Arrivées au début du mois de janvier à Saint-Jacut-de-la-Mer, au cœur de la saison des tempêtes hivernales, Flore Chemin et Anna Ditscherlein sont en résidence aux APM-Résidences d’artistes pour trois mois. Après le passage des tempêtes Goretti, Nils puis Ingrid, les deux artistes ont poursuivi leurs recherches plastiques, durant cet hiver humide et venteux.

Dans l’atelier de Flore Chemin (née en 1989), l’eau semble traverser les formes et les paysages, à la fois comme matière et moteur de création. À travers des supports variés – bois, papier ou toile – les formes apparaissent progressivement, se croisent et se transforment, dans un équilibre entre pleins et vides, apparition et effacement. Une part de hasard participe au processus de création, laissant les éléments visuels se rencontrer librement. Sur les grands formats, le dessin se met lui aussi en mouvement. La lumière et le vent traversent les compositions pour faire naître une peinture colorée, marquée par des effets de flou et des formes en constante évolution. Son travail invite le regard à la contemplation et laisse une large place à l’imaginaire du spectateur. Flore Chemin est diplômée des Arts Décoratifs de Strasbourg en 2015, elle vit et travaille en Corrèze.

Le travail d’Anna Ditscherlein (née en 1986) se déploie en peinture de grand format. Ses œuvres donnent à voir des scènes en mouvement comme dans Monde centré où des figures humaines se rassemblent en rondes autour du soleil dans des paysages de forêt, faisant écho à la Danse de Henri Matisse (1909). Dans l’œuvre Chevaux de l’espace, l’artiste associe motifs géométriques et figures animales dans des compositions circulaires qui suggèrent un mouvement dansé et continu. Les éléments du paysage et les figures occupent également une place importante : personnages géants au bord de l’eau semblant s’élever vers les nuages et les silhouettes engagées dans des scènes de danse animale (Géantes), ou des formes canines déformées dans un espace qui rappelle la piste d’un cirque. Formée aux Beaux-Arts de Dresde et installée à Paris depuis 2022, Anna Ditscherlein développe une peinture vibrante, centrée sur le mouvement, la couleur et l’énergie des formes, inscrite dans l’héritage expressionniste.

Avec poésie et précision, Isabelle SIMLER explore l’architecture étonnante du monde animal. Ce ne sont pas tant les animaux eux-mêmes qui l’intéressent, mais les abris qu’ils se construisent : nids, terriers, toiles… autant de maisons pensées pour l’intimité de chacun.
Ses illustrations, fines comme des broderies, donnent à voir ces habitats comme autant de merveilles naturelles.
En jouant avec la langue française et le plaisir de la lecture à voix haute, elle invite petits et grands à rêver l’espace autrement – à hauteur de fourmi, de papillon ou d’aigle. Une exposition qui ouvre grand les portes de l’imaginaire, et donne à voir le monde comme un patchwork d’architectures vivantes.

Je suis une fissure, un autel, un bloc tombé du ciel.

Une exposition hybride et mouvante à la fois individuelle et collective, organisée par Le virage à la galerie Artem. Ambre Girault et Isaac Rineau Gaborieau partagent l’espace de la galerie Artem pour présenter leur travail, une expsotion, comme une phrase en 3 temps, à découvrir lors de 3 rendez-vous. Avec ce format d’exposition expérimental, Le virage soutient et accompagne le travail de jeunes artistes en proposant un focus sur leurs pratiques.

-Je suis une fissure, une exposition de Ambre Girault

Du 4 au 7 mars de 15 à 19h

vernissage le 5 mars à 18h

-Un autel, un duo show de Ambre Girault et Isaac Rineau Gaboriau

Du 11 au 14 mars de 15h à 19h

vernissage et performances le 12 mars à 18h

-Un bloc tombé du ciel, une exposition de Isaac Rineau Gaboriau

Du 18 au 21 mars, de 15h à 19h

vernissage le jeudi 19 mars à 18h

Du 23 février au 07 mars 2026, l’artiste plasticienne Sarah Lück investit le centre commercial Colombia pour une résidence de création ouverte au public. Son travail explore les notions de matière, de couleur, de transformation et de réemploi, à travers des pratiques de peinture, d’assemblage et de sculpture.
Les œuvres réalisées sur place sont conçues à partir de matériaux de récupération (plastique, métal, papier, textile, etc.), apportés par l’artiste et les visiteurs. Le public peut visiter l’exposition, rencontrer l’artiste, observer son processus de création et participer à des ateliers de création collective. Il est également possible d’apporter des matériaux recyclables selon une liste définie par l’artiste.

En partenariat avec le Centre Commercial Colombia, La Belle Dechette et La Bricole solidaire – Emmaüs Terre.
Avec le soutien du Géant des Beaux-Arts Rennes.

Les ateliers de Flore Chemin et Anna Ditscherlein seront ouverts le samedi 14 février de 14h30 à 18h. Les artistes vous présenteront leurs recherches artistiques ainsi que les œuvres en cours de réalisation.

Saint.e – Valentin.e

goûter d’adhésion, performances par Fanboy, Gwendal Coulon, Charlotte Delval, Michelle Feeley et oeuvres de Charlotte Delval et Lola Gonzàlez

de 14h à 19h

galerie Artem

16 rue Sainte-Catherine

29000 Quimper

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec les artistes Dany Guèble et François Jeune pour découvrir l’exposition “Japon en deux” de manière plus approfondie. 

>16h, gratuit, ouvert à tous

Xtophe, lauréat 2025 du Grand Prix de sculpture de Landivisiau, est installé en Bretagne depuis 2005.
« Je rencontre le travail du métal en 2011. Autodidacte, j’ai toujours eu de la créativité à revendre, accompagnée d’un besoin de poésie pour égayer cette folle vie. J’utilise principalement et en priorité des outils anciens, une source intarissable, un patrimoine délaissé ou jeté. […] J’aime travailler les formes singulières de ces outils, des pièces froides, rustres et peu avenantes au départ, pour obtenir une harmonie d’ensemble, une élégance, un mouvement… […] 

À l’étage, le sculpteur Vincent de Monpezat propose une exposition inédite.
À nouveau amène le visiteur à repenser son rapport au patrimoine, à la transmission, afin qu’il s’approprie à son tour un fragment d’une histoire reconstituée : l’abandon d’un lieu, la faïencerie Fouillen à Quimper, son oubli et sa découverte avant destruction.
À nouveau confronte le spectateur à deux réalités face à face : ce qui est et ce qui a été.

À première vue, ces photographies nous montrent une Amérique bien identifiable, sur un modèle empruntant au cinéma comme à la littérature.
Très vite pourtant, quelque chose manque. « Something’s wrong », écrivait Brice Matthieussent dans le texte accompagnant l’édition de ce projet.
Dans ce décor générique, on découvre des personnages absorbés en eux-mêmes, des petits bâtiments dont on ne voit pas les occupants, des bords de ville et des bouts de nature, mais rien ne communique.
Micro-récits évasifs, ces images forment moins une narration qu’un état des lieux où se concentrent provisoirement pensées et sensations diffuses, en écho peut-être à une culture qui réactualise sans cesse ses représentations.

Vingt ans après avoir fait le choix de nommer cette série Éden, face à cette Amérique devenue vestige, c’est plutôt le titre d’un vieux Conan Doyle qui vient à l’esprit, Le monde perdu.

En forme de post-scriptum, les tirages originaux d’Éden seront accompagnés d’images inédites, prises entre 2000 et 2019 en Californie, et exposées pour la première fois.
Les photographies réalisées entre 1999 et 2002 pour Éden ont été publiées en 2004 par les éditions Le Point du Jour.

Un paysage végétal à parcourir comme une promenade dans un univers poétique et onirique. Entre ancrage et élévation, les plantes, façonnées de branches de bouleau et de tissus d’écorce, se dressent ou flottent dans l’espace de la chapelle. Un moment immersif hors du temps, où l’imaginaire s’ouvre à chaque pas.

Temps d’échange ouvert à tou·te·s
Entrée libre

Cette rencontre propose d’explorer les liens entre création artistique, institutions publiques et politiques culturelles. Alors que l’idéal d’un service public de la culture pour tous·tes est trop souvent brandi comme un étendard, il serait disqualifiant, pour les artistes comme pour les institutions, de mener un travail associé aux pratiques de l’« animation socioculturelle ». À travers un retour historique et une recherche sur les travailleur·euse·s de l’art, cet échange sera l’occasion d’esquisser des chemins de traverse entre exigence esthétique et utilité sociale.

En présence de :

• Marjorie Glas est sociohistorienne et maîtresse de conférences à l’Université Lumière Lyon 2. Elle est l’autrice de Quand l’art chasse le populaire : socio-histoire du théâtre en France depuis 1945 (2023, Marseille : Agone, Coll. L’Epreuve des faits)
• Mélio Villemot est plasticien et chercheur en sociologie des arts et du travail créateur. Il est membre de La Buse. Il a publié Les artistes peuvent-ils faire autre chose que de l’art ? : enquête auprès de créateurs démissionnaires des réseaux institutionnels de l’art contemporain (2025, Paris : L’Harmattan, Coll. Prix scientifique)
• Thomas Tudoux est artiste. Dans ses créations plastiques et sociales, il provoque des expériences en invitant à faire des pas de côté, à jouer avec les règles, ou à coécrire des fictions inspirées de nos réalités sociales. Il termine une résidence de recherche et de création aux Archives de la critique d’art. Celle-ci s’intitule « Evaluer l’art ».

Grâce au soutien de la Ville de Rennes, les Archives de la critique d’art accueillent des artistes en résidence. Ce fut le cas de Camille Bondon (2020), Mathis Berchery (2021), Fanny Gicquel (2022) et Thomas Tudoux (2023-24). Mis en relation avec les documents officiels, professionnels et personnels liés à l’activité des critiques d’art conservés dans les collections de l’INHA – Archives de la critique d’art, les artistes se voient offert l’accès à des ressources uniques en leur genre et à un cadre institutionnel dans lequel ils peuvent développer pendant un an une recherche créative.
Thomas Tudoux s’est saisi des Archives de la critique d’art à un moment où celles-ci sont confrontées à de nouveaux défis face à un contexte institutionnel, scientifique et culturel en transformation.  « Penser critique » et « évaluer l’art » constituent les deux piliers de sa recherche.

        Evènement organisé par les Archives de la critique d’art en partenariat avec L’Hôtel Pasteur

Diplômé de l’ESAM Caen-Cherbourg en 2014, Thomas AURIOL vit et travaille à Saint-Quay-Portrieux. Thomas Auriol traverse des paysages et ses peintures prolongent ce désir d’exploration. Il pense son travail de ces dernières années comme un journal de bord à la fois documentaire et onirique. Des nuits d’Ibiza jusqu’aux fjords Islandais, Thomas Auriol nous embarque dans une peinture en fusion.
Son travail a été présenté lors d’expositions personnelles en France, en Espagne ainsi qu’en Chine. Il a aussi participé à diverses expositions collectives, Novembre à Vitry et Jeune Création en France ainsi qu’en Suisse et en Roumanie. Il a été en résidence au domaine de Kerguéhennec, à Yishu 8, Pékin ainsi qu’à bord du trimaran Arctic Lab, naviguant depuis la France jusqu’aux Fjords de l’ouest en Islande.

Avec l’aide individuelle à la création de la DRAC Bretagne.

De l’Anthropocène à une poétique de la ruine, Gabrielle Decazes avance une réflexion sur l’empreinte de l’homme sur le monde, et des questionnements tant sur les origines de ce dernier que sur son devenir. Évoluant avec la variété des matériaux – bétons, papiers, graphite – et des techniques – sculpture, dessin, installation- son travail interroge les formes du paysage entre temps géologique et temps humain. S’inspirant aussi bien des sciences naturelles que de l’architecture, elle utilise plusieurs techniques empruntées à la construction, à l’archéologie ou bien au bricolage.

Le thème de la disparition tisse une trame dans chacune de ses oeuvres en tant que sujet, phénomène, geste, comme une perpétuelle quête de sens, une mélancolie, teintée de romantisme.
Ici gisent les dragons propose ainsi un récit aquatique dans lequel surgissent tantôt des îles fantomatiques, des monstres marins ou des créatures mystérieuses. Hic sunt dracones (ici vivent les dragons) avertissait les navigateurs occidentaux du danger de contrées inexplorées dans la cartographie médiévale. Dans l’espace de l’exposition, Gabrielle Decazes convoque les mythes pour mieux les abolir, nulles terres inexplorées n’existent désormais, notre siècle achève de dessiner les contours de la terre. Le spectateur est ainsi invité à déambuler dans une mise en scène où se côtoient deux mondes, l’ancien, révolu, et le contemporain, monde duquel nous arpentons déjà les vestiges. Par plusieurs moyens d’appropriation, les oeuvres voilent et dévoilent tour à tour l’invisible; jouant avec les illusions, détournant les codes de représentation. Les éléments naturels sont mis à l’échelle, standardisés, brouillent les pistes entre différentes temporalités et origines, et nous rappellent que le paysage est avant tout une construction du regard. Tel un rituel, l’artiste vient clore les yeux des monstres, tandis que nous portons notre attention aux signes d’un monde qui s’use et tend à disparaître. Le paysage laisse couler la matérialité des supports, la fluidité des éléments, et devient alors art divinatoire.

À l’image de la fractographie scientifique qui étudie les ruptures des matériaux, Pascal Jounier Trémelo se saisit de fissures fortuites, traces discrètes d’une histoire de la matière. Par le prélèvement, la reproduction et le « traînage », il transforme ces lignes en un vocabulaire formel où gestes maîtrisés et hasard coexistent. Inspiré des savoir-faire du bâtiment, du moulage d’art et du staff, il développe une pratique sculpturale complétée depuis 2020 par le dessin.

Ses œuvres rendent perceptibles les changements d’état – liquéfactions, accumulations, contraintes, agrégations – comme autant de métamorphoses capturées. Mêlant rigueur des protocoles et accueil de l’accident, il révèle le potentiel expressif des formes les plus modestes : un fragment d’étoffe moulé devient un relief rocheux, une fissure suggère un paysage. Héritières de la sculpture, de l’architecture et des sciences du vivant, ses pièces invitent à contempler une matière en transformation constante.

Visuel Flore Chemin : Le fils du clou, 2025, huile sur toile, 50×60 cm

Visuel Anna Ditscherlein : Primavera and Butterfly Man, 2025, huile sur toile, 140×95 cm