétrovitch est une artiste plasticienne née en France en 1964 à Chambéry. Elle travaille le dessin et la peinture, ainsi que la céramique et la vidéo.

Né en 1946, Philippe Piguet est historien, enseignant et critique d’art. Il collabore à la revue L’OEil depuis 1985, ainsi qu’au magazine Art Absolument depuis sa création en 2002, et il enseigne à l’ICART (Institut Supérieur des Carrières Artistiques) à Paris depuis 1986.

« Si le dessin est le vecteur cardinal de la démarche de création de Françoise Pétrovitch, l’artiste l’exerce à l’ordre de toutes sortes de médiums, de supports, de matériaux et de formes. Elle le met à l’épreuve de pratiques très diverses – peinture, scultpure, céramique, vidéo, etc. – avec une totale maîtrise en quête d’images inédites, tout à la fois étranges et familières. Aussi le monde qu’elle révèle ne manque jamais de nous interpeller parce qu’il nous renvoie à notre propre histoire, notre propre condition. »

Ph. P.

Un projet photographique et performatif de Josef Nadj.

L’exposition est  présentée du mercredi 6 au dimanche 17 avril 2022, de 14h à 19h.
La performance (durée : 20mn) est présentée samedi 9 et dimanche 10 avril aux horaires suivants : 14h, 15h30, 17h, 18h30.
Le nombre de places étant limité, réservation indispensable à partir du 2 mars.

Amoureux de langue bretonne, la galerie du Comœdia vous propose de découvrir son expo-vente Nouvelle Vague bretonne en… breton ! Le samedi 2 avril prochain, à 11 h, partez à la découverte des artistes du territoire, sélectionnés par votre galerie, lors d’une heure de visite commentée par l’artiste breton Steven Mazé. 

Attention, le nombre de places reste très limité.

De l’été 2021 au printemps 2022, l’artiste a arpenté les méandres du quartier Colombier en imaginant divers protocoles d’exploration au fur et à mesure de sa résidence.

A partir de prises de notes, de collectes d’objets et d’expériences sur le terrain, l’artiste réalise un inventaire sensible et intuitif d’un territoire et de son histoire. Au fil du temps, des passerelles se tissent entre les différents fragments, entre le passé et le présent, entre le dehors et le dedans.

Au PHAKT, Anthony Folliard transforme l’espace d’exposition en un lieu imaginaire de projections et d’aventures, à mi-chemin entre le campement, le laboratoire graphique et l’atelier de bricolage. Contre-point d’une résidence menée exclusivement dans l’espace public, l’exposition Camp de base est à la fois la restitution d’un processus de recherche et le point de départ de nouvelles expéditions à venir explorant la pluralité du paysage urbain.

Anita Conti, née en mai 1899 et morte en 1997 est une océanographe et photographe. En 1943, le gouvernement d’Alger lui commande une recherche sur les ressources de poissons du littoral ouest africain et les méthodes de pêche traditionnelles qui y sont pratiquées ; ainsi, pendant presque dix ans, Anita Conti se consacrera à étudier et à prospecter les côtes de Mauritanie, du Sénégal, de la Guinée et de la Côté d’Ivoire, expérience qu’elle relatera dans son livre paru en 1957, Géants des mers chaudes. En partenariat avec les Archives de la Ville de Lorient, Marie Béatrice le Berrigaud, directrice du Lieu de la Photographie, propose une exposition inédite retraçant le passage d’Anita Conti sur les côtes de la Guinée.

Une exposition en partenariat avec les Archives de la Ville de Lorient, le Festival pêcheurs du monde et la Médiathèque François Mitterand

Gabrielle Kourdadzé et Cléo Garcia Leroy, les deux artistes en résidence à Saint-Jacut-de-la-Mer présenteront les œuvres réalisées jusqu’à ce jour durant leurs résidences de 6 mois qui s’achèvera le 30 juin 2022. Le travail de la première se déploie autour de la technique du dessin réaliste à l’encre en multiples portraits, tandis que la deuxième œuvre à une peinture du corps où la figure s’éclipse. 

SUR RÉSERVATION

La galerie d’Art Le Comœdia vous donne rendez-vous le 26 Mars 2022, à 16H30, pour une conférence exceptionnelle sur le thème de l’Art contemporain en Bretagne : le compositeur et écrivain Jean-Yves Bosseur apportera un nouvel éclairage à l’expo-vente Nouvelle Vague Bretonne et déterminera les liens existant entre Art contemporain et Région Bretagne.

Inscrivez-vous dès à présent, les places sont limitées !

La fermeture hivernale de la galerie s’achève et
…..une nouvelle saison s’annonce.

Vous êtes conviés au vernissage de la première exposition de la saison, Faisons-le nous-mêmes, placée sous le signe du travail collectif.
Projet conçu fin 2020 avec Camille Girard et Paul Brunet, duo d’artistes de Quimper, il a démarré en septembre 2021 par une visite au FRAC Bretagne et a pris fin la semaine dernière! Les élèves de la classe de 5eD du collège Camille Guérin de Saint-Méen-le-Grand ont été heureux de donner forme à des réalisations en commun, venez les découvrir au contact des oeuvres de Camille et Paul.

Nous serons ravis de vous accueillir dès vendredi 18 mars à 18h .

L’association montfortaise Envie de vie en ville s’associe à l’événement pour soutenir ce temps fort et notre projet:
– Charlotte de Coctum sera présente dans la caravane EVV pour proposer du snacking “gourmand” et des boissons maison
– dj Kleiz nous accompagnera aux platines
Et le groupe rennais Super Crayon invité par Camille Girard et Paul Brunet  jouera à partir de 21h.
https://lepivertgerot.com/supercrayo

L’artothèque-galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition L’errance d’une myope.

La promotion du master 2 Métiers et Arts de l’Exposition de l’université Rennes 2 a le plaisir de vous présenter l’exposition « Le mouton est dans le salon » dédiée à l’artiste Bertille Bak. Elle se tiendra du 11 mars au 15 avril 2022 à la Galerie Art & Essai, située sur le campus Villejean. Pensée en dialogue avec l’exposition « Dark-en-ciel » présentée à La Criée centre d’art contemporain du 22 janvier au 24 avril, l’exposition poursuit l’exploration du monde irréel et fantasmé de l’imaginaire enfantin, que le travail de Bertille Bak confronte à la réalité de l’exploitation capitaliste.

En évoquant la présence du Grand Méchant Loup, à la fois figure malveillante des fables et métaphore du pouvoir corrompu et cruel, l’exposition fait se côtoyer l’univers des chasseurs-débardeurs de la forêt alsacienne et celui des travailleuses marocaines dans les usines de décorticage de crevettes. Les œuvres de Bertille Bak qui y sont présentées oscillent entre le joyeux et le maléfique, l’heureux et le sordide, s’inspirant de la morale abrupte et souvent ambiguë des contes populaires. « La différence est que le Il était une fois se conjugue ici au présent et que les loups d’autrefois ont revêtu le costume trois pièces des oppresseurs modernes », explique l’artiste. En explorant les ressorts narratifs de la fable, l’exposition souligne ce que Bertille Bak conçoit comme un recours à l’artifice dissimulant une réalité tragique et contemporaine, un conte social déchu. Arpentant un espace sombre et menaçant, le·la visiteur·euse est emporté·e dans un parcours jouant sur l’indistinction entre prédateur et proie, homme et bête, humain et monstre. La figure du Grand Méchant Loup glisse alors vers celle d’un être hybride énigmatique et ambivalent, directement issu d’un rêve merveilleux et effrayant.

Biographie

Bertille Bak est une artiste plasticienne et vidéaste française, née à Arras en 1983. Diplômée en 2007 de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, où elle a été formée dans l’atelier de Christian Boltanski, Bertille Bak se perfectionne ensuite au Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains à Tourcoing jusqu’en 2008. Son travail explore les notions de communauté, d’exploitation et de résilience à l’heure de la globalisation, qu’elle interroge principalement par le biais de vidéos, mais aussi au moyen d’installations, d’objets, de dessins et d’archives. Lauréate du prestigieux prix Mario Merz en 2019, Bertille Bak réalise de nombreuses expositions personnelles et collectives en France et à l’international. Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques de grande ampleur (Centre National des Arts Plastiques, du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, de différents FRAC, du MAC VAL), et au sein de collections privées renommées (Collection Pinault, Fondations Neuflize et Louis Vuitton).

Au printemps 2022, plusieurs expositions prennent place dans la ville de Landivisiau, mettant à l’honneur la création sculptée.

Du 5 mars au 1^er mai, l’Espace culturel Lucien-Prigent accueille les œuvres de deux artistes :

> Au rez-de-chaussée, Juan ARANAGA, lauréat du Salon de sculpture 2020, présente des sculptures en acier, en granit et en verre, aux côtés d’œuvres picturales.

> À l’étage, la plasticienne Meghan MAUCHERAT DE LONGPRÉ, originaire de Landivisiau, expose des volumes, dessins et installations créés pour le lieu.

Aux mêmes dates, trois autres expositions vous invitent à déambuler dans la ville, résultats d’un appel à projets reconduit pour la 7^e année consécutive :

> Dans le parc de Kréac’h Kélenn : sculptures métal – Anthony BOËFFARD.

> À la fontaine Saint-Thivisiau : installation aquatique – Léa B-H.

> Sur le parvis de l’Hôtel de Ville : sculpture – Thoma RYSE.

En parallèle, du 5 mars au 3 avril, place au 33^e Salon de sculpture contemporaine, dans le hall de l’Hôtel de Ville.

Organisé par la Ville de Landivisiau et l’Association Sculpteurs Bretagne, le Salon accueille cette année 36 sculpteurs et 98 œuvres. Ce rendez-vous permet aux publics de découvrir la pluralité des techniques et matériaux.

Que je ferme les yeux ou que je les ouvre en grand, que j’en cligne un pendant que l’autre reste fixe, que je mette mon corps par-dessus ou par-dessous la couette : je gagne toujours en épaisseur.
Quoi qu’il arrive je me stratifie, je me superpose, je me couche après couche l’une sur l’autre : quoi qu’il arrive je m’ajoute.

Dans la société du 7/7, la transparence est de mise : architectures de verre, open spaces, objets en veille…
Clémence Estève choisit de se tourner vers les espaces de l’intime, du repos, où l’on ne se soucie plus d’être vu ; les zones de retrait, de lâcher prise, de contemplation et d’oisiveté.
Et si s’abandonner à la lassitude pouvait ouvrir d’autres voies de résistance et faire naître de nouvelles formes de résilience ?

Cette exposition bénéficie du soutien de Documents d’Artistes Bretagne (DDAB) et des literies Valentin.

Inédit en Bretagne !

Le samedi 26 février, La Galerie D’Art Le Comœdia vous accueille de 16H30 à 18H00 pour une conférence exceptionnelle de l’artiste Yann Kersalé, qui reviendra sur ses 40 ans de pratique artistique et sur la genèse de ses projets à travers le monde, en regard des oeuvres que l’artiste international présente à la vente pour la première fois en Bretagne. Une manière privilégiée de tout comprendre du travail de celui qu’on surnomme le “Sculpteur de lumière”. 

Réservation obligatoire : attention, le nombre de places est limité !

Le Murmure des Dieux
Els Viaene | Julien Grossmann

Exposition présentée aux Ateliers du Vent
52 rue Alexandre Duval
du 18 février au 12 mars 2022
Vernissage le 17 février à 18h30

Exposition ouverte du mercredi au samedi de 14h00 à 18h00

L’exposition « Le Murmure des Dieux » emprunte son titre au roman de Michel Bernanos (1923-1964) pour proposer une sélection d’œuvres des artistes Els Viaene et Julien Grossmann en utilisant celui-ci comme toile de fond. L’exposition tisse entre la fiction du romancier et les œuvres des deux artistes un réseau de relations notamment lié à un imaginaire de la forêt amazonienne, de l’Eldorado, aux vestiges de civilisations précolombiennes et l’exploitation par les occidentaux des ressources naturelles dans les empires coloniaux.

Commissariat : Le Bon Accueil – Reverb
Production : Le Bon Accueil – Reverb
Partenaire : Les Ateliers du Vent

L’exposition « L’invention d’une histoire vraie (2) » poursuit les pérégrinations de Nelly Monnier (1988, France) et d’Eric Tabuchi (1959, France) dans les campagnes françaises. Dans la continuité de leur récente exposition au centre d’art GwinZegal à Guingamp, le duo d’artistes présente une partie de leur Atlas des Régions Naturelles (ARN) et une série d’œuvres sculpturales et picturales qui en découlent.

Tout commence avec une idée à la fois insensée et chronophage : photographier et documenter l’architecture vernaculaire dans l’intégralité des régions naturelles de France – une notion assez floue – depuis la Flandre française à l’Outre Forêt alsacienne, du Freto corse au Béarn et jusqu’au Léon finistérien. La tâche s’avère colossale, à mi-chemin entre une quête sortie d’une fiction d’Heroic Fantasy et une aventure saugrenue et drôle à la Monty Python. De leurs voyages, Monnier et Tabuchi ramènent des clichés très divers, s’attachant, en premier lieu à documenter le bâti, mais par extension à décortiquer les paysages et à comprendre l’incidence des humains sur leur habitat. Le duo photographie des paysages étonnants, des architectures étranges, des situations loufoques, des endroits de joie, ou encore des lieux tombés en désuétude. C’est un portrait multi-facettes de la France, tantôt touchant, parfois absurde, jamais jugeant, qu’ils réalisent durant leurs périples. Dans leur atelier, iels trient leurs photographies par géographie ou par thème. La démarche n’est pas sans rappeler celle de Bernd et Hilla Becher, un couple de photographes allemands connus pour leurs clichés frontaux d’architecture industrielle, ou celle de « La France » de Raymond Depardon qui documentait la France qui se modernisait, ou encore le travail de Walker Evans qui s’est distingué en portraiturant les Etats-Unis de la Grande Dépression de 1929 à la Seconde Guerre mondiale.

Les camarades du centre d’art GwinZegal écrivaient très justement qu’à « l’ivresse de la vitesse de notre époque, Nelly Monnier et Eric Tabuchi opposent l’éloge de la lenteur et des petites routes. C’est dans une petite automobile, à vitesse réduite, qu’ils sillonnent discrètement le paysage, ponctuant cet atlas imaginaire d’innombrables arrêts. »

À travers les œuvres de Monnier et Tabuchi, il n’y a pas de violence apparente mais elle se devine parfois sous-jacente. L’histoire récente de l’exode rural et des délocalisations se dessinent tout autant que des récits propres à chaque région. Les territoires français se révèlent dans toute leur pluralité architecturale : l’ardoise est marqueur des toits bretons tandis que les tuyés – de grand fumoirs – s’imposent dans le paysage du Haut-Doubs par exemple. L’exposition de Passerelle fait écho à son territoire, compilant essentiellement des images du Léon et du Trégor, rassemblant représentations de menhirs, de maraîchage, ou encore d’amers, parfois « augmentés » d’inscriptions depuis le désormais traditionnel « ACAB » au local « BZH Libre ». Une série de peintures et de collages introduit une certaine étrangeté au corpus plus documentaire des photographies, en tentant de tirer l’essence et l’âme des paysages visités par le duo. Ces peintures sont, d’une certaine manière, symboliques de la démarche qui est leur : in fine, le duo s’est lancé non pas dans un état des lieux de l’architecture hexagonale mais dans une épopée, dans une quête vaine et poétique d’un Graal immatériel – une histoire fictive de nos régions.

L’exposition « The Smoken Ridge » est l’occasion de revenir sur l’œuvre graphique d’Alan Fertil (1982, Quimper – 2015, Bruxelles). Diplômé de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il a passé ses années de jeunesse et d’études entre la Bretagne, les Etats-Unis et l’Angleterre. À l’issue de son cursus, il s’installe à Berlin puis à Bruxelles en 2009 où il co-fonde le collectif « The Ister », une association, mêlant des artistes, des commissaires d’exposition et des travailleur.euse.s de l’art, qui a pour objectif de promouvoir la jeune création. Alan Fertil est alors connu pour son œuvre à quatre mains avec Damien Teixidor, s’intéressant au mobilier urbain, à la culture du skateboard et du bricolage. Le duo expose en France au MAMO – Centre d’art de la Cité Radieuse à Marseille, au centre d’art 40mcube à Rennes ou encore à Bruxelles à la MAAC, Maison d’Art Actuel des Chartreux. Alan Fertil développe, en parallèle, une pratique du dessin, jamais réellement exposée et largement inédite. Cette partie de son œuvre a fait l’objet d’une monographie intitulée « Alan Fertil, Drawings, Sketches and Notes », parue récemment aux éditions Zéro2 avec le soutien de la fondation Antoine de Galbert, de 40mcube et de Passerelle.

Les allers-retours d’Alan Fertil entre pays anglophones et francophones, son goût pour la littérature, imprègnent ses œuvres dans lesquelles il intégrait de nombreux textes et mots, entre poésies, slogans ou réflexions. Tour à tour méthodiques et brouillons, ses travaux montrent la construction de l’espace qui nous entoure mais aussi un chaos en évolution. Ses dessins sont marqués par un usage du fusain et du graphite qui y confèrent une profondeur noire et obscure. On assiste à l’élaboration d’une cosmogonie inédite, la création d’un univers conçu dans l’esprit de l’artiste. La dernière série d’Alan Fertil s’intitule « Ether Triumph », évoquant tout autant la divinité primordiale grecque que le terme éther issu de la physique pré-Einstein (avant 1905). La définition de l’éther semble s’accorder avec les sentiments et les ambiances des dessins de l’artiste. En astronomie, il s’agissait du fluide subtil supposé remplir l’espace au-delà de l’atmosphère terrestre, tandis qu’en physique, l’éther était un milieu hypothétique extrêmement ténu et élastique, universellement répandu dans le vide comme dans la matière. Au sujet de cette série, Bitsy Knox écrit que « la matière vibre avec enthousiasme, circule et se contient à des échelles à la fois céleste et moléculaire. De grandes théories s’y déploient librement ; c’est la science sous l’emprise de l’intuition ».

Le titre de l’exposition « The Smoken Ridge » [La crête enfumée] est emprunté à une œuvre de l’artiste. Elle évoque ses considérations inspirées de la science tout autant qu’un intérêt pour l’organique et le paysage. Si bon nombre de ses œuvres démontrent une abstraction totale puisqu’elles s’inspirent de l’espace et de l’astronomie, certaines se signalent par un ancrage plus prosaïque, plus dans « le réel », empruntant le vocabulaire de la botanique et de l’anatomie. Ainsi, des langues côtoient des mains inspirées de feuilles et des constructions rappellent le fameux Atomium de Bruxelles.

Dans une note programmatique, Alan Fertil écrivait « Toutes les formes sont de valeurs égales, aucune ne mérite une attention particulière car aucune n’est indépendante des autres ».

Durant près de 3 mois, Caroline Thiery (1997, France) a pris part au programme « Les chantiers-résidence » porté par Document d’Artistes Bretagne et Passerelle dans les murs du centre d’art. Il en résulte l’exposition « Whatever remains from the ghosts » [Tout ce qui reste des fantômes] qui inclut les œuvres réalisées sur place pendant le temps de la résidence.

Les fantômes de Caroline Thiery nous sont connus et communs. Ils fabriquent le passé : sentiments vagues, souvenirs de conversations, chansons matraquées qui résonnent encore et encore dans les têtes, sourires fugaces dans les transports en commun et bien d’autres restes du quotidien. Partageant généreusement ses expériences, Caroline Thiery dresse une carte de nos rapports sociaux tant amoureux qu’amicaux, familiaux ou encore culturels. Elle traite en particulier notre recherche d’affection et d’amour, mis en tension par le désir ambivalent d’indépendance. Elle scrute les nouvelles méthodes de rencontres comme les applications de dating qui ont bouleversé la manière de « consommer » les relations. L’usage du numérique et d’internet, qui aboli toutes notions d’attente et de distance, a transformé les comportements de drague pour le meilleur et pour le pire : envoi de dick pics – des photographies de pénis – à des inconnu.e.s, usage de « disquettes » – des petites phrases censées être romantiques qui s’avèrent souvent lourdes voire grossières et autres nouveautés. Grâce au numérique, la recherche de relations amoureuses et de partenaires sexuel.le.s n’a jamais été aussi facilité pour la ou le candidat.e à la passion, caché.e derrière son écran de téléphone, planqué.e sous la couette, ou scrollant – faire défiler un contenu sur un écran informatique – assis dans les toilettes. Le titre de l’exposition évoque également le ghosting, une pratique, très répandue depuis l’avènement des sites de rencontre, consistant à mettre fin à une relation sans prévenir, en interrompant toute forme de communication.

Au-delà des questions de cœur, Caroline Thiery s’interroge sur notre rapport à l’enfance et à l’adolescence, confectionnant divers talismans et objets totémiques qui forgent un potentiel passé, tels les « plaids fantômes » à motifs de chien, cigogne ou encore de paysage tropical, ornés de textes. Là où le monde adulte juge d’un mauvais œil certaines pratiques adolescentes telles les fanfictions – des récits dérivés de sagas littéraires, de films, de jeux ou de séries – ou l’attrait pour une musique pop considérée parfois comme kitch, Caroline Thiery décide de s’en emparer et de les ériger en symboles. Ainsi, elle réalise une sculpture en l’honneur de la chanteuse Priscilla qui a connu la célébrité dès ses 12 ans. Mettre en avant cette popstar française revient à réhabiliter cette culture dévalorisée d’un âge de transition que nous avons toutes et tous vécu et qui nous a façonné.

Le texte tient une place essentielle dans l’exposition à la fois par des narrations rédigées par l’artiste, disponibles à la lecture dans les salles, mais aussi par la multiplication de phrases et de mots au sein même des œuvres. La culture du « mème internet » – un élément ou un phénomène repris et décliné en masse sur internet, souvent une image annotée – est une vaste source d’inspiration. Les mèmes, ce sont des punchlines, des slogans très contextuels qui nécessitent parfois des codes de compréhension pointus. Chez Caroline Thiery, ils prennent des formes originales, ils sont drôles, intimes, souvent universels. Les anecdotes et les récits, visuels ou écrits, que l’artiste déploie, s’entrecroisent sans réponses ; c’est au visiteur de créer sa propre histoire.

Décapsuler l’art : Ouvrons l’œil !

– Les rencontres apéritives en Histoire de l’art –

SÉANCE 3 –  Espèces d’espaces.

De l’invention de la perspective à la Renaissance jusqu’au Land art, en passant par De Stijl et le Constructivisme, rapide exploration de surfaces et de lieux habités par la création artistique.

______________

Les rencontres apéritives en Histoire de l’art.

Amis gourmands et amateurs d’art, venez échanger, rencontrer, apprendre autour d’un moment convivial ! Présentées par un enseignant-conférencier professionnel sur la base d’un menu thématique, ces rencontres vous invitent à savourer l’art et la manière d’aborder les oeuvres.

Chaque séance aborde un thème précis par le biais d’un retour historique sur des artistes et mouvements incontournables de l’art contemporain.

_________________

1 jeudi par mois, de 19H00 à 21H00.

L’artothèque-galerie vous invite à une rencontre avec l’artiste à 17h pour découvrir l’exposition “L’errance d’une myope” plus en détail.

Ode à la beauté et à la diversité des plantes, l’exposition rassemble 7 artistes dont les œuvres en terre, céramique, métal et végétal s’offrent à voir au sein du musée et dans le parc de La briqueterie et celui de Saint-Ilan. L’exposition Jardins Précieux offre aux visiteurs une plongée dans le beau, le rare et le commun, l’effervescence et l’intime, le fragile et le robuste. Les artistes exaltent avec une vision toute personnelle la splendeur des efflorescences, l’incroyable mathématiques végétale, la sensualité des légumes, l’énergie vital des arbres, la préserver, inviter à l’aimer. La contemplation du végétal dans toute sa diversité nous interroge sur les liens vitaux qui nous unissent à lui.

Le changement de nos rapports avec l’environnement passe très certainement par un réenchantement, un émerveillement face au vivant.
Lors de ses observations de la nature, Daniela Lorini s’est intéressée aux algues, ces organismes qui composent Une forêt sous la mer. Ce matériau naturel offre une multitude de formes, de textures et de couleurs, avec lequel joue l’artiste pour présenter son exploration subjective. Entre expérimentation autour de la techniquedu cyanotype et découverte d’un monde sous-marin, l’exposition propose un dialogue entre science et art.

À travers ses recherches, Daniela Lorini explore l’environnement et plus particulièrement la manière dont les organismes vivants cohabitent dans un même territoire. C’est en cherchant dans les détails de la nature qu’elle s’intéresse aux algues et à ce qui les compose. Offrant une multitude de formes, textures et couleurs, ce matériau naturel constitue aussi un écosystème riche et mystérieux.

Grâce à un processus à la fois créatif et scientifique, l’artiste invite à découvrir sa propre interprétation du monde sous-marin. Alliant expérimentation et poésie, Une forêt sous la mer propose une déambulation entre imaginaire et réalité magique.

Societas humana, donne à voir la société dans laquelle nous vivons, ses mécanismes, ses codes, son devenir. Que ce soit par les thèmes du travail, des loisirs, ou de l’écologie. Cette exposition est conçue pour réinterroger les interactions humaines et ce qui les régies. 

Bertille Bak a pour habitude d’aller à la rencontre d’une communauté ou d’une collectivité, elle en observe les rites, les gestes et les objets. Elle imagine avec et pour elles une narration, entre documentaire et fiction.

Pour son projet Mineur Mineur, qui s’intéresse au travail des enfants, elle expérimente de nouvelles collaborations à distance avec des complices en Inde, en Bolivie, en Indonésie, en Thaïlande et à Madagascar.

Le master Métiers et Arts de l’exposition de l’université Rennes II présente une exposition de Bertille Bak du 11 mars au 22 avril 2022 à la Galerie Art & Essais.

L’exposition Animalia ou la vie fantasmée des animaux regroupe des œuvres dans lesquelles la figure animale est présente, où elle joue même un rôle majeur, intégrée comme une actrice à part entière. Focalisées sur des animaux proches de nous, avec lesquels nous sommes en relation quotidiennement, animaux domestiques, d’élevage, ou ceux traditionnellement chassés, mais aussi ceux qui, pendant notre enfance, se cachent sous notre lit, dans la cabane au fond du jardin, dans les méandres du lac voisin, dans un pays lointain, et qui peuplent nos imaginaires.

Avec des esthétiques et des modes narratifs différents, les œuvres rassemblées permettent de passer en revue un certain nombre de relations fantasmées que nous entretenons avec les animaux, qui suscitent chez nous une empathie, voire créent un phénomène d’identification forte, qui peuvent provoquer une fascination, parfois poussée jusqu’à la vénération, mais aussi une inquiétude ou une incompréhension. Ainsi l’animal devient symbole, nourrit nos peurs les plus profondes, explique ce qui échappe à notre entendement, se transforme en l’objet d’une quête existentielle.

Prenant la forme de représentations réalistes ou stylisées, filmées, sculptées, peintes, ou composées par ordinateur, un crescendo se produit dans l’exposition avec un passage progressif entre réalisme et irréel assumé. Quand la sculpture et la performance de Clédat & Petitpierre introduisent une poche d’humour et de jeu dans le concret de l’exposition, le style documentaire de Marie Voignier ou de Nicolas Milhé sème le doute. Le réalisme de Bertille Bak, de Darielle Tillon ou de Jean-Marie Perdrix vrille assurément vers le surnaturel, tandis que Maël Nozahic nous emmène dans des scènes oniriques, jusqu’à ce que Bertrand Dezoteux ou Luiz Roque anticipent un futur où les animaux, dans un retournement de situation discret, prennent clairement la place des êtres humains – et le pouvoir sur eux.

Ainsi, l’exposition Animalia ou la vie fantasmée des animaux n’est rien d’autre qu’un point de vue sur le monde dans sa dimension historique, politique, religieuse, et sociétale, dont l’animal est évidemment partie prenante.

Anne Langlois

[2,3] – pour 2 et 3D –  est le titre du livre de l’artiste Tauba Auerbach entré dans la collection en 2021 et que le Frac Bretagne déploie pour la première fois à Rennes, du 21 janvier au 15 mai 2022.

Cette œuvre, créée en 2011, se présente comme un livre pop-up : l’artiste a créé 6 formes géométriques et colorées qui émergent de ses pages comme des sculptures de papier. Elle propose ainsi d’envisager la sculpture, bien souvent synonyme de stabilité et de rigidité, dans la fragilité du papier et dans l’intimité de la lecture d’un livre. Il en ressort une expérience, à la fois, surprenante, spectaculaire, magique mais aussi simple et délicate.

Ce développement des formes dans l’espace constitue une étape importante dans l’évolution du travail de l’artiste à l’aube des années 2010. Jusqu’alors cantonnées aux effets d’optiques sur la planéité de la toile (jeux d’ombres répliquant le volume), ses œuvres s’ouvrent à la troisième dimension et explorent de manière plus aboutie cet intérêt marqué pour la perception et l’animation de la surface.

Artiste habité par une histoire ensevelie des formes, de matériaux et de pratiques rituelles, Thomas Teurlai investit des espaces aux quatre coins du monde, du white cube aux espaces industriels déclassés. Exhumant des récits, bouturant sons, sculptures et sciences humaines, l’artiste redonne vie et mouvement à des objets et des histoires délaissées. De cette rencontre entre les mondes de l’alchimie, du bricolage et du sacré émergent des installations hybrides qui sollicitent nos zones érogènes. Le visiteur se retrouve impliqué, corps et âme, dans ces espaces d’une poésie décalée, où le temps semble se dilater.

Pour son exposition au Frac Bretagne, Thomas Teurlai s’intéresse à la subsidence, phénomène géologique décrivant l’enfoncement des mégapoles dû au pompage des eaux souterraines et au bétonnage intensif. Cet affaissement global sert d’amorce à une errance filmique en vue subjective.
Rêverie cyberpunk où un musée fantôme erre les pieds dans l’eau, périclitant sous les assauts répétés de spores et autres virus antédiluviens. Une déambulation à rebours du temps, tissant entre eux des espaces à priori éloignés.
S’y croiseront les momies de street artists gisant sur les rives poussiéreuse d’une histoire mort-née.
Un astrolabe de granit radioactif composant la bande son, comme un Thérémine monolithique inversé.
Et un texte en rouet-épiléptique, filant la voie off pour sortir du tunnel.
De l’autre côté du trou de ver teinté.

Le Frac Bretagne présente la première exposition de l’artiste américain Jibade-Khalil Huffman en France.

Né à Détroit en 1981, Jibade-Khalil Huffman est un artiste et écrivain qui utilise archives et documents éphémères contemporains pour aborder le glissement de la mémoire et du langage, notamment à propos de notions de race et de visibilité. Travaillant souvent in situ, son travail prend la forme d’installations, de vidéos, de projections, de caissons lumineux photographiques et de collages photographiques imprimés sur des transparents et des papiers superposés. Mettant en avant la matérialité des médias numériques et leur dégradation au fil du temps, l’approche d’Huffman dissout le sens explicite afin de le reconstituer sous forme d’objets en perpétuelle évolution. Par la projection et la répétition, son travail évoque l’intraduisible, ruminant les qualités liminaires d’expériences singulières à travers l’aplatissement des hiérarchies symboliques et sémiotiques.Son travail se situe en grande partie aux croisements de l’écriture, de la poésie, des médias et du discours commun, souvent en coupant, échantillonnant et déplaçant des morceaux de vidéo et des extraits de texte dans de nouveaux formats. L’idée de l’effacement – de certaines voix, de certaines personnes et de certaines idées – comme sujet et comme technique est au cœur de sa pratique, dans la construction et le retrait de couches de matériaux dans ses vidéos et ses collages bidimensionnels.

L’artiste Manon de Boer et la chorégraphe Latifa Laâbissi se sont rencontrées en 2015 lors d’un workshop autour du travail d’Oscar Schlemmer et de la fluidité entre les différents médiums et langages artistiques. En effet, la pluridisciplinarité est essentielle dans chacune de leur pratique. Elles ont donc décidé d’approfondir leur collaboration dans une temporalité dilatée et distendue, à travers des contextes de travail diversifiés tels que des conversations itinérantes, le souvenir de lectures partagées, le jardinage, la correspondance et le collage.

Leur dialogue s’éloigne de l’urgence d’un résultat, d’une régularité rigide ou de toute anticipation prévisible. Manon de Boer et Latifa Laâbissi ont toutes deux un cheminement et des méthodes de travail affirmés et voient dans leur collaboration une occasion de défier leurs processus, de se laisser altérer par l’autre pour élaborer différemment. C’est dans cette perspective qu’au fil du temps elles construisent un corpus d’images commun, une carte mentale qu’elles activent et explorent en se questionnant sur leur propre discipline et par le tâtonnement d’un terrain à priori inconnu.

Le projet Ghost Party propulse la voix au premier plan, questionne son timbre, son langage, ses affects, ses accents.

Le projet comporte 2 volets : l’un chorégraphique Ghost Party (1) et l’autre vidéo Ghost Party (2).

De la figure animale, l’histoire de l’art, qu’elle soit ancienne, moderne ou contemporaine, est riche de toutes sortes d’images. S’agissant de création contemporaine, on relève qu’elle est de plus en plus récurrente, appréhendée soit pour elle-même, soit dans une relation à l’humain, soit sur un mode plus symbolique. Sans se priver parfois d’une certaine dose d’humour tant l’animal et l’humain partagent toutes sortes de points communs. La sélection retenue vise à mettre en exergue la richesse tout à la fois plastique, matérielle et sensible de ce thème séculaire. Entre fable, métamorphose et caricature, un drôle de bestiaire !

Philippe Piguet,

commissaire de l’exposition

Longtemps, j’ai repoussé l’émergence d’une œuvre se saisissant du paysage, plus particulièrement de la forêt […]

Depuis quelques années, j’interroge les empreintes de ces instants vécus, à la lisière d’un chemin vers la sombre forêt où tout a commencé.

Les œuvres présentées sont le laboratoire d’où émanent les modalités de représentations de ces perceptions singulières et anecdotiques, elles proposent ces visions fragmentaires et les myopies d’un terrain.

De gigantesques peintures longilignes et colorées flottant dans l’espace, tombent à hauteur des visiteurs. Tels des étendards servant d’emblèmes à quatre portraits d’acteurs de la transition écologique, les peintures sont des arrêts sur image d’un documentaire de l’artiste.

L’exposition Empreinte du reste, volume du manque rassemble une cinquantaine d’oeuvres de Paul Pouvreau, datant de la fin des années 1990 à aujourd’hui, proposant à la fois un cheminement parmi les images et dans les images elles-mêmes. Grâce à ce large éventail de sa production, on perçoit de quelle manière l’artiste rejoue avec ses photographies certains genres majeurs de l’histoire de la peinture (la nature morte, le paysage) ou principes esthétiques de mouvements artistiques du XXe siècle (le pop art, l’art conceptuel). Il en donne des versions pour ainsi dire bricolées, sans être dans l’imitation ni la parodie. Que ce soit dans ses dessins — où il retravaille des pages de journaux et des dépliants publicitaires par remplissage — ou dans sa nouvelle série photographique où il transforme par des jeux d’échelle et de lumière des sacs plastiques en d’éloquents masques de tragédie grecque, c’est toujours le même plaisir de faire qui l’anime. C’est ce plaisir de la fabrication qui lui permet de donner corps à des pensées et des formes, aussi fragiles soient-elles en apparence.

Biographie :

Paul Pouvreau est né en 1956 à Aulnay-sous-Bois. Il vit à Argenton-sur-Creuse et est professeur à l’École Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP) à Arles. Son travail artistique a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger : Centre Pompidou, Les Rencontres de la photographie d’Arles, MAC VAL, CRAC de Sète, Frac Basse-Normandie, Caen, Frac Corse, Galerie Les Filles du Calvaire, Paris et Bruxelles, etc. Parmi ses dernières expositions personnelles, on peut citer citer Le Magazine des jours au Centre photographique d’Île-de-France (2019) ou encore Des choses à part à l’Artothèque de Vitré (2017). Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections privées et publiques : Centre national des arts plastiques (Cnap), FRAC Alsace, FRAC Corse, FRAC Franche-Comté, FRAC Limousin, FRAC PACA, Artothèque de Caen, Artothèque de Vitré, Musée de Valence, etc.

Wang Bing à la trace présente 5 oeuvres vidéo et une série photographique qui témoignent, tantôt dans une veine historique, tantôt dans une veine anthropologique, des conditions de vie et de travail de tout une frange délaissée de la population chinoise d’hier comme d’aujourd’hui.

Pour cette première exposition de l’année, nous avons invité Design Social Club a présenter une installation, une pièce simple et radicale qui vient prendre place chez nous, à la Gare et trace une ligne et horizon résilient pour 2022.

Dépourvu de végétation, hostile à la moindre forme de vie, exposé en permanence à un soleil de plomb et balayé par des vents desséchants, le désert est un environnement extrême. Lieu mystique de la fuite, le désert ne stimule pas l’imagination, mais en ce lieu où il n’y a rien, c’est la pensée qui est mise à rude épreuve. Une expérience qui révèle à celui qui en revient un lien subtil entre un désert physique et psychologique.

Désert de sable où vie désertique il peut être très loin ou bien très proche. Dans un quotidien privé de sens, orchestré par une mécanique qui rejette le libre arbitre pour imposer des croyances orientées par les peurs, les repères s’effacent et les sensations s’évincent, il perturbe le chemin et dissipe le but.
Bousculé par les mirages, le sens de la vie se dissout pour devenir à son tour désertique etabsurde.
L’oasis, illusion ou réalité, semble se dessiner soudainement dans ce paysage chaotique.
Une mécanique naturelle qui rassure et offre un climat fertile pour se retrouver.
Un refuge dont la structure particulière surprend et rassure. Une mécanique bien orchestrée qui offre abondance dans un milieu où rien ne prend vie.
Obtenu par une symbiose de trois strates végétales, la plus élevée, celle du palmier dattier, s’ouvre comme un parasol dans ce milieu où l’ensoleillement est terrible.
À l’ombre de cette canopée poussent les arbres fruitiers qui en plus d’offrir de généreux fruits assure la protection de la dernière strate, occupée quant à elle par un jardin varié où poussent céréales et légumes.
Ce jouant de ces associations, la série Oasis suggère une réflexion sur une existence parfois désertique où se confondent mirages et réalités.
Une poésie par l’objet qui prend la forme systémique d’une oasis et mime les différentes strates qui le composent. Table, luminaire et tapis entrent dans la salle à manger comme un mirage qui émerveille par des couleurs et des matières au contour flou. Un cadre propice aux moments de partage qui comme la source d’eau reste l’élément essentiel à la naissance de cet Oasis.

—————————-

RENCONTRE DIALOGUÉE AVEC L’ARTISTE DE DESIGN SOCIAL CLUB

le 15 janvier 2022 à 15h

——————————-

VISITE CONTÉE LE SAMEDI 5 FÉVRIER À 15H ET À 17H

Une création littéraire de Sophie d’Orgeval, compagnie La Rigole.

Sophie d’Orgeval vous propose 3 contes autour de l’oeuvre de Design Social Club. Tous les sens sont ici convoqués pour s’immerger dans l’univers de l’oasis, espace de vie au milieu du désert, espace de repli

pour le voyageur, fenêtre ouverte sur l’imaginaire du paradis perdu, du mirage et du rêve. Petits et grands peuvent goûter aux mots et aux histoires tout en s’imprégnant du lieu et de l’esthétique du Designer.

Durée 30 mn/ sur réservation : 07 82 80 27 71 

Tarif : 3,00 € ou 5,00 € (adultes)

———————————

PENDANT LES VACANCES SCOLAIRES

Atelier de création « BUR’OASIS » à partir de 6 ans

animé par Charlie Cann, Designer

Dans le cadre de cet atelier, les participants seront invités un créer un espace de réflexion, de médiation et de rangement pour leur bureau. Ils pourront même voir apparaitre  dans le création un coucher de soleil!

les 7, 8 et 9 février 2022

14h — 17h

tarif: 80 euros

JEUNES PUBLICS

POUR LES GROUPES (scolaires et hors temps scolaires)

Accueil en visite – atelier de création,

1h15 avec Charlie Cann, Designer

du lundi au jeudi

sur rdv.

Une bibliothèque de vases frappés de texte. Une pluie de lettres en porcelaine tombant du ciel. Une table basse accueillant des céramiques colorés. Des tissus brodés ou teintés sous verre. Des livres grand format. Catherine Fontaine explore toutes les techniques qui la relient à la matière et à la nature; entrez dans l’univers feutré de l’artiste plasticienne lorientaise.

Autour de l’exposition :

• Samedi 29 janvier à 15h : visite commentée par l’artiste, en dialogue avec l’écrivaine Marie-Hélène Lafon qui fera lecture de quelques textes en lien avec les thématiques de l’exposition.
• Mardi 15 février à 12h30 : visite commentée par l’artiste
• Samedi 12 mars à 15h : visite commentée par l’artiste enrichie d’une interprétation en langue des signes (LSF)
• Jeudi 17 mars à 19h30 : concert proposé par le groupe Nachtigall du Conservatoire de Lorient. Un programme où dialogueront chant de travail sud-africain, élégie géorgienne, poésie en arabe classique du 12ème siècle, canon à boire italien baroque, rock des années 90, blues du début 20e et gospel traditionnel.
• Samedi 26 mars à 15h : la musicienne et calligraphe Catherine Denis proposera une lecture des textes présents dans l’exposition “Neige de mots‘ et d’un texte de Virginia Woolf extrait du livre “Les vagues” en lien avec des créations musicales conçues pour ces textes par le guitariste Dimitri Masseboeuf.

À l’origine du travail de Fabienne Houzé-Ricard, se trouve un double écheveau. Celui des brindilles entremêlées en des cercles aux diamètres de plus en plus restreints et qui finissent par former un nid – d’où l’on vient.

Celui de la mémoire, aussi, qui, plus le temps passe, accumule les souvenirs en strates successives – si bien sûr l’on s’en tient à la stricte chronologie. Mais la mémoire nous joue des tours, et, pareille à l’oiseau avec ses brindilles lorsqu’il construit son nid, entremêlent les choses, les époques, les images, les événements qui forment une vie.

Elle a entamé, il y a 15 ans, une série de peintures d’oiseaux dont on ne voit ni les yeux, ni le visage. Bien que de grandes dimensions, cette série a quelque chose du travail de l’entomologiste, ou des portraitistes du 19^ème qui fixaient sur la toile hommes et femmes du monde et leur offraient ainsi l’immortalité.

Métaphore du processus mémoriel, ces toiles expriment la lente élaboration de la personnalité et de l’identité qui varient d’un individu à l’autre, comme les formes et structures des multiples nids que l’artiste nous propose, suspendus dans ce vide qui est aussi le nôtre.

Fabienne Houzé-Ricard pratique la peinture, le dessin sur papier ou sur toile, l’estampage, la couture, l’installation… ses projets se nourrissent l’un l’autre depuis de nombreuses années, toujours reliés entre eux par les thèmes du nid et de l’oiseau.

Elle vit et travaille en Bretagne.

Elle a exposé au Salon DDessin à Paris, à la galerie Méandres au Huelgoat, à l’espace d’art contemporain Le Village, à Bazouges-La-Pérouse et participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives en France.

Thierry Clech

Anaïs Touchot imagine une entreprise fictive comme différentes salles successives, salles d’attente. Comme dans une salle d’attente traditionnelle, vous trouverez à chaque étape : des magazines, des tableaux, des punchlines, des affiches de motivation, un panneau pédagogique, un design laid, des meubles de collectivité, des bandes sonores, fabriqués, pimpés par elle-même.
Comme on dit « deux salles deux ambiances », chaque salle aura un thème et un karma qui apportera sa pierre à la thérapie. Anaïs a pensé cette exposition à la manière de l’installation Coral Reef de Mike Nelson, dans le style de Francesco Finizio, alliant une approche pleine d’humour et d’auto-ironie qui initie des relations avec les objets et les produits de consommation. En les utilisant de manière non prescrite comme Shana Moulton avec un humour ironique, une sensibilité low-tech et pop. L’exposition se présente dans une esthétique plus précaire et se fond au monde du bien-être.
Avec des punchlines à la fois magico-politiques ou thérapeutiques, issues d’une surexploitation des codes de l’Art de la Communication; sans oublier le public, directement concerné, le visiteur doit traverser différents espaces, afin de procéder à chaque étape du désenchantement, tragique et comique.

L’inauguration de l’exposition aura lieu le samedi 15 janvier 2022 de 14h à 18h.