L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection de l’artothèque en lien avec l’exposition “Souvenir d’une vague”.

>Gratuit, ouvert à tous

Une exposition de peintures des artistes venus travailler et vivre à Saint-Jacut-de-la-Mer de janvier à mars 2025. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été produites pendant la résidence.

L’exposition explore les frontières entre le visible et l’invisible. Une rencontre entre deux visions distinctes mais complémentaires de l’imaginaire : l’une qui sanctifie le quotidien et l’autre qui nous plonge dans l’invisible.

Clémence Bruno est diplômée de l’école des beaux-arts de Marseille en 2024, où elle vit et travaille. Durant sa résidence, elle s’intéresse à la figure de Marie-Madeleine et ses interprétations multiples (pécheresse repentie, amie proche du Christ) et comme figure mystique et symbolique dans l’histoire religieuse et artistique. Elle réinterprète son image en interrogeant la figure du double. Ses peintures revisitent les sujets de l’histoire de l’art et les traitent avec décalage et humour. Clémence développe une série de peintures durant sa résidence, où elle choisit de « faire pleurer les garçons ». En lien avec Marie-Madeleine et comme un pied de nez à l’histoire de l’art, elle montre la vulnérabilité masculine. Sa peinture figurative renvoie aux codes historiques de la représentation augmentée d’une dimension personnelle et contemporaine.

Vincent Girard est diplômé de l’école des beaux-arts de Caen en 2021, il vit et travaille à Rennes. La peinture de Vincent Girard est imprégnée de ses recherches historiques et de son appréhension des paysages de Saint-Jacut-de-la-Mer et des alentours. Le mystère qui se dégage de ses peintures, accentué par les lumières étranges, les apparitions et l’atmosphère, renvoie à l’univers du fantastique. Il puise aussi son inspiration dans le folklore, un terreau riche en mythes et légendes, mais aussi dans les peintures de paysages des peintres bretons. Ses peintures sont un pont entre le passé, les lieux mythiques et l’imaginaire collectif.

Février 2025

PROJECTION-RENCONTRE de L’Académie de la croûte et LANCEMENT du catalogue Croûtes à succès, le 6 mars 2025, à 18h au Tambour, campus Villejean, université Rennes 2.

Avec Baptiste Brun, Anne Dary, Hilary Galbreaith, Isabelle Henrion et animé par Émeline Jaret

À l’université Rennes 2, la galerie art & essai et Anaïs Touchot vous invitent à une soirée de projection-rencontre autour de L’Académie de la croûte et de sa réactivation ! Le 6 mars 2025, l’événement sera accompagné du lancement du catalogue  Croûtes à succès, réalisé par Anaïs Touchot en collaboration avec Camille Depalle. Édité par la galerie art & essai, ce catalogue et l’ensemble du projet permettent à l’artiste de poursuivre son exploration des nouvelles des nouvelles frontières artistiques et sociales, guidée par la volonté de rafraîchir la définition de ce que signifie « être artiste ».

Anaïs Touchot est née en 1987 à Dinan, elle vit et travaille à Brest. Dans sa pratique, elle déplie des espaces temporaires où elle se plaît à fusionner des services et des codes a priori éloignés. Sa Psyzzeria (2020), soirée thérapie et pizza, son salon de peinture sur ongle de toiles du XXe siècle appelé Travailleur de beauté (2019), ou encore le stand de rue où les passant·es se font tirer un portrait tant physique que psychique (2022), sont autant de prétextes pour initier un dialogue et se jouer des fonctions attendues de l’art et des artistes. Par un système de réemploi, de copie, et de bricolages, Anaïs Touchot compose un langage spontané qui détourne les slogans publicitaires et parodie le marketing du bien-être.

Entrée libre sur réservation :

https://www.eventbrite.com/e/soiree-de-projection-rencontre-anais-touchot-lacademie-de-la-croute-tickets-1248303753129

François Ravard est auteur, illustrateur et aquarelliste. Il collabore avec de nombreuses maisons d’édition comme Flammarion, Gallimard, Casterman, Fluide Glacial et Futuropolis et magazines. Il a publié une quarantaine de bandes dessinées et d’albums jeunesse. Son plus récent, “Sur le chemin de Reinette” est paru en 2024. François Ravard vit à Dinard depuis 2012. Ses recueils de dessins poétiques “Pas un jour sans soleil” (2018) et “Vague d’amour” (2021) publiés aux éditions Glénat, témoignent de son amour pour le littoral de la région.

Pour Cédric WITTEBOLLE, lauréat 2024 du Grand Prix de sculpture, le bois raconte une histoire, riche des essences, des couleurs, des contrastes, mais aussi des fibres, des fragilités, des blessures du temps.

« Je délimite, je fracture, j’incise, je carbonise, je peins…
Je plonge dans l’écriture organique du bois que j’hybride, avec douceur ou violence, à mon imagination. Je dialogue avec les courbes, les volumes, les aspérités et les couleurs, pour régénérer un être, un paysage, une pensée… un état d’âme. »

À l’étage, nous vous invitons à (re)découvrir la vie et le travail du sculpteur Roger JONCOURT (1932-2023). Depuis des années, ses œuvres prennent une place particulière dans la vie des Landivisiens : le cheval évidemment, mais aussi la statue de Xavier Grall ou la fontaine, près de la bibliothèque. Roger Joncourt a été le cofondateur du Salon de Sculpture. Avec la complicité de son fils Loïc, nous avons souhaité lui rendre hommage. Sculptures, croquis, articles de presse, anecdotes, reconstitutions apportent un nouveau regard sur son parcours. Exposition réalisée par l’Agence Violaine Pierret, Morlaix.

A selection of works from the Frac Bretagne and Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine collections

Combining the themes of Dehors! (the commune’s cultural program) and marine animals (the subject of work at the La Vigie municipal school), the exhibition of works from the collections of Frac Bretagne and the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine offers a combination of fascinating artistic proposals.

Admirable and astonishing things, people from the abyss or creatures from daydreams, space inside or outside, silences and sound effects, all ingredients come together to build a fabulous world.

Inspired by picture books or scientific research, or created from scratch by an overflowing imagination, the artists’ proposals invite us to plunge into a fantastic universe that tilts us into a parallel world.

To rebuild the world, consolidate life or re-enchant it, the works propose alternatives, towards a lost paradise, rediscovered!

Depuis 1997, Gaëlle Callac écrit, dessine, colle et découpe, photographie, filme. Abécédaire, trèfle à quatre feuilles, pages de titres, saynètes. Il y a chez elle une alchimie de la collecte, socle de ses images. Depuis 2014, Ilann Vogt tisse à la main des textes découpés en lamelles pour réaliser des oeuvres uniques inspirées de la nature du texte originel. Si les pages sont lacérées, les mots conservent toujours leur intégrité.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec l’artiste Lorène Rouleau pour découvrir l’exposition “Souvenir d’une vague” plus en détail.

>17h, gratuit, ouvert à tous

Les ateliers de Clémence Bruno & Vincent Girard seront ouverts le samedi 08 février de 14h30 à 18h.
Les artistes vous présenteront leurs recherches artistiques ainsi que les œuvres en cours de réalisation.

Au travers d’une installation en mouvement qui se déploie dans tout l’espace du centre d’art et qui inclut verres industriels et soufflés, images en transparence, lumières colorées, graines anciennes et récits plurilingues, Euridice Zaituna Kala donne voix à ceux qu’on n’entend pas, peu ou plus : le fleuve en partie enfermé, les espèces endémiques rejetées, les ancêtres oubliés ou dont les récits ont été recouverts par d’autres récits (tels le développement urbain, le pétro-capitalisme ou encore la langue française). Pour construire l’exposition Daylighting, mais c’est l’eau qui parle à La Criée, Euridice Zaituna Kala a parcouru Rennes et entamé un dialogue avec certains des éléments qui composent la ville : son fleuve, ses architectures de verre et de pierre, ses populations et ses plantes oubliées, ses transparences et ses reflets. Il s’agit d’un dialogue fait à la fois d’intériorités et d’extériorités, d’éléments objectifs et subjectifs, de récits et d’images.

A selection of works from the Frac Bretagne and Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine collections

Does talking about the sea when you live on the coast produce the same message as when you’re there temporarily on vacation?
Do vacations by the sea, with my brother, my sister, my mother, have the same flavor as a daily life lived on the coast?
This is the question raised by the theme of this exhibition, like a challenge to the works.
Through a multi-faceted selection of sculptures and installations, drawings, paintings, films and photographs, works from the collections of the Frac Bretagne and the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille-et-Vilaine, invite us to reflect on how we write the story of our lives.
From gentle sunsets under Sugar and Cream to introspective moments of meditation on the course of things, from mad surfing sessions to long, leisurely strolls along the “chemin des douaniers”, life by the sea is a mix of unforgettable memories and simple moments of bliss.
From the top of an observatory or low on the sand, the story is there, accessible to everyone, within reach of experience, ready to emerge from our simplest and wildest feelings.

Get out your pens and smartphones! Start writing postcards and other text messages, and let your inspiration flow from your visit to this travel exhibition.

It’s a political, vital intranquillity that drives me in an attempt to keep the Earth from rotating. In this title, taken from the text Dans le sommeil d’un nouveau-né (In the sleep of a newborn baby) that Laura Vazquez composed for the exhibition, I feel an injunction to act: wake up, don’t close your eyes. There’s no time. No time to let history be written without me, without us. The origin of this exhibition lies in the observation of a missing voice, of absent representations, of the gap and the collective lapse of memory. And it’s the shared desire to see it as a space for fiction with real potential. Here, the stories of minority communities, often erased or invisibilized by dominant narratives, are reinvested through works that breathe new life into silent voices.

Rewriting, parody and sampling offer a vast field for experimentation and play. These practices of image or gesture production invite us to trick dominant or normative narratives into saying what they don’t say in the first place. By attacking myths in particular, the artists create new worlds on ground that has been ploughed a thousand times over. Or sometimes, they invent entirely new ones. They hybridize dominant figures with marginalized histories to generate counter-spaces for resistance and transformation.

The motif of loss –as well as of fragment– persists at the very heart. History is fragmented, and memory partial. The exhibition invites us to trace links between past and present, and to embrace forgetfulness with open arms, as catalysts of imaginaries and virtualities. A temporal collision that is essential for releasing new perspectives and creating the tidal wave that will allow us to start all over again.

This exhibition takes place in two locations, at almost the same time, with the same artists. It sets out a principle of experimentation, reaffirming that the exhibition as form and discourse is a space for testing. It invites the public to mentally rearrange each of the two proposals as they wish, and to consider the variants as potential trajectories.

By putting marginalized voices back at the center, by giving strength and autonomy to their discourses, particularly through works that propose protocols to be appropriated and reproduced by oneself, the exhibition reminds the public of its power and its potential to act, as a producer of knowledge, memories and representations beyond institutional spaces. It calls for a redefinition of the collective memory to pave the way for futures to be written.

Karin Schlageter

The exhibition takes place at 40mcube (Rennes) and at Mécènes du Sud (Montpellier)
40mcube – 48, avenue Sergent Maginot – 35000 Rennes – Exhibition: February 1st – April 12, 2025
Mécènes du Sud – 13, rue des Balances – 34000 Montpellier – February 13 – May 10, 2025

¡Viva Villa!

¡Viva Villa! is the event for French artistic residencies abroad. This innovative program is the result of collaboration between Casa de Velázquez (Madrid, Spain), Villa Albertine (USA), Villa Kujoyama (Kyoto, Japan) and Villa Medici (Rome, Italy).

Born in 2016 as a festival, ¡Viva Villa! has evolved into a real launching platform for artists, promoting networking and enhancing their post-residency careers. Since 2023, ¡Viva Villa! has supported the production and dissemination of contemporary art through a nationwide program of events. Through this program of support for contemporary artistic production and diffusion, ¡Viva Villa! co-produces cultural events that showcase artists’ careers after their residencies.

For the 2024-2025 season, ¡Viva Villa! is rolling out across France with 13 events involving over 80 artists who have spent time in one of the four residencies abroad. Alongside this program, each year the Gaîté Lyrique in Paris hosts a major professional event bringing together artists and researchers from the four residencies.

With the support of the Ministry of Culture, the Ministry of Europe and Foreign Affairs, the Ministry of Higher Education and Research, the Académie des Beaux-Arts, the Région Sud, the Institut français, the Fondation Bettencourt Schueller, the Fondation Roederer and Ardian.

Des fleurs sont envoyées chaque semaine accompagnées d’une carte sur laquelle est écrit « Félicitations ». Une réactivation de Congratulations (1995) de l’artiste états-unien Ben Kinmont dans le hall d’accueil de la bibliothèque universitaire centrale.

En 2016, le travail de Ben Kinmont a fait l’objet d’une double exposition à la galerie art & essai (commissariat Master Métiers et arts de l’exposition) et au Cabinet du livre d’artiste de l’université Rennes 2, suivie d’une acquisition de deux archives par le Frac Bretagne (Bed Service, 1994 et Catalytic Texts Box, 2016). En 2025, la galerie art & essai célèbre ses 40 ans d’existence, en revenant sur son premier lieu d’exposition : le hall d’accueil de la bibliothèque universitaire et revisite son histoire à travers ses archives conservées au Frac Bretagne. La réactivation de Congratulations (1995) dans le hall d’accueil de la bibliothèque dont les félicitations sont adressées en premier lieu aux usager·ères et personnels de la bibliothèque mais aussi aux visiteur·ses de la galerie affranchie de ses murs est l’occasion de réactiver ces histoires multiples dans un contexte d’extrême fragilisation économique des biens collectifs et de réinvention nécessaire des rapports interpersonnels.

Ben Kinmont

Né en 1963 à Burlington dans le Vermont, Ben Kinmont est un artiste états-unien, éditeur (Antinomian Press) et libraire spécialisé dans les livres anciens sur la gastronomie et l’économie domestique (Ben Kinmont Bookseller). Il vit et travaille à Sébastopol en Californie.

Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques et collectives dans des institutions au rayonnement international (Documenta 11, Kassel ; Institute of Contemporary Art, Londres ; Centre Pompidou, Paris ; SFMOMA, San Francisco…), mais invitant le plus souvent les spectateur·ices à en sortir et à porter attention aux marges, par la mise en circulation d’éditions autonomes et d’actions partagées. À la fois dedans et en dehors, sa position singulière dans le champ de l’art contemporain est nourrie par la pensée anarchiste des antinomiens anglais du 17^e siècle et la contre-culture californienne des années 1970 dans laquelle il grandit, lui permettant d’interroger les modes de subsistance et d’existence libre et autonome dans une économie capitaliste.

Au cœur des décennies 1980–1990, Philippe Thomas choisit d’investir le champ de l’art pour expérimenter une fiction du faire dont l’enjeu est double : réviser le statut et l’identité de l’auteur·e en interrogeant la dimension discursive de l’œuvre d’art. Nourrie de la lecture de textes émanant du champ des sciences humaines et sociales, comme de références artistiques, littéraires ou cinématographiques, la démarche de Philippe Thomas s’appuie sur une pratique de la citation qui envahit tant l’œuvre que ses marges. Dans le Hall Faulkner de la BU Centrale, la galerie art & essai reconstitue la bibliothèque de Philippe Thomas à partir des collections de la bibliothèque universitaire. Organisée autour d’une œuvre emblématique de Philippe Thomas, cette bibliothèque incomplète compose un cabinet de lectures à réactiver pour une histoire de l’art [qui] cherche des personnages. 

Artiste français né en 1951, Philippe Thomas décède en 1995 des suites du SIDA. En 1977, il choisit le monde de l’art comme terrain de jeu pour produire une œuvre qui organise la disparition de son nom en tant qu’auteur. Après avoir participé à la fondation du collectif Information Fiction Publicité avec Jean-François Brun et Dominique Pasqualini (1983-1985), il imagine le projet du Fictionnalisme, qui jette les bases de son protocole de travail en collaboration. Désormais, chacun de ses projets sera signé par un·e collectionneur·euse qui, par cette transaction financière, accepte d’en assumer la responsabilité auctoriale. Dès 1987, Philippe Thomas met en œuvre ce principe via son agence les ready-made appartiennent à tout le monde®, qui comptera une soixantaine de signataires, avant sa fermeture en 1993-1994.

Exposition de restitution de fin de résidence artistique à La Grange de Fanny Latgé

Dans leur cocon de papier peint

Les affections se libèrent

S’enhardissent et rugissent

Domestiquées redeviennent fauves

Et ruissellent sur les pavés détrempés

Les placards s’entrouvrent

Les reines s’engouffrent dans les brèches

Et font tout voler aux éclats

Fanny Latgé

J’ai imaginé cette exposition comme un voyage, une plongée dans une mer fantasmagorique. L’ensemble des pièces crée un paysage maritime s’inspirant d’un réel qui devient fictif par les transformations graphiques que j’y apporte. Ainsi dans des forêts aquatiques se retrouvent des sardines pour boire un coup, tandis qu’au- dessus d’elles, des corps se dessinent au gré de l’eau.

En 2024, grâce au dispositif d’Aide à l’accompagnement des jeunes artistes plasticien.ne.s en Bretagne, avec le soutien de la Région Bretagne, Espace d’apparence a épaulé François Chemin dans la poursuite de ce projet sur le territoire spécifique des Abers.

La Cartographie du territoire entropique s’est ainsi enrichie de la réalisation d’un film tourné sur pellicules super 8 et dont la bande-son est pressée sur vinyle. Les bobines et le vinyle ont passé 10 jours enfouis dans le terrain sableux attenant à la Maison des Abers – Ti an Aberioù avant d’être déterrés.

Mercredi 15 janvier à 18h, à  l’occasion du vernissage de l’exposition Cartographie du territoire entropique à la galerie Les Abords de l’Université de Bretagne occidentale, l’artiste réalisera une performance lors de laquelle le film super 8 et sa bande son seront exceptionnellement diffusés. Le public pourra ici découvrir le témoignage de l’entropie sur ces supports analogiques dont il résulte des ruines d’images de ruines.

Cette action sera suivie de la projection du film documentant l’ensemble du projet mené par l’artiste sur le territoire des Abers. Ce dernier sera projeté en boucle durant tout le temps de l’exposition.

L’exposition “Cartographie du territoire entropique” de François Chemin se tiendra à la galerie Les Abords du 16 janvier au 07 février 2025.

À PROPOS DU PROJET CARTOGRAPHIE DU TERRITOIRE ENTROPIQUE DE FRANÇOIS CHEMIN

L’entropie implique que toute énergie et toute matière tend à disparaître par “mort thermique”. Cependant, nos perceptions des environnements reposent sur des principes anthropocentriques, nous poussant à ignorer dans notre pratique quotidienne des territoires cette vérité universelle d’une chute continue “au centre des choses qui tombent” (Albert Camus, Noces à Tipasa, 1938).
C’est en réponse à ce phénomène que l’artiste rennais François Chemin réalise une cartographie où les territoires se révèlent grâce à des relevés photographiques, sonores et cinématographiques, de manifestations de l’entropie, qu’elle soit matérielle, tels les bunkers ou d’ordre culturel, immatériel, tels les mégalithes.

La série de photos baptisée Exubérance, réalisée par l’artiste, porte un regard à part sur la pomme de terre. Au-delà même du tubercule et de sa destination en tant que semence agricole, Robert Gernot la met en scène, littéralement. Posée, suspendue, en plans rapprochés, avec une lumière vive, les patates en germination se transforment en différents bestiaires où d’étranges créatures, tantôt animales, tantôt végétales, viennent habiter notre regard.

Il y a quelque chose d’inattendu dans ces images, de précieux, dans le détournement même de la nature de la patate quand elle en vient à germer en libérant une incroyable force de vie.

Les deux artistes ont travaillé et vécu à Saint-Jacut-de-la-Mer durant ces trois derniers mois. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été produites pendant la résidence.

Olga Boudin est diplômée de l’école des beaux-arts de Paris en 2018, elle vit et travaille à Lacelle en Corrèze.

Elle est peintre et travaille ses sujets à l’atelier. Elle observe son environnement et compose à partir d’objets du quotidien.

Durant sa résidence, elle a débuté par l’observation des paysages avoisinant l’atelier : les jardins de la Résidence SNCF où les APM sont installés. Elle a augmenté ses recherches, en glanant des objets simples, utilitaires et domestiques comme l’assiette, l’ail, la banane, le tissu, la chaise, etc. Elle peint ces natures mortes et mêle les motifs, les végétaux, pour créer de nouveaux espaces sensibles. Sa manière de peindre nous renvoie à l’histoire de l’art, depuis les fresques de Pompéi jusqu’à Matisse. A rebours d’un monde actuel mouvementé, Olga aime se concentrer sur des sujets calmes et banals. Elle les peint avec une grande sensibilité, et nous les donne à voir magnifiés.

Marie-Cécile Marques est diplômée de l’école des beaux-arts de Paris en 2022, elle vit et travaille en région parisienne.

Elle explore, expérimente, récupère, compose, dispose, modifie, retouche, construit en volume, dessine et peint. Son travail est empreint de sensation et d’énergie grâce à l’utilisation de couleurs vives. Ses inspirations et découvertes se sont posées quotidiennement sur des supports format A4. A Saint-Jacut, elle multiplie les sujets maritimes et ruraux qu’elle traverse durant son séjour. Elle prolonge ses recherches dans l’histoire de l’art des peintres de la Côte d’Émeraude et synthétise à sa manière les sujets bretons. A l’atelier, tous les objets glanés, chinés ici et là deviennent sujets à des nouvelles scènes, que Marie-Cécile construit en volume puis qu’elle peint, construisant ainsi des nouvelles histoires.

Novembre 2024

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection de l’artothèque en lien avec l’exposition de l’Atelier Bingo et Idir Davaine. 

>Gratuit, ouvert à tous

The Net Plus gallery and the association Les ailes de Caius are pleased to present Pneuma, a collective exhibition dedicated to young creation. The five winners of the call for applications are all, by the greatest of mishaps, linked to animality, whether through the materials they use or figuration via various mediums. Pneuma (πνεῦ μα) is an ancient Greek word meaning “breath”. Pneuma is the warm breath of life, this moist breath that refers to a biological existence and therefore to a palpitation. From the fantastic bestiary of Jules Le Maut to the landscapes of fires carried by the winds of Tom Nadam, the breath of life is a common root to the five artists exhibited. Sharing a sensitive vision of the beings around them, they intermingle their respective practices and universes to weave a collective imaginary dream at the borders of reality.

Dans la continuité du programme « De la nature », Espace d’apparence s’associe à l’Université de Bretagne occidentale (UBO), l’École européenne supérieure d’art de Bretagne (EESAB) – site de Brest, la librairie Dialogues et au Conservatoire botanique national (CBN) de Brest, pour accueillir le jardinier-paysagiste, artiste et auteur Gilles Clément.
Deux jours d’échanges avec le public et les étudiant.e.s pour mieux connaître cette figure singulière en quête d’une écologie humaniste, et appréhender les concepts qui ont contribué à sa notoriété de jardinier planétaire.

/////////////////// À PROPOS DE GILLES CLÉMENT

Après une formation comme ingénieur horticole (1967) et paysagiste (1969), Gilles Clément conçoit et réalise des parcs, des jardins, des espaces publics et privés. En parallèle de son activité de concepteur, il enseigne jusqu’en 2012 à l’École nationale supérieure du paysage de Versailles. Il poursuit aujourd’hui son activité de pédagogue lors d’ateliers en Italie, Espagne et France.
Gilles Clément est l’auteur de plusieurs concepts qui ont marqué les acteurs du paysage de la fin du XXe siècle et du début de ce XXIe siècle. Son intervention au parc André-Citroën à Paris, première application de l’idée du Jardin en Mouvement, l’exposition sur Le Jardin planétaire dont il a été commissaire en 1999 à la Grande Halle de la Villette à Paris, ses nombreux écrits, qui constituent une œuvre à la fois théorique et littéraire, l’ont rendu célèbre auprès du grand public.
Le « Toit de la Base sous-marine » de Saint Nazaire où il conçoit son premier Jardin du Tiers-Paysage (2009), l’exposition itinérante « Toujours la vie invente », créée en 2013 à Saint-Benoît du Sault, et qui fut présentée en 2017 au parc du Domaine de Trévarez en Bretagne, sont d’autres projets parmi les plus connus.
Ses réalisations récentes sont les « Jardins de l’Abbaye de Noirlac » et la mise en œuvre du « Jardin Vivienne » pour la BNF à Paris et du « Cercle immense » à la Saline royale d’Arc et Senans, ou encore l’exposition « La préséance du vivant » en collaboration avec l’agence Coloco dans le cadre de la Biennale d’architecture et de Paysage 2022 de Versailles.
Dernièrement, il a accompagné l’aménagement paysager des nouveaux bâtiments administratifs du Conservatoire botanique national de Brest.
Plusieurs prix consacrent son œuvre dont le Grand prix du paysage en 1998.

/////////////////// PROGRAMME PUBLIC

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PROJECTION : DOCUMENTAIRE “LE JARDIN EN MOUVEMENT, GILLES CLÉMENT”
Documentaire écrit et réalisé par Olivier Comte – A.P.R.E.S. Production, France, 2013, 52 minutes.

EESAB – site de Brest

rue du Château

18h

COMPLET

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CONFÉRENCE : URGENCE, ÉMOTION, LIENS AVEC LE VIVANT

Faculté Vicor Segalen (UBO)  — Brest

rue Duquesne

18h

Introduction : Françoise Terret-Daniel, historienne de l’art.

Participation libre

Entrée libre dans la limite des places disponibles

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RENCONTRE LITTÉRAIRE

Librairie Dialogues — Café de la librairie — Parvis Marie-Paule Kermarec — Square Mgr Roull — Brest

18h00

Gratuit

Inscription dans la limite des places disponibles à l’adresse : librairiedialogues.fr/rencontre

/////////////////// PROGRAMME PÉDAGOGIQUE

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Rencontre avec Atelier Téméraire et Burn~Août à l’occasion de l’exposition « Quels problèmes les artistes éditeurices peuvent-iels résoudre ? » au Cabinet du livre d’artiste de l’université Rennes 2.

Cette exposition s’intéresse aux formes de productions collectives dans les publications d’artistes récentes comme espaces d’un faire ensemble renouvelé. Elle propose une sélection d’éditions et d’ephemera comme autant d’exemples où la publication possède un rôle central dans la construction et la vie d’un collectif artistique. Empruntant son titre à la publication de l’un des collectifs invités, elle met en relation les formes produites et les modalités d’organisation de ces collectifs qui témoignent de l’actualité de l’art à travers ses enjeux plastiques, économiques et politiques.

Du 25 novembre au 13 décembre 2024, la galerie art & essai invite Anaïs Touchot à présenter sa collection de « Croûtes à succès ». Pour Anaïs Touchot, la figure du peintre s’est imposée naturellement pour traiter des clichés du métier artistique et esquisser des pistes de renouvellement du statut de l’artiste, de ses compétences et/ou de son charlatanisme supposé. Dans « Croûtes à succès », elle met en scène une série de peintures d’autres mains que les siennes, réalisées par des amateur·rices et chinées chez Emmaüs ou sur Le Bon coin. Installée en plein air, en transformant les parois extérieures de l’Esperluette (espace hors les murs de la galerie art & essai) en cimaises, l’exposition présente près d’une centaine de toiles (portraits, natures mortes, paysages) dans un dispositif à mi-chemin entre le Salon des peintres modernes et la Foire d’art contemporain.

* L’exposition est un prélude à la projection et la réactivation de L’Académie de la croûte d’Anaïs Touchot, qui aura lieu au Tambour (campus Villejean) le 6 mars 2025 à 18h, avec Baptiste Brun, Anne Dary, Hilary Galbreaith, Isabelle Henrion et animé par Émeline Jaret.

Projection du film “Le Jardin des Hespérides” et rencontre avec le réalisateur, Eliott Mattiussi, dans le cadre du Mois du Doc en co-organisation avec l’association L’Ambulante.

Le Jardin des Hespérides
Elliott Mattiussi
(France • 2023 • 90’ • La Société des Apaches)
Depuis plus de quarante ans, Robert se bat corps et âme pour faire reconnaître un tableau qu’il attribue à Nicolas Poussin. Dans la pénombre de son bureau, entouré de ses archives scrupuleusement consignées, il évoque l’histoire de sa quête. La toile accueille les récits de l’homme qui tente d’en découvrir tous les secrets et se transforme peu à peu en une véritable machine à penser et à rêver.

Lundi 18 nov. 18h
Gratuit dans la limite des places disponibles

Enora Lalet est plasticienne culinaire, ayant fait de la nourriture son matériau de prédilection.

Depuis 15 ans, elle décline sa série de Portraits Cuisinés que nous vous invitons à découvrir.

Grande voyageuse, l’artiste a beaucoup travaillé à l’étranger où elle applique le même modus operandi méticuleux : observation des codes gastronomiques, réalisation de croquis préparatoires, collecte des matériaux et de motifs, confection de parures du corps, peinture corporelle… Ses mises en scènes oniriques viennent questionner les croyances alimentaires, ainsi que nos identités culinaires, culturelles, sociales.

Muni.e.s d’un simple caméscope, Claire Guetta et Morgan Azaroff capturent, jouent et rejouent des moments de vie quotidienne, des discussions, des gestes, des rêveries.
Iels filment leur corps et ceux de leurs proches dans une relation à l’espace intime, aux objets et au contexte social, politique et médiatique.
Des évènements banals à la fois drôles et dramatiques les amènent à des situations magiques basculant du réel à un récit surnaturel et extra-ordinaire.
Claire et Morgan explorent des moments de vie, de travail, avec ses phases de joie et de failures pour emmener cette réalité vers un espace imaginaire ouvert où les références à la culture populaire et mainstream surgissent.

La galerie art & essai invite Ines Dobelle pour une résidence de recherche et de création. Utilisant le campus universitaire comme un laboratoire personnel, Ines Dobelle construit sa recherche à partir des lieux d’interaction du campus, ces espaces interstitiels qui rythment la vie universitaire de ses usager·ères au-delà des temps de formation ou des enseignements. Pourquoi ne pas faire du Restaurant Universitaire sa nouvelle cantine ? Ines Dobelle opérera au sein de cet espace nourricier, au sens littéral du terme, afin de voir comment des œuvres, des gestes et des récits peuvent s’y inscrire et plus largement comment l’art peut s’infiltrer en dehors des cadres de monstration préétablis.

Née en 1990 en Jordanie, Ines Dobelle est diplômée des Beaux-Arts de Paris et se forme en regardant beaucoup de tutos sur Internet. Elle se définit comme une « polycultrice » qui décloisonne les genres et emploie différents modes d’expression. Ses recherches portent notamment sur la culture de l’apparence, l’exposition de l’intime et du domestique, sur la frontière glissante entre espace privé et public. Parallèlement à sa pratique artistique, elle est membre de La Collective, groupement nomade de travailleur·ses de l’art, animé par le désir de questionner les certitudes et l’envie de rebattre les cartes.

Un moment privilégié pour rencontrer les artistes et découvrir l’exposition et leur nouvelle édition.

>14h, gratuit, ouvert à tous

All affairs have their share of ambivalence. Their mysteries and their sudden twists and turns. Their secrets and their revelations, both intimate and public, at one and the same time sensational and discreet. They never reveal themselves totally, they may never perhaps be completely resolved. They are little stories that mingle with bigger ones. They are knots to be undone to decipher lines and endings, links and ruptures, responses and yet more questions.

The affair we are dealing with here is no exception to the rule. It is all about lines crossing and joining up, weaving over the crevices to stop them up, traced by timid but confident fingertips over beloved faces or alongside bodies that vanished too soon.

Some lines can trace their distant roots on the inherited genealogical tree, passed down across generations, go back up centuries-old branches, and count all the buds. For others, one must invest resources and use one’s imagination.

The affair blossoming within the walls of Passerelle Centre d’art contemporain pushes into the corners and shadowy reaches of what are known as the ‘great tales’, around the edges of the majestic trees whose cultivation has been favoured over others. It twists and turns along with the reconfigurations, migrations and intermingling of its vigorous shoots, along historic margins and geographical fringes. The story brought to life by the artists of this exhibition is as documentary as it is poetic, but perhaps it is above all performative. It is the affirmation of a thwarted family tree, of invisible or frustrated germinations, of ideal communities, linked by blood or friendship, to which are passed on gestures and languages, faces and names, places dreamed of and recipes to be recreated.

There is the family you are born into and the one you choose to surround yourself with, the one you dream of and the one you construct to make progress, the one you bring into existence despite the injunctions of a historiography inclined to only record great sagas.

The family affair flourishing here is personal while at the same time aspiring to the collective. It has blossomed in art, at the contact of branches used by the portraits of Neïla Czermak Ichti (1996, Bondy), Ibrahim Meïté Sikely (1996, Marseille) and Charline Rolland (1996, Rennes), in the happy and the less successful transmissions recorded by Zineb Sedira (1963, Gennevilliers) and Bintou Dembélé (1975, Brétigny-sur-Orge), through the recipes and offerings of Socheata Aing (1993, Dourdan), along the intermingled and hungry roots of Aïcha Snoussi (1989, Tunisia). My family history is rooted in the workshop of my father, Abderrahim Makhlouf (1961, Morocco), who for so many years silently wove the balance between opposing forces, invisible links and routes to resilience. Here our history traced back to the beginning of an endless story. Roots that had become forests. There, my family history germinated, fertilised by the wind and chance encounters, research and joyous connections. It is to these members, ancestral and real, ideal or vanished, eternal flowers, that we must here pay homage.

The affair is out in the open, history may continue.

From the very beginning of his career, Daniel Gustav Cramer (1975, Germany) has divided his work between photography, video, sculpture and the writing of short texts, resulting in both exhibitions and the publication of books. Using landscape as a starting point (a turquoise sea, a pine forest, a mountain lake), the works of the German artist, born in 1975, take the form of micro-tales whose meaning gradually becomes clear through the succession of images.

The ‘Tales’ series, begun in 2000, is particularly representative of this approach, combining photographic sequences organised in diptychs, triptychs or larger groups of images. In each sequence, an ordinary landscape is photographed from a distance, generally featuring a discreet element somewhere in the scene. From one image to the next, this element moves or changes, thereby constituting the central thread of a story: a dog by the side of a road, watching the passers-by, a ray of sun glinting on snow-covered ground, a boat sailing over the water until it disappears out of the frame… The artist is showing man in his environment, showing how places are shaped by the people who live in them and pass through them and vice versa. Even without a human figure, the spectator is invited to perceive traces of activity, to imagine what is going on there, to imagine himself there.

In his photographs and in the texts and objects (sculptures, publications, etc.) which the artist sometimes exhibits with his images, he focusses on showing moments of suspension, caught just before something happens. He extends the time we are waiting, at the risk of interrupting the narrative, leaving in suspense the people photographed as well as the spectator looking at them. Time seems to have slowed down in his images, nothing seems to be really happening. Nothing remarkable, in any case. Yet out of this meagre resource there nevertheless comes a profusion of stories, presented in a fragmented way, and echoing each other, in the exhibition space.

The exhibition at Passerelle is the first such wide-scale presentation of the ‘Tales’ series, previously only shown extensively at the Vera Cortês gallery In Lisbon in 2014.

Once a year, an artist at Passerelle Centre d’art contemporain designs an exhibition inviting all ages to join in a creative endeavour. The experience may be fun, graphic and/or performative. Particular attention is paid to children, although they are not the only intended audience.

Continuing this annual programme of events dedicated to graphic design (designers in residence in the school setting, the opening of a temporary branch of Passerelle dedicated to art books for children in the Bellevue district of Brest, the development of a collection of art books for children, etc.) Panorama is inaugurating a cycle of interactive exhibitions at the art centre.

Panorama is firstly a book without text designed by graphic artist Fanette Mellier (1977, France), published by Éditions du livre in 2022. The 24 double pages of this book invite us to look at the same landscape as it gradually alters by slight changes. The tiny incidents of living beings (a cat appearing then disappearing, for example) and the clever play of superimposed coloured tints creating an infinity of nuances, make each scene unique. This book and all the remarkable publications of Éditions du livre feature in the art centre’s collection.

Panorama is now an eponymous exhibition, with large-scale formats used in the big room at the art centre in order to discover the whole subtlety of the printed art of Fanette Mellier. This three-dimensional variation around the book allows you to enter the pages of the book, transformed into architecture, like in a dream or a book by Lewis Carroll. You just need to let yourself be gently rocked by the song of the birds and the rustling of the trees to start producing your own coloured visions in a colouring book.

Juliette Dennemont (1995, Saint Pierre in Réunion) spent 3 months at Passerelle under the reciprocal residency scheme: Breizh – Renyon ‘From one ocean to another’. In 2024, Passerelle Centre d’Art Contemporain and La Cité des Arts in Réunion together created this residency for research and experimentation in the visual arts to offer emerging artists from Réunion a residency in Brest and those from Brittany a residency in Saint-Denis in Réunion. This demonstrates our firm commitment to encouraging the collaboration and movement of artists across different territories.

Juliette Dennemont is a painter and originally from Réunion. She graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris in 2020, and mainly uses the airbrush technique, a tool that sprays paint using compressed air. She learned this from a fairground artist in order to rethink and update the design of her family’s fairground rides. Her work is imbued with this festive, popular world in both her choice of colours and the techniques she uses for certain of her subjects.

For the Vertigo exhibition, Juliette Dennemont presents a selection of the works she produced during her residency in Brest, taking inspiration from Breton landscapes and the Breton imagination and intermingling fauna from her home island. The exhibition title refers to the 1958 Alfred Hitchcock film Vertigo in which the vertigo effect involves subverting a scene by zooming in and moving the camera, creating a fluid background that causes a feeling of malaise in the viewer. Juliette Dennemont takes ownership of this effect, producing a worrying strangeness in her legendary Breton tales. A recent visit to the forgotten village of Keranflec’h in Finistère inspires in her certain motifs and perceptions as so many ghostly presences in a surreal decor. As a counterpoint, the technique and subjects recall the virtual atmosphere of video games, especially the MMORPGs of the 2010s and their heroic fantasy plots or the pixelated world of Minecraft.

Du 22 octobre au 13 décembre 2024, la galerie art & essai invite trois collectifs d’artistes et auteur·rices-éditeur·rices français à s’installer au Cabinet du livre d’artiste de l’université Rennes 2 : Atelier téméraire, Burn~Août, How to Become. Cette exposition s’intéresse aux formes de productions collectives dans les publications d’artistes récentes comme espaces d’un faire ensemble renouvelé. Elle propose une sélection d’éditions et d’ephemera comme autant d’exemples où la publication possède un rôle central dans la construction et la vie d’un collectif artistique. Empruntant son titre à la publication de l’un des collectifs invités : « Quels problèmes les artistes éditeurices peuvent-iels résoudre ? », elle met en relation les formes produites et les modalités d’organisation de ces collectifs qui témoignent de l’actualité de l’art à travers ses enjeux plastiques, économiques et politiques.

Champ d’expression revient pour sa 12ᵉ édition. Cette année Olivier Perrot et Florence Jugant, accueil l’artiste plasticienne Anne Da Silva, dans leur ferme au Broyou, sur la commune de Glomel.

Champ d’expression c’est avant tout la possibilité de faire dialoguer deux mondes qui se rencontrent, se redécouvrent. C’est une résidence artistique au format atypique et un temps donné où artistes et agriculteurs se confient, se partagent leurs pratiques, leurs regards, leurs gestes…

Deux univers, qui à leur manière, redéfinissent une approche nouvelle de nos usages. Un champ des possibles immense où l’expérience des savoir-faire, d’un territoire, d’une terre, s’associe à la poésie, à l’inattendu au sensible.

Ainsi, chaque année, Champ d’expression permet à de nouveaux artistes de s’immerger dans des fermes du Centre Bretagne et à penser un travail in situ. C’est un espace de partage et de convivialité où agriculteurs et agricultrices nous ouvrent les portes de leur ferme.

S’exposant en dehors de toutes contraintes muséales, ici l’art contemporain se réinvente, au profit d’une nouvelle lecture du territoire centre breton, de ses cultures et de ses patrimoines.

Anne Da Silva

Dans une démarche qu’elle projette au long cours, Anne Da Silva développe un travail artistique où la relation aux matières issues du monde vivant occupe une place centrale. S’affranchissant de toute contrainte productiviste, l’artiste redéfinit une méthodologie de travail, qui prend le temps de placer l’expérience sensible et sensorielle comme outil d’appréhension et de compréhension du monde qui l’entoure.

À mi-chemin, entre l’art et l’artisanat, Anne Da Silva engage principalement un travail de sculpture, qui place le geste et la matière comme les vecteurs de sa création. L’expérimentation prend ainsi une place majeure et une grande importance dans son travail.

Glaneuse, collectionneuse, observatrice du détail, Anne Da Silva alimente une recherche sur le terrain, indissociable de sa pratique artistique. La marche, les déambulations en pleine nature, ses rencontres avec le vivant, constituent les premières étapes de sa production. L’artiste devient en quelque sorte naturaliste.

Dans une esthétique proche du cabinet de curiosité, l’artiste nous présente une collection d’un genre nouveau. En hybridant, mixant, métamorphosant ces matériaux d’origine animale, végétale ou minérale, Anne Da Silva, confond leurs genres au point de nous en faire oublier leurs origines. Ainsi, par son travail sculptural, quasi mémoriel, l’artiste réinvente des histoires dont la trame narrative et poétique évoque certaines légendes ou mythes qu’elle se réapproprie. Mais plus loin encore, par cette approche sensible et curieuse, Anne Da Silva nous propose une lecture sans artifice, d’un monde vivant complexe et en perpétuelles interactions, souvent peu considéré.

les 20, 27 octobre et 3 novembre

Inauguration, le 20 octobre à partir de 12 h, buvette sur place

• Accueil du public et visites guidées de l’exposition de Anne Da Silva, terres, usages et vieilles alliances, 2024,12h à 18h30
• Repas partagé : pizzas maisons cuisinées et cuites sur place, 12 h pâtons préparés par la pizzeria le Kumquat 

• Table ronde, les sols : espaces de convergence pour le vivant , 15 h, avec  Anne Da Silva (artiste plasticienne), Olivier Perrot (agriculteur,producteur laitier), Morgane Lebocq (biologiste spécialisée en agroécologie, directrice de Breizh Oasis), modératrice : Morgane Large (journaliste pour RKB)

le 27octobre de 14h30 à 18h30, buvette sur place

• accueil public et visites guidées de l’exposition de Anne Da  Silva, terres, usage et vieilles alliances

Le 3 novembre à partir de 13h30 goûter et buvette sur place (tartes maisons et riz au lait cuit au four à pain)

• accueil public et visites guidées de l’exposition de Anne Da Silva, terres, usages et vieilles alliances, de 13h30 à 18h30
• Randonnée au départ de la ferme de Broyou, départ à 14 h (durée 1h30), animée par L’AMV :réserve naturelle Régionale de Glomel,
• Projections de films à la ferme du Broyou, début à 16 h, en partenariat avec Ty film dans le cadre du festival du mois

Gérard Alle,Vendanges en Utopie, 57 min, en présence du réalisateur

La Bretagne serait-elle en train de devenir le nouvel eldorado du vin interdite jusqu’en 2016, la viticulture y est aujourd’hui en plein essor. Renouant avec une histoire méconnue, les nouveaux vignerons bretons sont des pionniers. En dépit des difficultés, ils inventent, sur un modèle vertueux, les vins bretons de demain.

Sarah del Pino, Rêvent-elles de robots astronautes ?, 25 min, réalisation, Composition Agnès Noël, Collection Frac Auvergne

Sous l’esthétique d’une science-fiction la caméra abandonne peu à peu le monde des humains pour pénétrer dans un monde parallèle. Nous découvrons un microcosme fabriqué par l’Homme et pourtant déserté par ce dernier. Dans une ferme de vaches laitières autogérée par des logiciels informatiques, tous les désirs de ces travailleuses sont comblés si bien, que la seule voix persistante est celle des robots. La frontière entre le naturel et l’artificiel se trouble : nées dans ce monde, ces vaches domestiques évoluent dans leur milieu « naturel ». Telles des créatures dans l’ombre, elles produisent sans cesse notre future consommation de lait. Enfermées dans un hangar, un champ seulement les sépare de notre société.

Les créations de Marianne LAËS sont déclinées sur les différents supports de communication du service culturel tout au long de la saison 2024/2025.

Des éléments géométriques sortent de terre quand d’autres tubulaires s’élèvent, envahissant l’espace pour créer un gigantesque dessin coloré tridimensionnel dans une respiration visuelle organisée par des rythmes montants et descendants. L’orthogonalité et la courbe se conjuguent dans une harmonie dynamique complémentaire.

Josèfa Ntjam’s works are fictions combining different written and oral stories – tales, legends and natural history. These different origins are used by the artist to create a new narrative in which the deconstruction of norms leaves room for imagination and utopia. Text is an important part of her creative process, appearing in films, performances and sound works. Accompanied by printed images and sculptures, the whole constitutes immersive installations in which hybrid characters are at play.

Close to role-playing or video game heroes, these avatars – at once human and god or goddess, but also animal and vegetable – perform in his works and interpret these contemporary tales. Their biological characteristics are singular, their powers extraordinary and their characters complex. Persona, for example, is a recurring character that the artist embodies. A character of revolt, she refers to melancholy and overcomes the multitude of assignations thanks to passport masks-these West African sculptures used as identity cards or as a right to hunt, and which provide protection while traveling. In the film matter gone wild, the Mixotrophe is a vegetal and animal organism capable of photosynthesis through plant symbiosis, and which feeds like an animal. Cameroonian independence activist Marthe Ekemeyong Moumié gives her first name to Marthe, a forest chameleon who transforms into a plant to fool the enemy.

Using scenic devices such as the diorama and digital techniques, Josèfa Ntjam combines forms and references to create a metaphorical and global universe, at once macrocosm and microcosm, which is difficult to situate in space and time. The abstract worlds she creates, floating and seductive, take us into the future, to a parallel world – or perhaps a world beyond, where perpetual mutation and adaptation provide a hopeful renewal.

For her exhibition at 40mcube, Josèfa Ntjam is recomposing an installation from existing works in order to reconsider their articulation, create a new universe and offer a different interpretation.

On the occasion of the 2024 Itinéraires Graphiques, it is offering real graphic upcycling, in the continuity of the Fontenew and Flux-Us typographic projects. In the workshop of Lézard Graphique, a screen printer in Alsace, she overprints, on a selection of posters from her archives, the Multipli typographic grid that she created at the Maison de la Poetry in Nantes in 2011. The posters , with this grid and thanks to the magic of the fold, are thus upcycled. They transform into giant letters and compose a poem by Betty Bone, French author and director, as much as they offer a rereading of the graphic designer’s work.

Pour cette 8ème édition de la biennale Itinéraires Graphiques, Sébastien Esteban Desplat a programmé 13 artistes navigant entre art et design, illustration et dessin, graphisme et artisanat. A cette occasion, Idir Davaine et l’Atelier Bingo partagent l’espace de la galerie pour présenter un travail de peinture, papiers déchirés et gravures.

Le deuxième espace est-il celui de l’imaginaire, celui dans lequel on s’incarne ? On ne sait pas trop de quel côté se situe-t-on face aux dessins de Justine Joly. Il y a une ambiguïté dans son travail, s’agit-il d’espaces réels ou d’espaces fantasmés ? De manière générale, il y a dans le travail de Justine une omniprésence des lieux et des espaces habités, au sens propre comme au sens figuré.

Comme l’énonce Bachelard dans La poétique de l’espace (1957), « la maison est notre coin du monde. Elle est notre premier univers. Elle est vraiment un cosmos. Un cosmos dans toute l’acception du terme (…) »

Au rez-de-chaussée, des assemblages d’images, des paysages reconstitués. À l’étage, une série autour du lit et du drapé. C’est l’idée de l’intimité des lieux, avec des plans rapprochés et un hors-champ très présent qui pose le décor d’une intrigue. Le lit a une grande portée symbolique, d’autant plus que c’est un rêve vieux de plusieurs années qui a servi de point de départ à cette exposition.

Cette proposition d’exposition est arrivée à un moment singulier pour Justine Joly, alors plongée dans une période de recherche non formalisée autour de l’image et de sa portée narrative. Elle a donc été l’occasion de ranimer un rêve de lacs et de forêts et de poursuivre ses réflexions autour de sa pratique, tant par rapport au geste qu’à la matière. « La forêt est un état d’âme » nous dit Bachelard. Celle qui occupe désormais la galerie invite à explorer les méandres de l’imagination. La question étant de savoir : où mènent ses images ? 

La galerie art & essai invite Ines Dobelle pour une résidence de recherche et de création. Utilisant le campus universitaire comme un laboratoire personnel, Ines Dobelle construit sa recherche à partir des lieux d’interaction du campus, ces espaces interstitiels qui rythment la vie universitaire de ses usager·ères au-delà des temps de formation ou des enseignements. Pourquoi ne pas faire du Restaurant Universitaire sa nouvelle cantine ? Ines Dobelle opérera au sein de cet espace nourricier, au sens littéral du terme, afin de voir comment des œuvres, des gestes et des récits peuvent s’y inscrire et plus largement comment l’art peut s’infiltrer en dehors des cadres de monstration préétablis. 

Ines Dobelle

Née en 1990 en Jordanie, Ines Dobelle est diplômée des Beaux-Arts de Paris et se forme en regardant beaucoup de tutos sur Internet. Elle se définit comme une « polycultrice » qui décloisonne les genres et emploie différents modes d’expression Ses recherches portent notamment sur la culture de l’apparence, l’exposition de l’intime et du domestique, sur la frontière glissante entre espace privé et public Parallèlement à sa pratique artistique, elle est membre de La Collective, groupement nomade de travailleur·ses de l’art, animé par le désir de questionner les certitudes et l’envie de rebattre les cartes.

All of them invest in the urban and peri-urban environment in their own way. They play with the reuse of materials or images to make new things, they question the relations «nature and architecture», they question our conscious or unconscious links with the urban and the periurban. Each one turns on himself and on his subject, but all revolve around a center, the city. What are the limits that govern our lives?

How do they affect our choices and lifestyles?

Geographical, temporal, natural, psychological, economic or energy-related… The list is infinite and complex, invisible or not, they govern us, guide us and shape the contours of our lives and territories. Architects, planners, landscapers, all interpret and shape our daily lives. The boundaries change with the pace of society, its evolutions and needs. The need for a transition to other models of life and city, calls to understand our limits as thresholds. Construction spaces from which other things can emerge.

En partenariat avec l’EUR CAPS, la galerie art & essai invite le collectif Millemains en résidence de recherche et de création pour l’année universitaire 2024–2025. Pourquoi collaborer ? Comment faire projet ensemble ? Quel statut acquièrent les objets co-créés ? Quels droits d’auteur·ices émergent et se redistribuent via la création à plusieurs ? Jusqu’où porter la collaboration dans la création ? Ce sont autant de questions à aborder par/avec le collectif Millemains, qui fait le choix de se saisir de cette résidence pour faire le bilan de ses expériences précédentes et réinterroger ses outils de travail collaboratifs. Pendant plusieurs mois, le campus universitaire et ses multiples formes d’organisation collective deviennent le cadre d’expérimentation de leurs protocoles de création collaborative ou de co-création.

Millemains

Millemains est un collectif de designers-plasticien·nes fondé en 2021 à Brest et composé de Mélanie Hilaire, Solène Chartier et Jade Herbert.  

• Résidence artistique de création à La Grange, Acigné

La programmation de résidences d’artistes à Acigné, au sein du projet Joval Création est un moyen de mettre en avant la jeune scène artistique locale et de leur offrir un contexte idéal de création.
Porteuse du projet de résidences pour la ville d’Acigné, La bonne pioche propose une thématique générale, celle du territoire. Penser avec le local, travailler avec l’environnement proche, en lien avec les habitant·e·s, les structures et les lieux existants sont des axes qui leur semblent fondamentaux en 2024 et à l’avenir.

L’accent est porté sur des profils d’artistes émergent·e·s issue du bassin rennais et de son agglomération et diplômé·e·s de l’École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne (Brest-Quimper-Lorient-Rennes). Le programme de résidences est dédié aux pratiques des arts visuels.

• Présentation de la pratique artistique de Fanny Lagté

« Mon travail évolue autour des notions de désobéissances, civiles, fertiles, et de décroissance, en questionnant nos rapports à la consommation et à la production capitaliste.
Au travers d’études de nos relations aux formes de vie non-humaines et en redonnant une place centrale à la matière brute, je cherche à inscrire une pratique dans un territoire et un temps précis. En revalorisant le
travail préalable de préparation du matériau ainsi que les techniques et savoir-faire prenant leurs sources dans l’artisanat, j’aspire à me réapproprier des gestes inscrits dans les codes sociétaux, de genre ou de classe. Je cherche à questionner nos façons de vivre ensemble, nos façons de consommer l’art, en essayant de faire un pas de côté par rapport aux institutions et en repensant un art en collectif, émancipé des attentes élitistes, qui infuserait dans chaque moment. »

Fanny Latgé

En écho à l’exposition L’instant et son ombre, méandres vous propose une projection du film La Jetée, de Chris Marker (1962)

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La Jetée est un film sur le temps et la mémoire, composé presque exclusivement d’images photographiques en noir et blanc sur lesquelles une voix-off raconte un récit de science-fiction : sur fond de désastre post-nucléaire, le protagoniste, otage d’expérimentateurs scientifiques, est envoyé le long de l’axe du temps, dans le passé et le futur, à la recherche des moyens qui lui permettront de survivre.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Réservation conseillée (places limitées) : contact@meandres.art / 06 52 96 68 99

A discussion on the exhibition by Anne-Lou Buzot
Taking as his starting point the exhibition ‘La théorie de l’horizon incliné’ currently on view at the gallery, Michel Poivert will discuss contemporary uses of the archive and vernacular photography. In dialogue with Anne-Lou Buzot, the focus will gradually shift towards the horizon, and the exhibition will explore the place of ecological issues in photographic practice.

En écho à l’exposition L’instant et son ombre, méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, Dès lors).

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Sophie Hoarau développe depuis quelques années des lectures publiques : fenêtres entrouvertes sur des œuvres en cours de travail au théâtre, échos à des installations ou des expositions plastiques, rendez-vous poétiques singuliers, mains tendues à des publics éloignés du livre, à-côtés apéritifs d’un spectacle… dedans dehors, de bouche(s) à oreille(s), en fil conducteur ou en pointillés… la lecture publique est une entrée première et déjà pleine dans un texte.

« La poésie, matière première en premier lieu, de théâtre ou de sentier, à lire, à dire, à saisir, à figurer, et la rencontre des genres, des arts plastiques et des littératures, des objets et des costumes, des mots et des choses, du présent et du songe. » (Sophie Hoarau)

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

« C’était ma première passion gamin, observer les tritons ou les salamandres dans les cours d’eau, les flaques. Quand on pêche dans une rivière, on réalise plus facilement la santé des milieux. C’est à l’échelle humaine. » Pêcheur et artiste plasticien, Nicolas Rabant traduit son émerveillement pour le microcosme des rivières à travers la peinture et la sculpture. 

Les mulettes perlières (Margaritifera margaritifera) sont des bivalves en danger d’extinction. Appelé kregen dour dous en breton, la vie de la mulette perlière est liée à celle de son poisson-hôte : la truite fario ou le saumon atlantique. On parle de symbiose. Les larves de quelques semaines se fixent dans les branchies du poisson. Un an plus tard, la jeune mulette se laisse tomber et s’enterre dans le substrat de la rivière.

Marie de Médicis fit orner de 32 000 perles la robe qu’elle porte le jour du baptême de son fils, le futur Louis XIII. Trente deux millions de mulettes en provenance des rivières européennes furent ramassées pour confectionner la robe. « Ça me parle plus dans ma démarche d’associer l’Histoire à celle des animaux. La rivière est un trésor à l’intérieur duquel on en trouve un autre : la truite. Cette dernière transporte un trésor, la mulette, qui elle-même contient une perle ».

En Bretagne comme ailleurs, la disparition des salmonidés, les rejets liés aux activités agricoles, industrielles ou urbaines ou l’artificialisation des bassins versants pèsent sur les conditions de vie des êtres vivants. Le travail de Nicolas Rabant vient peupler la galerie avec le monde mystérieux et magique des rivières.

Performance et projection autour du projet “Cartographie du territoire entropique” de François Chemin

Lors de cette performance, François Chemin invitera le public a prendre part au protocole qu’il a mis en place autour des traces cinématographiques et sonores qu’il a enregistrées sur le territoire des Abers et enterrées, dix jours auparavant, au nord-ouest de la Maison des Abers. Ces œuvres seront ici exhumées, puis, une fois sorties de terre, transportées dans la salle de projection de la Maison des Abers, afin de mettre en place la diffusion de celles-ci. Débutera alors la projection du film numérique documentant le processus de création de ce projet puis la diffusion du film analogique et de son vinyle.

Lors de cette rencontre, François Chemin invitera le public a prendre part au protocole qu’il a mis en place autour des traces cinématographiques et sonores qu’il a enregistrées sur le territoire des Abers. En effet, dix jours auparavant – au nord-ouest de la Maison des Abers –, il a enterré un film super 8 et une bande son sur vinyl. Lors de cette performance, les œuvres seront exhumées, puis, une fois sorties de terre, transportées dans la salle de projection de la Maison des Abers, afin de mettre en place la diffusion de celles-ci. Débutera alors la projection du film numérique documentant le processus de création de ce projet puis la diffusion du film analogique et de son vinyle.

Un temps d’échanges avec les spectateur·ice·s clôturera cet événement public.

Cette rencontre est organisée dans le cadre de l’accompagnement par Espace d’apparence du projet “Cartographie du territoire entropique” avec le soutien du dispositif “Aide aux jeunes artistes plasticien.ne.s en Bretagne” de la Région Bretagne.

En écho à l’exposition L’instant et son ombre, méandres vous propose un moment de conversation avec Virginie Gautier (écrivaine)

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« En nous dé-familiarisant, la nuit produit un effet d’étrangeté à même de nous relier plus fortement au milieu naturel, de nous faire voir et entendre différemment notre environnement, percevoir d’autres vivants, d’autres sensations qui nous renvoient à des expériences inhabituelles du monde. » (Virginie Gautier)

Virginie Gautier étudie en école d’art puis développe une pratique artistique autour des questions d’espace, de perception et de déplacement qu’elle poursuit aujourd’hui par le dessin et l’écriture.
Elle est publiée aux éditions Nous, le Chemin de Fer, Joca Seria, Publie.net et a codirigé chez Publie.net la collection poésie, L’esquif.
Après avoir enseigné les arts visuels, elle est engagée dans la recherche-création en littérature. Docteure en “Pratique et théorie de la création littéraire”, elle est chargée de cours et d’ateliers à l’université de Cergy-Pontoise et dans divers lieux d’enseignement et de formation.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

‘Photography was born in the 19th century, and very quickly impressed by its ability to faithfully reproduce reality, so much so that it was readily given evidential value. However, in photographs of the seashore, the horizon appears to be tilted… From then on, a question began to emerge in scholarly circles: could the horizon really be tilted? This was the starting point of an incongruous story that only photography can tell, and which raises questions about the very essence of this medium… A story that I have now managed to reconstruct thanks to the discovery of fragments of previously unpublished archives’.
Anne-Lou Buzot

Anne-Lou Buzot: Born in 1990, Anne-Lou Buzot is a photographer, editor and teacher at the ENS Louis-Lumière laboratory. She specialises in photochemical processes and is conducting research into plant-based photographic processes. She lives and works in Saint-Denis.

Exposition hors les murs dans le Donjon-Galerie

ANIMAL, VÉGÉTAL, MINÉRAL est une installation vidéo qui propose de reconsidérer les frontières entre les espèces du vivant et la matière. Entre documentaire expérimental, fiction burlesque, et réflexion poétique, le projet propose d’utiliser la “pensée végétale” comme matrice, afin de déplacer notre subjectivité humaine et de pointer ses limites, mais aussi ses zones de partage, avec des intelligences radicalement autres que les nôtres. La figure du ver de terre, du champignon et de l’IA s’y démarquent comme des personnages liminaux, habitant à la lisière des taxonomies bien dessinées et hiérarchisées. Le récit se trouve prolongé dans l’espace par des peintures et sculptures textiles aux formes tentaculaires.

Projet en partenariat avec le centre d’art 40mcube, Programme GENERATOR.

« Après nous le déluge », pointe l’urgence des menaces qui pèsent sur la biodiversité. L’exposition composée d’une installation de dessins d’espèces en voie d’extinction disparaissant lentement de feuille en feuille et d’une fresque monumentale, construisent une mémoire du vivant et en appelle à notre responsabilité individuelle et collective.

Performance le 6 juillet à 17h
Camille Dufour finalise et active son exposition « Après-nous le déluge », aux Moyens du Bord , sous la forme d’une performance déplaçant sa pratique d’atelier dans l’espace et la temporalité de l’exposition. Cette performance participative invitera le public à graver, avec l’artiste et avec des fleurs, l’une des œuvres de l’exposition.

Simon Augade s’investit tout entier dans des corps-à-corps se confrontant à la matière. L’artiste questionne par des conceptions sculpturales notre relation physique à nos environnements et interroge « la tenue des choses ». Dans ses sculptures-installations qui tentent sans cesse d’agripper l’espace et le spectateur, il aborde les dualités de notre monde.

Au centre d’art, en écho à l’architecture du lieu, une arche de bois brûlé composant une grille géométrique s’élève comme une forme quasi monolithique, prend place et coupe le lieu en deux, bloquant le passage mais non le regard. Evidée, ses fragments, à la façon de poupées russes, soulignent le rapport ambivalent entre perte et réminiscence dont la chapelle est aussi porteuse.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition “Allons voir”.

> Gratuit, ouvert à tous

Labo 10

Antoine Duchenet

Né en 1995. Vit et travaille à Caen. Il est diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (DNSAP) et de l’École supérieure des arts et médias de Caen (DNSEP).

“Cette résidence au Superflux me permettrait de retourner vers une série de tableaux, les Propositions relatives, entamée en 2018 et suspendue depuis 2020 en raison de contraintes spatiales. Forcé de considérer le cheminement et les bifurcations empruntés par mon travail dans l’intervalle qui me sépare de la réalisation du dernier tableau de cette série (peint à l’été 2020), son redémarrage, sa reprise, après une interruption de 4 ans, actualiserait nécessairement sa logique. Cela me conduirait, par la pratique, à réévaluer les enjeux et la méthodologie qui la justifiaient à l’époque pour l’investir de nouvelles perspectives.”

Studio 25

Pauline Rima

Née en 1995. Vit et travaille à Caen. Elle est diplômée de l’École supérieure des arts et médias de Caen.

“Lorsque j’imagine une pièce ou une installation, je commence par réfléchir à une forme et à une échelle, indépendamment d’un medium et des caractéristiques qui se préciseront au moment venu. Je définis mon format à l’aide d’une maquette. Et je projette à travers elle, j’assemble, tous les éléments qui donneront un corps et une nature à l’idée de départ. Bien entendu, tout ce cheminement est progressif. Il peut trébucher, tomber dans une impasse, prendre un mauvais virage, dévier… Et ce peut être une tâche complexe que de maintenir le cap pour venir à bout d’une pièce. Ce travail de composition, inhérent à tout créateur et à toute création, représente une part invisible pour le public. Aussi ce temps de résidence à Superflux serait l’occasion de développer un projet d’édition pédagogique autour de cet inconnu de la création, pour le donner à voir et à expérimenter.”

Michele Ciacciofera (1969, Italy) is offering Passerelle an experience which may appear impossible, that of ‘Condensing the Infinite’. From his native Sardinia to the Alps and then Brittany and Scotland, he has observed the ancient sculptural forms, such as memorial stones and menhirs, on which human civilisations are based. In his European journey, he considers the inevitable end of us all and the infinite potential of our visual culture to go beyond the world dreamed up by our ancestors. ‘Condensing the Infinite’ is an attempt to write a common history, a history of the forms that our brains all recognise to a greater or lesser extent. 

The body of works presented in the Passerelle patio has been entitled ‘Menhirs’ by the artist. Ciacciofera is fascinated by megalithic art, yet decided to work from fragile, modest materials, essentially workshop waste including paper and cardboard, the very opposite of the eternity of stone. In this sense this series recalls the work of the Arte Povera artists, an Italian artistic movement that began in the late 1960s. It was characterised by the use of ordinary humble materials, often natural or salvaged, and reflected a desire to reconnect with original simplicity and authenticity as well as a rejection of overconsumption. This heritage is never claimed or stated but it seems essential to consider some of Ciacciofera’s creations through the prism of a ‘new poor art’. Recycling and the use of natural materials have become as much an aesthetic necessity for the artist as they are a political and militant requirement. His sculptures abound in poetic details such as little ceramics or painted organic elements, evoking at times the style of the Cycladic idols, at times the shapes of plants or fungi, and are sometimes painted in bright colours and act as altars dedicated to art. They function both as platforms or plinths for art and as sculptures in their own right, joyous and reassuring, wise and primitive.

The second central series of the exhibition is Pathosformeln, gouaches on paper inspired by the theory of art historian Aby Warburg (1966-1929). The latter invented this term for the recurrent formal configurations used to express basic emotions. These formulae are not limited to mere representations, but constitute fragments of collective memory, echoes of ancestral rituals and original myths. Pathosformeln constitute a precious tool to decipher the meaning of the images and understand the emotions conveyed by them. Following on from Warburg’s research, Ciacciofera reproduces pieces of iconic Gothic and Renaissance painting like close-ups, erasing some parts including all the faces. Strangely, this does not result in the compositions being disembodied, nor devoid of feeling, and the presence of the characters is strongly felt, like ghosts waiting in the space between two realities. Rocks, pebbles, gems and fossils float through the drawings, creating an effect that could be either magic or a sign of out-of-control quantum physics. It is up to the spectator whether to try to reconstruct an image or remain satisfied with what the artist presents. 

The possibility of condensing the infinite posited by Ciacciofera may lie in this search for an active synthesis of the human history from prehistoric art to the art of today.

Han Bing (1986, China) is presenting “7:77”, her first personal exhibition to be held at a European institution, at Passerelle Centre d’Art Contemporain. A graduate of CAFA in Beijing – China’s central Academy of Fine Arts – and of Parsons School of Design in New York, Han Bing has studied a very diverse range of references and influences, enabling her to develop multicultural sensibility and an enhanced vision of the world.

Han Bing’s painting is intimately linked to the abundance of images available in the public space. The artist sometimes captures elements from posters mentally and sometimes photographs an advertisement with her phone. From all around her she picks out images which we no longer see because they are in front of us all the time. Back in her studio, she assembles her discoveries very freely over the canvas. Her approach echoes those of the new realists of the 1960s, among them Jacques Villeglé and Raymond Hains. Villeglé took ripped and loose posters from the walls of the town and transformed them into vibrant and poetic works of art. Like Han Bing today, he revealed the strata of the urban environment, which bear the marks of time and of human intervention. Han Bing willingly
evokes the ‘anonymous poetry’ of her paintings. The juxtapositions she creates emerge ‘in unexpected ways’ and very spontaneously. She prefers using the word ‘to grow’; rather than ‘to build’ when talking about her way of arranging the canvas and compares painting to a living, organic material.

Part of the exhibition is devoted to works on paper. Han Bing uses newspaper articles as raw material. She selects them for their aesthetic quality and covers up certain parts of the photographs illustrating the article. By erasing the information, the artist seems to be questioning the place given nowadays to truth and objectivity, and recalling that the world has entered the era of fake news and deep fakes – the ultra-realistic doctoring of video and audio created by artificial intelligence.

Amélie Caritey (1998, Côte d’Ivoire), a graduate of the École européenne d’art de Bretagne – Rennes campus, took part in the Residence Workshops offered by Passerelle and Documents d’Artistes Bretagne. Shortly before her residence at the art centre, she spent two months in Côte d’Ivoire, the country she left at the age of three. This second journey to the land of her birth, the first having taken place in 2019, enabled her to bring back a large number of photographs, like so much evidence of the country of her origins. Aware of being on the margins, yet still feeling linked to that nation’s story, the exhibition ‘Bonne arrivée chérie coco’ [Welcome darling coco] is a poetic expression of the artist’s view of a country she as yet knows very little about. The exhibition therefore offers a glimpse of the beginnings of a dual culture under construction, as well as the quest for a bi-national identity.

Defining herself as ‘Afropean’, with one European parent and one African, but having been brought up in a European cultural environment, Amélie Caritey recounts her journey as a “search for a home”. Her photographs often show living spaces, or what is between them such as doors, entrances and windows. These elements express an ambivalence, reflecting the feelings of the artist in that place: invitations to enter the intimacy of people’s homes or perhaps obstacles in the way.

Architecture, motifs and colours particularly captivated the artist and they appear in abundance in the exhibition. Amélie Caritey trained in design and has observed very carefully what makes up the environment of the towns and villages she has visited all over the world, compiling her observations into a visual repertoire from which she takes her inspiration. The patterns of the moucharabieh, those pierced partitions providing natural or forced ventilation, have become a leitmotiv in her research. Their forms transform and combine with those of Ivorian pottery in the vases produced by the artist for the exhibition. By also re-interpreting the forms of this traditional Ivorian craft, Amélie Caritey states that she belongs to the country and expresses her wish to sign up to this cultural heritage.

The title of the exhibition, ‘Bonne arrivée chérie coco’, comes from the words of a woman the artist met in an Abidjan market on her first trip. These words therefore become the symbol of the beginning of a new story: Amélie Caritey is now welcome in this country she only previously knew through family anecdotes.

Iwan Warnet brouille les frontières entre abstraction et figuration avec sa peinture. Il explore, à travers les ambiguïtés de la représentation, la part active des regardeur·euse·s dans la perception d’une image. Iwan se place du côté de l’allusion plutôt que de l’affirmation, joue du soupçon d’aspect et du ralentissement du regard. Il crée une œuvre de l’indice et du fragment, guidée par un rapport intime à la figure humaine.

Cette dernière, souvent présente en filigrane, affleure par traces ou par évocations sensibles. Les matières ont une dimension affective dans les œuvres d’Iwan Warnet : les roses de la teinture de garance peuvent évoquer la peau, une toile se pare d’un bijou et de fard dans une revisite du thème du nocturne.

Dans sa série de dessins Des lignes d’erre, les corps fluides dialoguent avec les plantes, dans un territoire indéfini. Le genre des figures n’importe plus, les lignes qui les dessinent s’égarent. Et dans les peintures qui en découlent, les sujets n’apparaissent que de façon discrète, émergeant à peine d’un entrelacs de tons rapprochés. Ses peintures et dessins se déploient pour un regard qui prend le temps de rentrer dans les surfaces, de tisser des liens entre les œuvres. Et qui prête du sens autant qu’il en décèle.

Avec Volutes partent en fumée, Iwan Warnet présente un corpus d’oeuvres récentes, issues de ses expérimentations à la Tannerie (Bégard) avec des techniques de teinture végétale.

For the very first time, the Ursulines Chapel welcomes the work of a graphic designer, the poster artist Alain Le Quernec. The purpose of this exhibition is to highlight the commitment of the Breton poster designer, who over the last fifty years has created powerful and hard-hitting visuals, with posters that stimulate the lucidity of each and every one of us.

In our contemporary world there is a great need for poster artists who invite us to think, to decode, and to take a step back. At the Ursulines Chapel, a tour divided into five sections illustrates the power of posters, showing how they can shape the way we look at things, how they contribute to our civic life, and how they fuel our consciousness and imagination.

In the Charlie Hebdo room of Quimperlé’s media library, some press cartoons created by Alain Le Quernec for the French newspaper Le Monde, as well as pages from the regional daily newspaper Le Télégramme, will be on display.  In his capacity as graphic designer, Alain Le Quernec has worked for Le Télégramme on several occasions. He redesigned the format, grid and readability of the newspaper. Echoing the press cartoons he designed for Le Monde, some of his posters illustrate the fact that – in France – visual arts are the territory of humor, where nobody is afraid of laughing at or making fun of idols.

In the third section, a series of posters created by Alain Le Quernec will take the visitor to the streets of Quimperlé for a citizen dialogue on a range of various subjects (such as ecology, civic life, culture…). It is in the public space that posters acquire their full purpose.

During the preparation of this exhibition, and in reaction to the latest news and horrors of war, Alain Le Quernec has created a new series of images. Some of them will be printed especially for this exhibition and will be displayed in the Ursulines Chapel, as well as in the Stop war publication issued by the Town of Quimperlé for the occasion. Alain Le Quernec uses his posters as weapons to draw our attention to the need for peacekeeping.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec l’artiste Bénédicte Hubert-Darbois pour découvrir l’exposition “Allons voir” plus en détail.

> 17h, gratuit, ouvert à tous

‘Sweet Dreams’ is the first monographic exhibition at a European institution by Philemona Williamson. Williamson, born in 1951 in New York, taught in Schools of Art in the United States and influenced many artists of the younger generations. She came from a modest Afro-American family and in the 1970s studied at Bennington College, then at New York University, resisting the siren calls to minimalism and abstraction very much in vogue at the time. She exhibited in many United States institutions and was awarded the Joan Mitchell Prize In 1997.

Her works all have a story, often personal, sometimes anecdotal. Williamson depicts an America at times full of hope, at times cruel, through the everyday and private lives of adolescents, children and young people. She seeks to transcribe that delicate and so ephemeral moment of the passage to adult life, that moment when children’s games become out of step, out of date or embarrassing. Her figurative paintings are warm and colourful, they attract the eye which tries to understand the narrative in the details. Often, symbolic markers of childhood such as dolls or games are represented, clearly shown in the abundance of movements and shapes. The bodies are black and white, evoking a mixed-race America. The beauty of Williamson’s works lies in the universality of her compositions, in her almost dreamed-up colours and in the infinity of possible interpretations – everyone can project onto them their own joys, pleasures and sorrows.

The title ‘Sweet Dreams’ is taken from a delicious painting on show in the exhibition: two adolescent girls seem to be dreaming of a profusion of cupcakes – those typically American cakes whose appearance overrides their taste. The title recalls the eponymous song of the group the Eurythmics in which ‘Everybody’s looking for something’. As for Williamson, she is looking to represent the at times brutal story of youth as it tips over into the world of adulthood.

Marc Didou (born 1963, Brest, lives and works in Lesneven – FR and Rossiglione – IT) returned to Brest School of Fine Arts to paint and draw but as soon as he left, he took up working with metal again, having done this from childhood in his father’s blacksmith’s forge. Getting back to this substance, its tangible quality, ‟this wayward matter”, which needs air and fire and the hammer to take shape, was like going back to his roots. His choice was reinforced by meeting the American sculptor Mark di Suvero (born 1933, Shanghai) in Brest then in New York, who Introduced him to the public space and the monumental. Finally there was Italy where he lived and continues to show his work, before returning to live and work in Lesneven.

This return to his roots, in every sense of the term, is also a return to nature, the nature surrounding us but also that of the Atomists of ancient Greece – a philosophical and physicist movement which stated that matter is discontinuous and made up of indivisible elements – and he retains the poetry and this ‟vision of the invisible”. Nothing is lost, everything is transformed and what appears was already there, as with the larva and the chrysalis in the butterfly.

From abstraction to natural forms, between reality and illusion, creation begins with a total review and deconstruction of the elements. It comes from industrial waste, from random fragments and Installed structures, the organic principle with the ‘Plasma’ series, the link in the chain, the mirror and the ‘Anamorphoses’; a pipe from a split and distorted pipeline becomes a tree again. By cutting, assembling and welding, the sculptor replays the cycles of life in a resistant material.

The exhibition titles, that are both poetic and descriptive, were chosen by the artist. A verb, ‘Transformât’, the imperfect subjunctive of ‘transformer, to transform’ is used as an opening statement for the pleasure of narrative and the idea of a past and an action that is still ongoing. The bas-reliefs of the series Ouvrefer result from the action of cutting the metal in two and the random shapes this produces. Reversus and Ana-morphé tackle reality and its hidden double, the appearance of form and of point of view, metaphors for thought in the artist’s actions.

Yoan Sorin’s work takes the form of paintings applied to a variety of supports, of sculptures made from a variety of materials, of objects assembled and then painted, and of performances involving his own body. Each element feeds or even contaminates the others in a fluid process, within installations that constitute three-dimensional compositions constantly renewed by the visitors’ wander. Inhabited, his exhibitions, in which color is a determining element, bathe in an atmosphere where serenity coexists with anxiety.

For his exhibition at 40mcube, Chronique de l’oubli, Yoan Sorin creates new works that play with time. Like an tear-off calendar, one painting replaces another each week, while metronomes-sculptures punctuate the exhibition.

Playing with words – chronicle in its double meaning, as a chronological narrative and as something that settles in slowly but permanently, which he associates in a contradictory way with oblivion – Yoan Sorin speaks of the latent urgency of our times.

This exhibition is part of Exporama.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent, pour leur septième édition, une exposition d’Isabelle Vaillant, artiste en résidence pour l’année 2023. Ses oeuvres seront présentée à la Gare SNCF, sur le parvis du métro ViaSilva ainsi qu’à Galerie Net Plus à Cesson-Sévigné. Plusieurs dizaines de photographies à découvrir à partir du 24 mai 2024.

Chaque année, les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent à des artistes de s’installer sur le territoire de ViaSilva, le temps de quelques mois, afin de nous montrer leur vision du chantier et de son évolution, en développant un projet photographique personnel sur un territoire en pleines métamorphoses. Autour d’une ligne artistique ouverte à tous les courants de la photographie contemporaine, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Soutenues par un cercle de mécènes engagés sur le long terme, outre leur inscription dans la promotion de l’art contemporain, les Rencontres photographiques de ViaSilva permettent de garder une trace des mutations du territoire et de construire une mémoire photographique inédite pour les générations futures. Au terme de chaque année de résidences, les artistes restituent leur expérience photographique dans le cadre d’expositions en intérieur, à la Galerie Net Plus, et en extérieur, dans le bourg de Cesson-Sévigné, sur l’esplanade du métro ViaSilva et plus largement sur Rennes Métropole (gare, stations de métro, etc.). Ces expositions sont accompagnées de monographies publiées aux Éditions de Juillet, qui constituent aujourd’hui une véritable collection.

Pour la septième édition, la photographe Isabelle Vaillant a été conviée cette année à porter son regard sur le territoire de ViaSilva pour l’intérêt qu’elle porte aux personnes. Peu d’humain jusqu’ici dans les images de celles et de ceux qui l’ont précédée sur ce chantier à ciel ouvert. L’arrivée du métro et des nouveaux et nouvelles habitant·es va ouvrir de nouveaux horizons visuels. Ses centres d’intérêt oscillent entre les corps, parfois cliniques, l’enfance, la solitude, son lien à une nature charnelle, mais inquiétante. C’est une artiste de l’intime, de l’intérieur, du secret. Ses images sont pleines de contrastes sourds, un mélange de fiction réaliste ou de reportages oniriques.

Élodie Guignard investit le quartier afin de nous proposer son regard d’ « un midi à ViaSilva ». La photographe développe une pratique artistique autour de l’humain, de la représentation du corps dans l’espace et de son insertion avec le paysage environnant. La résidence s’inscrit dans un dialogue que l’artiste entretient depuis toujours avec le territoire et de ceux et celles qui l’incarnent. Il s’agit d’aller à la rencontre des personnes qui travaillent à ViaSilva, qui y passent la journée avant de rentrer chez elles. Elle apprécie écouter, collecter les histoires et témoignages des habitant·es quant à leur relation avec ce quartier. De l’intime au collectif, elle propose d’explorer de nouvelles pistes autour de l’ancrage des corps dans un lieu en constante évolution et construction.

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Isabelle Vaillant

Isabelle Vaillant vit en Bretagne. Sa pratique est multiforme (installations plastiques, photographies, dessins, vidéos, performances), son support privilégié reste la photographie, qu’elle mêle à ses performances et installations. Elle invite le spectateur à vivre une expérience, en déposant des confidences, un souffle, une empreinte ou une image. Elle propose une introspection qui devient matière à réflexion « Nous-mêmes » en 2006, « La Chambre Numéro 1 » en 2018, « Ton corps » en 2019. Depuis une vingtaine d’années, elle travaille auprès d’adolescents dans des établissements scolaires ou des instituts médicaux spécialisés. Elle va aussi dans les prisons, dans les centres sociaux, ou dans les hôpitaux pour y encadrer des ateliers de pratiques artistiques.

Instagram : @isabelle.vaillant_

Élodie Guignard

Élodie Guignard, photographe titulaire d’un diplôme de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, apparait comme une artiste incontournable dans le domaine de la photographie contemporaine. Forte de plus de vingt ans d’expérience artistique, elle nous entraîne dans un monde où les liens entre l’être humain, la nature et le territoire se révèlent sous un éclairage saisissant à travers ses oeuvres captivantes.

Depuis ses débuts, Élodie Guignard explore les frontières floues entre la réalité et l’imaginaire en mettant en scène des personnages au sein de décors naturels, souvent en Bretagne. Ses séries Le lieu désiré, À travers le feuillage, et Narcisse ou le souffle renversé ont conquis un public international, mettant en lumière une sensibilité artistique unique.

Son parcours l’a également conduite en Inde, à la frontière du Bangladesh, où elle a documenté la vie des réfugiés hindous venus du Bangladesh pendant deux décennies. À travers ses séries Le village de l’aurore et Santal, elle explore la complexité des relations entre l’être humain et son environnement dans des paysages exotiques et envoûtants.

Élodie Guignard ne se cantonne pas à la photographie artistique, elle s’engage également dans des projets humanitaires, notamment en capturant la vie des migrants bangladais à Paris. Elle illustre ainsi les interactions complexes entre les individus et leurs environnements, qu’ils soient naturels ou urbains.

Instagram : @eloguignard

Le vernissage des Rencontres photographiques de ViaSilva aura lieu et date à la Galerie Net Plus le 23 mai 2024 à 18h30.

Inspiré par la manière d’habiter le monde, le travail de Marie Vandooren puise principalement dans les espaces fabriqués et exploités par l’homme.

Avec pour point de départ la photographie argentique, elle mène différentes recherches en peinture et en sérigraphie en s’inspirant particulièrement des éléments qui jalonnent notre environnement proche. Elle met ainsi en lumière la reproduction des espaces sur chaque territoire, interrogeant leur artificialisation et l’intervention de l’homme sur le paysage. Pour ses recherches en cours, elle développe un travail autour de la trame et de sa vibration.

Partant de ses photographies dont elle extirpe un bout de matière, elle accentue le grain en jouant avec la grosseur et le style de trame, créant des images hypnotiques et parfois dérangeantes.

A l’occasion de la Fête de la nature et de la Journée internationale de la biodiversité, l’association Espace d’apparence donne carte blanche à Marie-Claire Raoul qui propose un temps fort, joyeux et insolite, dans le vallon du Stang-Alar à Guipavas autour de sa sculpture végétale Marcher sur l’eau blanche installée sur la prairie de Keravilin.

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PROGRAMME

RENDEZ-VOUS SUR LA PRAIRIE DE KERAVILIN (RUE APOLLINAIRE À GUIPAVAS)

13h30 > 14h15
L’artiste plasticienne MARIE-CLAIRE RAOUL évoquera la genèse et la fabrication de sa sculpture en saule vivant Marcher sur l’eau blanche.

14h15 > 16h15
Avec David Noguès, éducateur Nature pour l’association Bretagne vivante, nous explorerons et découvririons la biodiversité de la prairie humide de Keravilin.

16h15 > 17h00
La chorégraphe et danseuse Caroline Denos réalisera la performance RU (Récit Ultérieur), en résonance avec le projet et la sculpture Marcher sur l’eau blanche.

17h00 > 18h30
Le philosophe Yan Marchand nous emmènera en balade Au fil de l’eau vers une philosophie de la mer.

Départ de la prairie de Keravilin, à partir de laquelle, nous suivrons le cours du ruisseau Dourgwen pour rejoindre le jardin du Conservatoire national botanique de Brest (CBNB).
Arrivée à la cascade du Jardin du CBNB, à proximité des bâtiments administratifs (52 allée du Bot à Brest, repère « Administration » sur le plan)

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FESTIVAL OODAAQ #13

Images nomades et poétiques,

Point fort de la programmation annuelle de L’Œil d’Oodaaq, le Festival Oodaaq #13 vous donne rendez-vous cette année à la Bibliothèque des Champs Libres (le 15 mai), au bar L’Attrape-Rêve (le 16 mai) ainsi qu’au Théâtre de la Parcheminerie (les 17, 18 & 19 mai) à RENNES.

Au programme : projections de programmes vidéo, conférence, projection-débat, performances et concerts.

BIBLIOTHÈQUE DES CHAMPS LIBRES

Mercredi 15 mai :

Projection, Le quotidien devient un musée vivant et le passé s’incarne dans les corps d’aujourd’hui  : 12h30 & 17h

ATTRAPE RÊVE

Jeudi 16 mai:

Projection, Je suis composée de matière humaine comme vous : 20h

PARCHEMINERIE

Vendredi 17 mai:

Ouverture des portes : 17h30

Projection, Comme une promesse faite sur le sable, à peine écrite que déjà la mer l’efface  : 18h15

Projection, Faire n’importe quoi que tu as décidé pour toi, n’importe quoi qui te permet d’acheter ta liberté, c’est vivre : 19h30

Performance, Milon Milon : 21h30

Performance, Ju Bourgain : 22h45

Performance, Dragshow House of Evangelion : 00h00

Samedi 18 mai:

Goûter rencontre discussion équipe artistes publics : 15h00

Projection, Géante aux pieds d’argile, féminine malgré mes efforts : 16h00

Projection, Je préfère être cyborg que déesse : 16h50

Projection, Viendra le temps du temps du feu : 18h

Projection, Apprendre le langage des arbres et des ruisseaux : 19h40

Performance, Rose Mahé Cabel : 21h

Vidéo-Performance de Marion Binois interprétée par Marine Gambardella, Marguerite : 22h25

Performance, BORA Murmure : 23h45

Dimanche 19 mai:

Ouverture des portes : 12h30

Projection, Nos silences ne nous protégeront pas : 13h

Atelier/projection de Tahin Demiral sur le cinéma De Barbara Hammer, Amour.amours.liberté : 14h20

Projection, Où je vais, les arc-en-ciel coulent sur les bras : 17h30

Live Amarin Romarin : 19h15

→ L’ensemble du Festival Oodaaq est à prix libre et conscient

→ Bar et petite restauration sur place

→ Boutique nomade : Vente de sérigraphies, stickers, cartes postales

Création visuelle par Ari Caron Delacour

Marcher, tracer, répéter jusqu’à épuisement, inscrire le paysage. Mes recherches interrogent le rapport entre la marche quotidienne et rituelle, la trace et l’écriture.

Médiation graphique et picturale. La ligne spontanée n’est pas un contour ni un dessin, elle possède sa propre énergie, libre de toute référence à l’image, ne pas savoir où je vais me libère d’une certaine forme, d’une certaine direction à prendre, laisse toute définition du sens possible.

SOURCES aborde les notions de plaisir et d’aventure liées à la pratique artistique.
Peintures, dessins, sculptures et photographies forment un récit contemplatif et joyeux.
Marie VEYRON BATHELLIER s’empare du vivant, de l’imprévu, de la poésie de l’instant.
L’artiste y source process et cheminements et crée un langage sensoriel.

Près de 150 œuvres (peintures, dessins, sculptures, photographies…) sont à découvrir, pour beaucoup créées pour le lieu.

« Les images ne sont ni les purs fétiches intemporels que prône l’esthétique classique, ni les simples chroniques figuratives que prône l’histoire de l’art positiviste. Elles sont des montages de temporalités différentes, des symptômes déchirant le cours normal des choses. Quand l’image survient, l’histoire se “démonte”, dans tous les sens du mot. Mais, alors, le temps se montre, il s’ouvre dans toute sa complexité, dans son montage de rythmes hétérogènes formant anachronismes. » (Georges Didi-Huberman, Devant le temps, 2000)

L’instant et son ombre présente le travail de cinq artistes : mixages de temps et de lieux — montages, assemblages, superpositions, strates — sans hiérarchie, sans chronologie.
Mélanges et fragmentations, juxtapositions d’éléments de pensées, de récits, d’imaginaires comme dans un monde dont il ne resterait que des éclats, que les artistes recueillent, disposent, laissant aussi vides, lacunes ou effacements.

Fragments témoins d’une temporalité parcellaire, insaisissable, mouvante.
Assemblages qui creusent la mémoire, les formes et les représentations par le déphasage et l’anachronisme, qui évoquent un temps non linéaire, dialectique, avec des retours intempestifs de formes et de contenus.

Œuvres troublantes et déroutantes qui jouent des rapports entre précision, indistinction et émotion. Non pas pour créer du chaos, de la confusion, mais pour une dynamique de décentrement, de débordement, de décadrage.

De tout cela naît un savoir nouveau. De ce moment où la raison abdique et où la fragilité du monde apparaît.
Il s’agit “d’irrationnaliser” le monde et, ainsi, d’ouvrir des possibles à la pensée.

« Une photo est venue, s’est soulevée, ou s’est extraite, a surgi. […] Avec aussitôt, il faut le noter, un pouvoir d’appel de cette photo en direction d’une autre, non identifiée mais formant derrière la première comme un estuaire obscur. Et lorsque j’ai compris vers quoi, vers quelle autre image la première, celle qui donc avait surgi, faisait signe, j’ai vu s’ouvrir un écart : l’espace d’un livre, toute une affaire à raconter, celle du chemin allant de l’une à l’autre — une histoire d’ombres brûlées, de temps suspendu, avec la possibilité de voir revenir, mais alors secoués, les vieux schèmes de la présence et de l’absence, de la masse et du détail, du temps filé, ou filant, et du temps stoppé net. Toute la dramaturgie de ce qui porte l’essence de l’image. L’histoire d’un glissement de (ou dans) la pensée. » (Jean-Christophe Bailly, L’instant et son ombre, 2008)

(merci à Jean-Christophe Bailly pour L’instant et son ombre)

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en écho à l’exposition :

• vendredi 26 avril, 18h30 : vernissage gourmand en présence des artistes
• vendredi 19 juillet, 18h30 — décentrements : Recours à la nuit, enquête poétique, conversation avec Virginie Gautier (écrivaine)
• vendredi 9 août, 18h30 — entremêlements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors)
• vendredi 23 août, 18h30 — cillements : projection du film La Jetée, de Chris Marker (1962)

Muz Yer – en breton : « maison à oiseaux » est un parcours de nichoirs à oiseaux conçus par des architectes français et internationaux dans l’espace public, à Rennes.

La thématique des nichoirs est l’occasion de sensibiliser le public à la présence et la préservation des oiseaux, et plus globalement à la protection de la nature et de la biodiversité. L’exposition Muz Yer se révèle être un très beau support pour l’animation d’événements de sensibilisation à ces questions environnementales.

La Tannerie présentera les maquettes des nichoirs à échelle réduite, ainsi que des dessins d’oiseaux à suspendre, et des interviews vidéo qui donnent la parole aux architectes du projet.

L’exposition sera complétée par des photographies et des objets illustrant le travail des oiseaux lors de la construction de leurs nids, certains se révélant être d’incroyables architectes ! Pour cela, sept étudiantes en DSAA Design du LAAB de Rennes ont été invitées à concevoir la scénographie de cette exposition et à développer une nouvelle muséographie en créant des dessins et des objets 3D permettant de sublimer les techniques de construction et les matériaux utilisés pour la fabrication des nids. Il s’agit d’un véritable projet pédagogique pour les étudiantes qui sont également invitées début avril pendant 5 jours à un workshop de production sur site à Bégard, pour réaliser et installer le projet.

Cette collaboration portée par le fonds de dotation MG, en partenariat avec la LPO Bretagne, est l’occasion pour les architectes, les étudiants et le public d’explorer et de (re)tisser les liens entre ville et ruralité.

Aedes is the result of two chance encounters (a novel by Pierre Michon and Paul Monnet’s herbarium) that set Barbara Bénédicte Penn on a frantic quest for a Book – primitive and absolute – that would bring together the lost fragments of her own origins. The herbarium, with its plant traces, obsessed the artist and became the unique and precious medium on which she would unfold the phantasmagorias of her memories and her imagination: a “paper sanctuary” where plants, animals and minerals form a living chaos.

Barbara Bénédicte Penn, born in Montreal in 1968, spent her childhood and adolescence in Brittany. She obtained a Master’s degree in Art History from the University of Rennes in 1992, and later trained in photography through various workshops and Masterclasses. She lives and works in Paris as a visual artist and archivist.

L’exposition réunit le travail de cinq artistes, Sosthène Baran, Louis Ziéglé, Maëlle
Lucas-le Garrec & Maho Nakamura et Jules Le Maut (Courtesy La Galerie à venir)

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition “Une aventure”.

> Gratuit, ouvert à tous

Emmanuel Madec

Le travail photographique d’Emmanuel Madec fragmente le monde pour mieux dévoiler sa propension à produire simultanément de la réalité et de la fiction. Il propose des récits photographiques où les mémoires individuelles et collectives se lient au réel pour reconstruire des mondes disloqués. Les images mentales enfouies et confuses s’adjoignent à celles factuelles et circonscrites afin de révéler des histoires où l’imaginaire et le poétique s’accommodent au tangible.

Mickaël Soutif

L’univers artistique de Mickaël Soutif est peuplé d’animaux anthropomorphes ou de personnages loufoques tout droit sortis des contes pour enfants et des fables de la Fontaine. Le lapin, le chat, la sorcière, le fantôme, la tortue, le renard, la voyante et la mort participent à des récits qui renvoient aux traditions, aux coutumes et à la vie quotidienne. A travers ses bandes dessinées et ses animations, Mickaël Soutif aime aborder des sujets sérieux avec légèreté et subtilité. L’omniprésence d’internet, le parcours des migrants, les enjeux de la vie amoureuse et l’appréhension des traditions et de la mort, autant de thèmes qui tracent le portrait d’une société contemporaine baroque que l’artiste illustre avec humour et bienveillance.

SALON DE SCULPTURE – 35ème édition

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

Événement incontournable du printemps, le Salon de sculpture contemporaine, organisé en partenariat avec l’association Sculpteurs Bretagne, prend place durant un mois dans le hall de l’Hôtel de Ville.

Cette année, 100 sculptures sont à découvrir, œuvres de 38 sculpteurs.

Un hommage particulier est rendu à Roger JONCOURT, disparu en 2023 et créateur du célèbre cheval de Landivisiau, Paotr mad, sur la place Jeanne d’Arc.

Les exposants 2024 :

ALLOUIS Armelle, ARANAGA Juan, BERNARD Jean-Marc, CAROSI Giovanni, CHARRON-WOLF Michèle, DERRIEN Denis, DONNET Céline, FERREIRA Inès, GARDET-MARQUER Laurence, GEORGET Christian, GESTIN Jean-Yves, GIRARD Karl, HEMERY Chantal, JAOUEN Goulven, JEHANNO Yves, JONCOURT Roger, KERNEIS Gérard, LE CANN Janine, LE FLOCH Joël, LE GOFF Jean-Pierre, LE GUELAFF Laëtitia-May, LE LOUARN Anne, LEMORT Patricia, LE YOUDEC Thierry, MAHE Dominique, MIEGEBIELLE Franck, DE MONPEZAT Vincent, PAIANO Sandra, PANSART Bruno, PASINO Charles, PERON Gaël, PICARD-HELARY Martine, PITEL Nathalie, POUSSET Philippe, SAVARY Paul, SEGUIN Esther, TALEK Jean-Claude, WITTEBOLLE Cédric

ESPACE LUCIEN-PRIGENT

Expositions de Philippe POUSSET, lauréat 2023 du Salon de sculpture, et de Janine LE CANN, invitée d’honneur.

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

« Ce que j’aime avant tout c’est ce qui arrive lorsque je regarde un morceau de bois, la connexion qui s’établit entre mon esprit et la matière. (…) Tout est là, tout a déjà été créé par la nature. Il ne me reste plus qu’à m’en approcher le plus possible, la ressentir, la laisser me pénétrer, et y apporter ma propre vision. »

La trace aléatoire du feu, celle du temps qui passe, les courbes féminines, l’art tribal, celtique ou Maori, sont ses sources d’inspirations.
Si Philippe Pousset travaille le métal ou l’ardoise, c’est le bois qui a sa préférence. Armé de sa tronçonneuse et de ses outils de menuisier (gouge, ciseau à bois…), il entre en communion avec la matière dans un rapport à la fois puissant, sensuel et spirituel.

« L’idée de départ peut me dépasser, m’emporter, un nœud dans le bois peut tout changer, je vis ce que j’ai à faire, mes mains savent ».
Diplômé d’un brevet de technicien en agencement, option ébénisterie, Philippe Pousset a effectué ses premiers pas en sculpture à Casablanca (Maroc), à un tournant dansant de sa vie. Il participe depuis à de multiples expositions en France et à l’étranger, se réjouissant de pouvoir sculpter « en direct » devant le public, surtout des monumentales !

Janine LE CANN

Passionnée de dessin depuis l’enfance, formée aux beaux-arts de Brest, Janine Le Cann a ressenti il y a plus de quinze ans, le besoin de passer au volume. Dans le dessin (mine de plomb, pastel) ou la peinture (aquarelle, huile), les sujets sont variés (paysages, natures mortes, nus, animaux). En sculpture (terre, bois, ciment et bronze), le sujet est toujours autour de l’humain et de l’émotion qu’il suscite.

https://sculpteurs-bretagne.bzh

HORS LES MURS / INSTALLATIONS

DU 24 FEVRIER AU 7 AVRIL 2024

Trait d’union entre les différents lieux culturels de la ville, le projet “Hors les Murs” permet de mettre à l’honneur les multiples formes de la création sculptée.
Retenus dans le cadre d’un appel à projets lancé par la Ville de Landivisiau et en partenariat avec l’association Sculpteurs Bretagne et le service culturel de la Ville, trois projets artistiques ont été  retenus, pour trois lieux emblématiques de la ville : le parc de Kréac’h Kélenn, la fontaine Saint-Thivisiau et le parvis de l’Hôtel de Ville.

Les lauréats 2024 :

> Parc de Kréac’h Kélenn : Laëtitia-May LE GUELAFF – sculpture Envol

> Fontaine Saint-Thivisiau : Vincent DE MONPEZAT – installation Conversations

> Parvis de l’Hôtel de Ville : Bruno GUIHÉNEUF – sculpture Flux 245

Peter Briggs est né en Angleterre où il découvre la sculpture et la gravure. De son père botaniste, il découvre et observe la nature. Son travail se caractérise par une compréhension physico-sensorielle de la matière. Il est empreint de la mémoire des choses (réinterprétation des formes des objets utilitaires) et de leurs états antérieurs (le métal en fusion chaud et liquide devenu froid par exemple). L’artiste accorde une importance particulière au détail plutôt qu’au tout, aux accords chromatiques des matières plutôt qu’aux pigments, aux assemblages mouvants plutôt qu’aux choses figées… Un univers unique qui passe par une exploration du sens du toucher et d’une perception sensible et culturelle de la matière qui nous compose et nous entoure.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Né le 17 juillet 1950, à Gillingham (Grande-Bretagne). Formation : Hornsey College of Art/Ecole des Beaux-Arts de Dijon. Enseigne la sculpture à l’école des Beaux-Arts de Tours depuis 1983. Vit et travaille à Tours puis à Saint Pierre des Corps depuis 1983.

Site internet : peterbriggssculpture.com

Alexandre Berthaud et Bruno Kervern se sont rencontrés au sein du collectif Mille au carré, un espace de création propice au développement d’un univers où graphisme, son, design d’objet, électronique, se côtoient de manière transdisciplinaire.

En considérant les technologies numériques comme source d’inspiration, les artistes déconstruisent leurs usages et les détournent à des fins poétiques. Les outils et techniques qu’ils questionnent deviennent des matériaux propices à la transversalité des arts. La donnée numérique comme médium permet de générer de l’interaction entre graphisme et musique, mais aussi entre humains et environnements.

L’exposition à L’aparté sera l’occasion pour eux de présenter de nouvelles créations, ainsi que certaines plus anciennes. L’ensemble évoque un cabinet de curiosité des temps modernes, où d’insolites vestiges du futur se côtoient. Liés par la matière et les technologies, ils semblent dialoguer via d’étranges moyens d’expression.

Elsewhere is a new commission and the first institutional solo exhibition in the UK by Alia Farid. Working in film, sculpture, and textile, Farid traces histories often marginalised or obscured by the Global North. In her artworks, communities, local practices, and traditions are reconsidered, giving the rhythms of everyday life political significance and potency.

Sixteen hand-woven and embroidered rugs are installed in the ground floor of Passerelle. Drawing from photographs, archival material, and interviews with local people, the works detail cityscapes – buildings, shop fronts, and adverts – that conjure the presence of the Palestinian diaspora in Puerto Rico (USA). Pharmacies and restaurants, owned and operated by Palestinians, are woven alongside brightly coloured mosques and a menu detailing ‘Arabic cuisine’.

The result of a close collaboration with weavers in Samawa, in southern Iraq, the textiles have been crafted through a combination of flat weaving and chain stitching specific to the region. Architecture, script (Arabic and Spanish) and traditional woven motifs recur throughout, illuminating how migration from one region in the Global South to another, brings forth new meanings, forms, and expressions of shared struggle and solidarity. Hanging in many parallel rows, the installation creates panoramic views, and a layering of lived history and daily routine.

Elsewhere is a growing material archive that traces the ways styles, symbols, rituals, and other social devices coalesce across continents. It is the first chapter of an ongoing research project, initially conceived in 2013, which maps Arab and South Asian migration to Latin America and the Caribbean. Other sites of investigation include Trinidad, Cuba, and Mexico. In this accumulative and iterative process, Elsewhere marks one crossroads on an intricate map.

As a counterpoint to this new installation, the Chibayish films series from 2022 and 2023 are also being shown, evoking the impact of the oil industries in particular on the social and ecological fabric of southern Iraq and Kuwait. Chibayish follows young marsh inhabitants as they introduce their homeland and its communities. The result is a stunning portrait of a natural landscape shaped as much by intimate, communal ways of life as by war, resource extraction, and industrialisation.

‘Passerelle is delighted to announce a ground-breaking collaboration with MojennLab, an avant-garde Breton start-up specialising in the creation of ancient and modern legends and optimising the tourist offer. This unique alliance between the art centre and the creative originality of the start-up marks an exciting new venture in the world of contemporary art. MojennLab is recognised for its ability to transcend the limits of the imagination and has joined forces with Passerelle to produce an exhibition that redefines the norms of creativity. The MojennLab combines history and narrative to create unique and unforgettable experiences. MojennLab offers local communities packages of myths tailor-made for each area: dragons, UFOs, brain-eating zombies or reincarnations of Joan of Arc or Charles Martel.

Loïc Le Gall, Director of Passerelle, talks with enthusiasm of this exceptional collaboration: “Passerelle has always been devoted to celebrating art in all its forms. By joining with MojennLab, we have the opportunity to push back the limits of our commitment to artistic innovation and entrepreneurship and present our audience with an incredible artistic experience.” The co-founder of MojennLab, Guildern Le Guenec’h, is delighted with this visibility: “To have the chance to show what we are capable of in an art centre such as La Passerelle demonstrates the original and international ambition of MojennLab. We are here to design the tourism of tomorrow and I am sure that art can help us in some way.”’

Ondine Bertin (1995) is a graduate of the European Academy of Art in Brittany (Brest site) and in 2023-2024 she was awarded a place on the Artist in Residence Workshops programme. She invites us to take part in a unique adventure at Passerelle by inventing a business of the imagination specialising in the creation of legends for regions that do not have their own. Hers is a caustic world, gently mocking the world of business and its codes, from the sometimes absurd teambuilding, to the new Franglais thrown up by the new professions, and examines the notion of the purpose of work, well-being and achievement.

Her MojennLab business, a portemanteau word combining Mojenn, Breton for legend, and Lab for laboratory, is sufficiently unusual and plausible to be almost credible in its role as a tourism consultancy. Whereas the words are perfectly believable, the images betray a use of artificial intelligence with room for improvement – which the artist demands – that often causes glitches (unexpected minor digital errors) with horrible results such as deformed faces.

Imagining a scenario that could be real, she questions the place of truth and information in today’s world where fake news has become almost indistinguishable from real news. How is history written? How is it sometimes falsified? These are serious questions which Ondine Bertin develops in her exhibition under the cover of her humour that is sometimes dark and sometimes simple and basic.

Passerelle has invited Atelier Magma to put on a unique joint exhibition. Atelier Magma is an association created in 2023 by and for a group of artists and designers from Brest and Finistère. The objective is to bring together artists from the local area to experience and manage a collaborative workspace. And for a very good reason, as times of sharing, meeting and reflecting stimulate creativity and promote the cross-fertilisation of practices. The need to do this was obvious: you had to get together in order to exist and create.

So this group has no particular coherence or common artistic practice. The people in the group know each other partly from an experience at the former Cercle Naval in Brest – the city of Brest kindly made available artists’ workshops in 2021 for local artists who responded to a call for projects – and partly from the emergence of the Art Schools of Brittany, in particular the Brest site of the European Academy of Art in Brittany. The members of Atelier Magma have never exhibited together and for some of them this is their first opportunity to show their works in the setting of a contemporary art centre.

The exhibition brings together 17 artists or collectives as members of Magma. Although the body of work varies hugely, one theme may be perceived: notions of traces and memory. “What remains of a collaboration between artists and the inhabitants of a place? Which moments of life should be preserved and in what forms? Which reality should we safeguard or modify?” are all questions demanding to be answered when you visit the exhibition. Through the clues and propositions offered by many of these artists, an important and implicit questioning gradually emerges: what is the place of the artist in our current society that is so polarised?

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre avec l’artiste Catherine Pouplain pour découvrir l’exposition “Une aventure” plus en détail.

> 17h, gratuit, ouvert à tous

Camera in hand, Anne-Charlotte Finel explores interstices and boundary zones: between light and darkness, wild and man-made spaces, animal and plant, human and non-human, living and machine, etc. With its exploration of these thresholds, the Respiro exhibition at La Criée centre d’art contemporain offers a visual and aural experience that questions and blurs the contours of our perceptions and representations.

In Respiro, a first version of which was presented in autumn 2023 at the Centre d’Art de Saint-Fons, Anne-Charlotte Finel draws on a series of recent pieces to create an environment made of darkness and shards of light, of furtive yet slow movements, of blurs, details and materials. To create her sometimes phantasmagorical images, the artist uses only her camera. There’s no mise en scène, just a patient, attentive recording of the living; an alliance between the artist’s eye and the mechano-electronic eye of her camera.

At La Criée, the artist has reconfigured the space of the art centre into three areas, structured by oblique partitions. Each area plunges the visitor into an atmosphere that is both specific and permeable to the neighbouring spaces, through a slight diffusion effect. The ensemble is underpinned by a soundtrack composed by Voiski that reinforces the impression of detachment from reality with its abstract and naturalistic electronic layers.

Carla Adra is a French, Canadian and Lebanese artist whose work, composed of performances, installations, videos, drawings, writing, and more) is based on everyday life, its contexts and its hazards.

Conceived as working with the living, the artist’s practice refers to the notion of intimacy, which she defines as a matter, an interface, a friction, that links beings together in a continuum of relationships.

With her desire to generate connections between people, She develops systems that create links and act as sounding boards, making audible words that have found no refuge and that are usually disqualified. Speaking of others through herself, her work questions self-effacement and disappearance behind the stories, aspirations and feelings of those whose words she listens to, endorses and passes on.

For her exhibition at 40mcube, she developes new situations that reflect her work process.

Dessiner est une aventure et cette exposition est une aventure. Je voudrais raconter quelque chose d’universel et de moi en même temps. Raconter des histoires, des sensations, des émotions, des sentiments. Raconter l’envie de nature, de paysages, de jardins désordonnés, de forêts profondes, de chemins énigmatiques. Raconter l’envie d’humains, d’étreintes, d’attentions et de regards. Raconter la rencontre de tout ça, les plaisirs et les déceptions. Comme une grande histoire en cours. Une histoire d’aventure dessinée où les formes et les couleurs explosent sous vos yeux.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition “KÓSMOS”.

> Gratuit, ouvert à tous

Visite accompagnée par la responsable de l’artothèque le samedi 18 novembre à 17h.

> Gratuit, ouvert à tous.

For this exhibition, Les ailes de Caïus presents the post-photographic work of the American artist Gregory Eddi Jones. For this edition, the association joins the GLAZ festival as part of the Rencontres Internationales de la Photographie.

T.S. Eliot, The Waste Land, 1922

The poet T.S. Eliot published in 1922 The Waste Land, a poem in verse that marks modern literature. This poem inspired Gregory Eddi Jones, who directed a century later, his series Promise Land. The artist chooses to glean images (advertisements, newspaper articles, etc.) on the Internet to illustrate the poet’s scenes. Then comes an experimental phase where he grinds the images that he has appropriated (by digital retouching then by adding water to the inks once drawn on paper). Finally, the artist composes a piece of visual music, a symphony of distorted images like the notes of a brass band playing outside in a noisy street.

Gregory Eddi Jones is a post-photographic artist who explores methods of appropriation and reauthorship as means to form conversant bridges between past and present cultural and technological conditions. He has exhibited and published his work internationally, and his latest monograph, Promise Land, was published by SPBH Editions in 2021.

Website : gregoryeddijones.com

FRICTIONS CÔTIÈRES

Rencontre autour du projet éditorial de Marion Bonjour

mar. 14 nov. 2023 , 18:00 – 20:00

Avec :
Marion Bonjour, graphiste autrice
Eugénie Cazaux, chercheuse géographe au Laboratoire LEGT (Littoral, Environnement, Géomatique, Télédétection) de Brest
Loup Ballais et Julia Crinon, auteur.trice.s de science-fiction

En présence des co-auteur.trice.s, la graphiste Marion Bonjour nous présentera son édition d’artiste Frictions côtières. L’artiste y développe un univers singulier qui mixe esthétique, poésie, engagement militant et anticipation. Livre à plat ou affiche à lire, Frictions côtières nous parle des goémonières, du remembrement, de la hausse de la mer et des loyers en Bretagne, ou encore de l’assèchement des terres, des sujets spécifiques au territoire rural et côtier de la région des Abers.

Eugénie Cazaux rendra compte de sa thèse intitulée : La prise en compte des risques côtiers par les marchés fonciers et immobiliers du littoral français métropolitain : ambivalence de la mer et tentatives de régulation publique du “désir de rivage” à l’aube du changement climatique, effectuée au sein du LETG Brest.

Le projet de recherche “Frictions côtières” a été mené avec la participation de La Maison des Abers – Ty an Aberioù. Il a été accompagné par l’association Espace d’apparence dans le cadre du dispositif d’Aide aux artistes plasticien.ne.s en Bretagne avec le soutien du Conseil régional de Bretagne.

Une après-midi spéciale pour rencontrer les artistes, mais aussi pour écouter les propos de Yan Marchand, docteur en philosophie, et Maël JézequeL, doctorant en sociolinguistique au CRBC – UBO (Université de Bretagne Occidentale), deux invités avec lesquels les artistes ont eu l’occasion d’échanger lors de leurs investigations.

SAMEDI 4 NOVEMBRE DE 14H A 18H

En continu, les artistes seront présent.e.s pour parler de leurs œuvres et répondre aux questions du public.

• 14h : Présentation de l’exposition
• 14h30 : Petite philosophie de la mer avec Yan Marchand, docteur en philosophie. “La mer : du mythe à la philosophie“
• 15h : mini-conférence de Maël Jezequel, doctorant en sociolinguistique au CRBC-UBO : “Variations linguistiques en zone Manche-Atlantique”
• 15h30 : Présentation de l’exposition
• 16h : mini-conférence de Maël Jezequel, doctorant en sociolinguistique au CRBC-UBO : “Variations linguistiques en zone Manche-Atlantique“
• 16h30 : Petite philosophie de la mer avec Yan Marchand, docteur en philosophie. “La mer : une chose tellement difficile à définir”
• 17h : Visite guidée de l’exposition

PARTENAIRES ET SOUTIENS : Espace d’Apparence est soutenue par le Ministère de la culture-DRAC Bretagne, le Conseil régional de Bretagne, le Conseil départemental du Finistère, la Métropole de Brest, la commune de Saint-Pabu. Pour leur accompagnement et leur accueil, elle remercie les équipes de Passerelle Centre d’art contemporain et de la Maison des Abers -Ti an Aberioù. Le projet « Frictions côtières » de Marion Bonjour a été rendu possible par l’« Aide aux jeunes artistes plasticien.ne.s en Bretagne » du Conseil régional de Bretagne.

Depuis 2021, l’association Espace d’Apparence, à travers le programme De la nature, accompagne les artistes dans une réflexion sur la nature qui s’appuie sur l’exploration des territoires et le dialogue avec des expert.e.s, des scientifiques et des habitant.e.s.
A l’occasion de la troisième édition de son Festival Les Art’Pulseurs de l’Océan, Océanopolis invite Espace d’apparence à exposer les projets d’artistes ayant participé à cette expérience.

La rade de Brest et son évolution, les anciennes pêcheries, les goémoniers et leurs outils, les métamorphoses de l’eau et les résurgences d’eau douce en milieu salin, les rochers sur l’estran et leurs noms bretons, les plantes et les fleurs du littoral, les sirènes et les légendes bretonnes, le développement urbain en zones côtières et ses enjeux à l’aube du changement climatique, sont autant des terrains de recherches que des sujets d’inspiration.

Divagations poétiques, investigations scientifiques et anticipation du futur s’expriment à travers des installations, sculptures, vidéos, photographies, peintures, dessins, textes et sérigraphies.

RENDEZ-VOUS — ESCALE #4

Samedi 4 novembre de 14h à 18h, le public pourra rencontrer les artistes et assister aux interventions du philosophe Yan Marchand et du géolinguiste Maël Jezequel.

Johanna Rocard s’intéresse particulièrement aux rituels anciens et contemporains et à la question de l’esprit de groupe. Ces expériences et savoirs croisés permettent aujourd’hui à l’artiste performeuse de mettre en œuvre une pratique protéiforme structurée par une recherche action non hiérarchisée sur la notion de collectif, et plus particulièrement sur les gestes et rituels de conjuration du mauvais sort qui lient les groupes humains en temps de crises.

Prenant la suite de son projet Le Quinzième jour sur les paysages post-apocalyptiques, Johanna Rocard ouvre un nouveau chapitre intitulé Les enfant·es du compost dans le cadre de sa résidence à L’aparté. Dans un entrelacement organique des écrits de la biologiste philosophe Donna Haraway et des « Guérillères » de Monique Wittig, l’artiste performeuse interroge les capacités de vie de l’espèce humaine, au regard des crises qui la traversent.

Est donné à voir l’envers d’un décor, celui d’une quête constante d’alternatives aux ténèbres du monde, où se rencontrent nail art, tuning, compostage et écoféminisme. À l’abri dans la caverne, l’artiste a invité en amont des femmes de l’EHPAD de Montfort, des allié.es et personnes minorisées de tout âge à co-écrire un guide de « sous-vie » féministe, c’est-à-dire un ensemble d’outils de soins et d’astuces pour une résistance souterraine où le préfixe « sur » n’a plus lieu d’être.

À l’occasion de l’ouverture de l’exposition Les enfant·es du compost, Johanna Rocard présentera Bombe Humaine, une collaboration inter-espèces sous forme de performance participative.

Tout ce que nous connaissons de l’Univers, du Cosmos semble procéder du Bing bang, en être “son écho”, dont le son fossile est encore audible dans l’univers. Chez les philosophes grecs le terme KÓSMOS signifie “le monde ordonné”, l’organisation du monde terrestre et céleste. Cette constellation d’images photographiques tente de rendre compte de la relation de l’humain à la biosphère terrestre, au Cosmos, dans le désert américain, ainsi KÓSMOS ne cherche pas simplement à reproduire extérieurement l’image du monde, mais cherche à saisir l’étrangeté primordiale de notre environnement terrestre perçu comme un monde crypté.

For his first solo exhibition, Stanislas Paruzel presents the first three films of a series dedicated to Tristan & Iseult.

Stanislas Paruzel’s films combine different modes of production. Combining shooting with actors and actresses, animation and inlay, they take on a dreamlike, unreal dimension.

For his exhibition at 40mcube, Non Complete Story, he presents the first three films in a series that he will be continuing. Each episode is an interpretation of a chapter from the text of Tristan & Iseult, based on the modern French versions by Joseph Bédier and René Louis. One of them, produced during the professional training GENERATOR that the artist attended in 2021-2022, is dedicated to chapter 15, Mark in the tall pine tree.

Stanislas Paruzel’s scenography combines these videos, projected or screened, with sculptures that are also elements of the sets, or works produced after his films were made, evoking and extending their singular universe.

While revealing an almost childlike fascination with the Middle Age and its aesthetics, this classic tale of love is seen from a contemporary, critical angle.

Cher Lucien,
C’est curieux, n’est-ce pas, de t’écrire, un jour d’automne 2023.
T’écrire, pour te dire avec vive émotion, que nous avons accueilli les clés de cette incroyable demeure qui porte désormais ton nom. Venir ici pour y déposer notre cargaison d’Art quelques temps, dialoguer avec certaines de tes œuvres et s’interroger sur les liens qui nous font et les traces que nous laissons… Est-ce que l’on crée pour soi ou pour le reste du monde ? Est-ce que l’on a peur d’être oubliés ? {…}

Sensibles aux lieux qui les accueillent, Elice Meng, artiste et Freddy Rapin, photographe et fondateur de la Maison d’Art Le Cargo Volant (édition de cartes postales et tirages d’art d’œuvres de créateur.trice.s vivant.e.s) ont envisagé le sujet de l’artiste et de l’homme Lucien Prigent et découvert des corrélations peu banales avec ce qui résonne en eux.

Le sculpteur Lucien Prigent (1937-1992) fut chargé du service postal, dans un hôpital à Paris en 1960. Les thèmes phares de son œuvre sont l’homme, le corps de la femme, l’oiseau.

Elice Meng et Freddy Rapin ont donc imaginé construire l’exposition autour de ces thématiques, en faisant dialoguer dans l’aménagement d’un « repère poétique », les œuvres empruntées aux divers artistes invités du Cargo Volant, et créer aussi des passerelles spatio-temporelles avec les sculptures de Lucien en place.

En écho au Festival Moi les Mots, ils nous interrogent également sur la nécessité de l’écrit et la beauté de la correspondance invitant les publics à revisiter leur rapport à l’épistolaire.

Élodie Guignard investit le quartier afin de nous proposer son regard d’ « un midi à ViaSilva ». La photographe développe une pratique artistique autour de l’humain, de la représentation du corps dans l’espace et de son insertion avec le paysage environnant.

La résidence s’inscrit dans un dialogue que l’artiste entretient depuis toujours avec le territoire et de ceux et celles qui l’incarnent. Il s’agit d’aller à la rencontre des personnes qui travaillent à ViaSilva, qui y passent la journée avant de rentrer chez elles. Elle apprécie écouter, collecter les histoires et témoignages des habitant·es quant à leur relation avec ce quartier. De l’intime au collectif, elle propose d’explorer de nouvelles pistes autour de l’ancrage des corps dans un lieu en constante évolution et construction.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva est un programme de résidences artistiques né en 2017.
L’objectif ? Garder une trace des transformations du quartier de ViaSilva à travers le regard de photographes. Depuis 2021, les Rencontres photographiques de ViaSilva investissent les lieux tout au long de l’année avec une programmation OFF.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Élodie Guignard, photographe titulaire d’un diplôme de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles, apparait comme une artiste incontournable dans le domaine de la photographie contemporaine. Forte de plus de vingt ans d’expérience artistique, elle nous entraîne dans un monde où les liens entre l’être humain, la nature et le territoire se révèlent sous un éclairage saisissant à travers ses oeuvres captivantes.

Depuis ses débuts, Élodie Guignard explore les frontières floues entre la réalité et l’imaginaire en mettant en scène des personnages au sein de décors naturels, souvent en Bretagne. Ses séries Le lieu désiré, À travers le feuillage, et Narcisse ou le souffle renversé ont conquis un public international, mettant en lumière une sensibilité artistique unique.

Son parcours l’a également conduite en Inde, à la frontière du Bangladesh, où elle a documenté la vie des réfugiés hindous venus du Bangladesh pendant deux décennies. À travers ses séries Le village de l’aurore et Santal, elle explore la complexité des relations entre l’être humain et son environnement dans des paysages exotiques et envoûtants.

Élodie Guignard ne se cantonne pas à la photographie artistique, elle s’engage également dans des projets humanitaires, notamment en capturant la vie des migrants bangladais à Paris. Elle illustre ainsi les interactions complexes entre les individus et leurs environnements, qu’ils soient naturels ou urbains.

A l’occasion des journées européennes du patrimoine, l’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à rencontrer Françoise et Bernard GAUTIER, autour de l’exposition “Une collection à partager…”.

Des oeuvres d’art abstraites, patrimoine du XXème siècle.

Artiste et designer accueilli en résidence à l’été 2023, Edgar Flauw présentera le fruit de son travail à l’occasion de l’inauguration du Château de la Garenne, site remarquable de la Ria d’Etel jusqu’ici fermé au pubic.

Au programme, en continu de 11h à 18h :

• Restitution de la résidence d’Edgar Flauw à travers l’exposition de ses œuvres et de ses travaux de recherche inspirés du territoire d’Étel, de son histoire maritime et des techniques traditionnelles de construction navale.
• Le coin des p’tits mousses. Espace enfants sur le thème de la mer et des bateaux : livres en accès libre, lectures par l’équipe de la Médiathèque municipale, jeu de piste à ciel ouvert : Alerte à la Garenne !

Et en écho au travail d’Edgar Flauw :

• 11h : visite guidée du parc et du Château de la Garenne. Thématique : Art & Architecture.

• 14h30 : visite guidée du parc et du Château de la Garenne par Dominique Baudel, historien et auteur de l’ouvrage Histoire d’une Rivière. Thématique : Histoire de la Ria (tous publics).

• 16h : atelier sculpture sur bois animé par Edgar Flauw (à partir de 6 ans, sur inscription).

• 18h : Quand viendra la vague, théâtre. Pièce pour 2 interprètes sur un décor réalisé par Edgar Flauw (durée 1h, tous publics, à partir de 8 ans). Perchés sur le plus haut sommet de leur île natale, Mateo et Letizia attendent la Vague. Pour s’occuper, ils endossent les costumes de celles et ceux qui viendront s’y réfugier. Mais l’île est petite, leur bout de rocher pourra-t-il accueillir tout le monde ? Et au fond, tout le monde mérite-t-il d’être sauvé ? Quand viendra la vague aborde avec humour et légèreté la question de la montée des eaux, un regard sur notre monde qui s’effrite et son possible lot d’angoisse. Texte : Alice Zeniter. Conception et interprétation : Pierre-Alexandre Culo et Irène Le Goué. Mise en scène : Fiona Hamonic. Scénographie : Edgar Flauw et Simon Lagouche. Production : Collectif La Fugue juillet 2022.

Accès libre, événements gratuits, possibilité de se restaurer sur place (pique-nique et foodtrucks).

Renseignements et réservation : contact@fonds-mg.fr

www.fonds-mg.fr/chateau-de-la-garenne

L’exposition ÉCLIPSES propose de confronter différents regards sur un monde en perpétuel changement. Elle explore les multiples facettes de la transformation et crée des rencontres inattendues entre des artistes qui figent le passage du temps et la beauté de l’éphémère.
ÉCLIPSES met en regard une sélection d’œuvres de la collection du centre d’art L’Imagerie (Lannion) et de l’artothèque des Moyens du Bord (Morlaix), rarement montrées au public. Deux médiums entrent ainsi en dialogue, la photographie et l’estampe, autour d’une thématique commune : la disparition.

La sélection des œuvres invite à penser la disparition par-delà sa dimension négative, comme un processus inhérent à toute forme de création, dont elle constitue l’un des moteurs. Telle une série d’éclipses, l’exposition tente de retracer ce mouvement permanent entre apparition et disparition inscrit derrière chaque phénomène du monde.
Le parcours s’articule autour de quatre grandes séquences : la mémoire, l’espace urbain, l’éphémère et les ombres. Ensemble, elles mettent en scène l’absence et l’oubli, le caché et l’inaccessible, l’immuable et le transitoire, à travers des expérimentations plastiques et des démarches artistiques diverses.

Avec les œuvres de :
Thibault Brunet, Jeanne Clauteaux, Jean-Marc Dellac, Caroline Feyt, Yannig Hedel, René Jacques, Michael Kenna, Bogdan Konopka, André Le Foll, Bernard Louvel, André Mérian, Eric Monbel, Bernard Plossu, George Rousse, Speculaire (Flavien Théry et Fred Murie), Hiroshi Sugimoto, Jacques Villeglé, Danielle Wallers.

« L’acte de dessiner relève pour moi de la magie. Magie de faire apparaître par la simplicité d’une feuille de papier, et dans l’économie de moyen que représente ici le dessin au fusain, des espaces de récit faisant surgir simultanément la mémoire et l’imaginaire, le passé et le présent ».

Le travail d’Anna Picco est engagé : physiquement (par son dessin au fusain sur papiers grands formats), personnellement (par l’influence de ses origines séfarade et ashkénaze), politiquement (par sa fascination pour la « Commune de Paris »), oniriquement (par son univers syncrétique où la force de l’image préexiste toujours à son interprétation intellectuelle et sensible).

Elle explore cette narration par un travail dessiné, souvent de grands formats. Dessins où les traces demeurent, persistent et ne cherchent pas à séduire. Gravir l’abîme, c’est dessiner pour « sortir du noir », remonter des profondeurs les limbes de la mémoire, du mystère, de l’oubli, de l’inconscient, de l’enfance, des révoltes, et esquisser les contours d’un monde autre.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

En 1924, Alfred Kubin écrivait : « Le monde m’apparait comme un labyrinthe. Je veux y trouver mon chemin et c’est en dessinateur que je dois le faire ». Le fil d’Ariane de ce labyrinthe devient pour Anna Picco l’imaginaire, le dessin la continuité entre l’individu projeté dans ses dédales et le monde.

Diplômée de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne, site de Rennes, Anna Picco expérimente par le dessin les possibilités inépuisables de la forme figurative et narrative. Elle vit et travaille à Nantes.

Site internet : annapicco.com

With Avaler les cyclones, Evariste Richer offers La Criée a sensorial experience that unfolds in every dimension of the art centre’s space. Composed of works specially conceived for the occasion, the exhibition is an invitation to think about the ramified links between heaven and earth, history and myth, meteorology and the imaginary.

Avaler les cyclones is a landscape in which we drift between rainbow mountains, under a great fluorescent sun, along the borders of thunderstruck continents, caught up in the random turmoil of a sky composed of shades of grey.

Avaler les cyclones is a pseudomorphism in which a circle becomes infinity, 75,000 faces of playing dice reveal the appearance of a hurricane and two helicopter blades become the hands of a ghost clock.

Avaler les cyclones is a concatenation where the different works combine and wrap themselves into a spiral.

Avaler les cyclones is a climate that oscillates between disruption, lightning strike and bedazzlement.

In Avaler les cyclones the human hand – that which holds the conductor’s baton, the architect’s pencil, but also the blind man’s cane or the dice of chance – is always present. Through these suspended gestures and various operations, it attempts to reappropriate the experience of long time. The exhibition questions man’s place on earth, his power of invention and his demiurgic excess.

Avaler les cyclones is an oxymoron : it speaks of suspension and acceleration, anxiety and wonder, movement and petrification.

Avaler les cyclones is a vertiginous experience that takes the form of a twilight haiku: human beings in the setting sun, spiralling out of control, the die is cast.

With Avaler les cyclones Evariste Richer employs slow, intense, almost geological thought. This reflection crystallises in works that suspend, rush and interact to express the density and stratification of time as much as the irreducible intensity of the present.

The exhibition is therefore a place where human, geological and cosmological history intertwine. In this respect, it is in keeping with the words of historian Achille Membe: “[…] in dealing with the Earth, it is a symbiotic chain, in reality the extent of living beings and their innumerable manifestations, that we must keep in mind. Humans, animal, plant and mineral species, microbes, winds, tornadoes, hurricanes, bacteria and viruses, as well as the seas, skies, climate, technological systems and other artificial devices and externalities, are all inseparably part of it. And what about the soils and glaciers, the rocky mix deposited by the rivers, the striated hills, the clay, the stone and the statues?”

Young artists 

For the 2nd consecutive year, the Galerie du Faouëdic of the City of Lorient opens its doors to young graduates of the EESAB. These 16 young artists have just obtained their National Higher Diploma in Plastic Expression (DNSEP) in the two specializations offered on the Lorient site: “art and storytelling” and “visual arts for journalism”. Prepared in 5 years of study, this diploma confers them the rank of Master and marks a new stage in their training and the beginning of their career.

Fragments for exhibition

In order to think about the exhibition of the class of 2023 and to propose a route around the works presented last June during the diplomas, the EESAB and the City of Lorient have commissioned Maïa Saillard, to curate the exhibition. About the idea of ​​fragments, she writes: “It is first a question of showing the way in which these artists question and represent what surrounds them and the way in which they echo reasoning common to all. How do we understand the body today? What is the relationship between nature and human beings? How do we tell a story? How to transcribe a memory, a walk, a dream? “

Support for young contemporary creation

By hosting this exhibition, the City of Lorient is responding to the wish of the graduates to be able to show their work to the Lorient public, thus ending their years of study and life in Lorient. Some aim to stay on the territory, others will leave for new horizons. They will continue their artistic practice or seek to work in the artistic sector in the broad sense, or in education. In order for the project to be coherent, the curating of the exhibition and the graphic design were entrusted to two young artists, themselves former students of the EESAB.

Ludovic Debeurme est un auteur de bande-dessinée, plasticien, écrivain, et musicien français né en 1971.

Il débute en 1996, en tant qu’illustrateur pour la presse et l’édition. Puis inaugure, en 2002, une longue collaboration avec les éditions Cornélius, qui publie sa première bande dessinée, Céfalus. Il est récompensé pour son livre Lucille (Ed. Futuropolis) paru en 2006, dont le prix “Essentiel” du festival d’Angoulême, et le prix Goscinny du meilleur scénario. Traduites dans de nombreux pays, ses œuvres suscitent l’intérêt du cinéma puisque sa trilogie Epiphania (Ed. Casterman. 2017) est en cours d’adaptation par le réalisateur Jan Kounen. Sa dernière parution, La Cendre et l’écume (Ed. Cornélius. 2022 – sélection Angoulême 2023) met en scène les décors de sa région d’enfance au service d’une autobiographie mêlant différentes strates historiques.

Il expose régulièrement son travail de plasticien en France et à l’étranger, et est l’auteur de plusieurs spectacles et performances associées à son groupe Fatherkid pour lequel il compose l’ensemble du répertoire.

Illustrateur fluide aux multiples traits, il présente à L’aparté l’exposition Hors-peaux, corpus d’œuvres graphiques dans lequel se décline notre rapport sensible à la nature. Entre récits intimes, contes oniriques drapés d’une poésie étrange et mélancolique, Ludovic Debeurme imagine des environnements boisés et des corps, souvent hybrides, pour nous rappeler que l’être humain est un composant du monde vivant.

Cette exposition proposée à la galerie, présente une partie de la collection constituée par Françoise et Bernard GAUTIER. Cet ensemble est né de leur intérêt pour les arts visuels. Après plus de 40 ans, on peut voir une collection cohérente et diversifiée, où l’abstraction domine. Elle s’appuie sur une documentation qui s’est constituée au fil des visites dans les musées, les expositions, en galeries et lors des portes ouvertes des ateliers d’artistes. Françoise et Bernard GAUTIER ont déposé des oeuvres à l’artothèque d’Hennebont, celles-ci seront présentées en septembre dans le hall du centre socio culturel et seront ensuite empruntables.

Visuel de Serge Saunière, encre sur papier oriental.

Cette rencontre permettra d’aborder la “fabrique des représentations” en prenant en compte les aspects historiques et sociaux de la photographie. Comment nos regards de photographes ou de spectateurs sont façonnés par des questions de genre, de classe sociale et d’origine ethnique ? Nous irons à la rencontre des actrices de ces évolutions majeures des dix dernières années qui contribuent à déciller les regards.

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Marie Docher est photographe et activiste. Engagée depuis 2014 en faveur de l’égalité et de la diversité dans la photographie, elle a créé la plateforme “Visuelles.art : ce que le genre fait à l’art” pour laquelle elle réalise des interviews des actrices et acteurs du domaine artistique et de la recherche. Elle est membre du collectif LaPartdesFemmes qui défend la place des femmes photographes. Elle fait partie des photographes sélectionné·es pour la grande commande photographique 2022 du ministère de la Culture/BnF. En décembre 2020, elle est nommée Chevaleresse des Arts et des Lettres.

En écho à l’exposition Loup y es-tu ? méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors) & Brigitte Mouchel (écrivain).

« La poésie, matière première en premier lieu, de théâtre ou de sentier, à lire, à dire, à saisir, à figurer, et la rencontre des genres, des arts plastiques et des littératures, des objets et des costumes, des mots et des choses, du présent et du songe. » Sophie Hoarau

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Sophie Hoarau est entrée au théâtre par son premier métier de costumière et avec le goût du travail en compagnies. En Bretagne, elle a collaboré avec Éric Vigner au CDDB de Lorient, les compagnies 13-10ème en Ut à Rennes, a k entrepôt ou Fiat Lux à Saint-Brieuc, Jo Coop à Lorient, les Théâtres du Laid Cru et du Tapis Bleu, l’Atelier des Possibles… Elle a cofondé et porté pendant quinze ans avec Séverine Valomet La Quincaille, lieu et compagnie à Poullaouen.

La poésie, aiguiseuse des perceptions et des expressions, constitue dès lors la matière première de ses projets de scène.

Elle multiplie depuis les lectures publiques lors de rendez-vous mêlant poésie, performances et arts plastiques. En 2019, elle passe de la forme lue à la mise en scène avec le monologue poétique Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon.

Brigitte Mouchel est tout autant écrivain que plasticienne. Elle a publié trois livres aux éditions isabelle sauvage déplier les silences (2022), et qui hante (2018) et événements du paysage (2010). Elle a également publié Si peu d’elles aux éditions Collodion en 2020. Depuis 1999, elle crée des livres d’artiste en autoédition qui disent ce partage entre images et mots. Régulièrement, elle expose ou participe à des expositions collectives, à des salons du livre (poésie et livres d’artiste) et anime des ateliers d’écriture.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Conceived with and around the work of Céline Le Guillou (artist in residency at Peillac), this exhibition explores the notion of matter and its existence as a representative of itself or of something else. The works presented are on loan from the artists or from collections including Frac Bretagne and Frac Normandie.

French artist Isabelle Arthuis exhibits her work on loan from Frac Bretagne in response to Minoterie21’s annual invitation for the “pigeonnier panel”. This silkscreen print, based on a photograph taken from inside the Grotte de Donant, will be on view outside for a year.

En écho à l’exposition Loup y es-tu ? méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (Dès lors).

« La poésie, matière première en premier lieu, de théâtre ou de sentier, à lire, à dire, à saisir, à figurer, et la rencontre des genres, des arts plastiques et des littératures, des objets et des costumes, des mots et des choses, du présent et du songe. » Sophie Hoarau

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Sophie Hoarau est entrée au théâtre par son premier métier de costumière et avec le goût du travail en compagnies. En Bretagne, elle a collaboré avec Éric Vigner au CDDB de Lorient, les compagnies 13-10ème en Ut à Rennes, a k entrepôt ou Fiat Lux à Saint-Brieuc, Jo Coop à Lorient, les Théâtres du Laid Cru et du Tapis Bleu, l’Atelier des Possibles… Elle a cofondé et porté pendant quinze ans avec Séverine Valomet La Quincaille, lieu et compagnie à Poullaouen.

La poésie, aiguiseuse des perceptions et des expressions, constitue dès lors la matière première de ses projets de scène.

Elle multiplie depuis les lectures publiques lors de rendez-vous mêlant poésie, performances et arts plastiques. En 2019, elle passe de la forme lue à la mise en scène avec le monologue poétique Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Isabel Perez del Pulgar investit ses photographies de famille des années 80-90 pour exorciser une expérience traumatique. Il s’agit de remettre en mouvement la mémoire en s’appropriant les images figées du passé, en les combinant par le geste plasticien et par le montage audiovisuel. Elle brûle, déchire et scarifie ses originaux pour faire, défaire et refaire d’énormes « albums », porteurs d’une narration jusque-là invisible. La matière altérée de ces images pauvres prend alors une dimension picturale, une unité chaude, traversée de rouges épais et diffus.
Isabel Perez del Pulgar engage ainsi, dans Reconsolidation, une variation plasticienne et réflexive autour de l’archive. Elle interroge la manière dont la mémoire familiale et l’identité personnelle sont construites et conservées comme une mythologie figée à travers diverses mises en scène : albums, encadrements, films du quotidiens et autres véhicules du souvenir. Un rituel pour reprendre possession de soi et produire un nouveau corpus d’images désormais pourvues de puissances salvatrices.

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Isabel Perez del Pulgar vit et travaille à Douarnenez depuis 2015. Originairement plasticienne, elle se consacre essentiellement à l’art vidéo depuis les années 2000. Son travail a été primé dans de nombreux festivals internationaux. Le projet Reconsolidation qui articule photographie et vidéo a reçu le soutien de la DRAC Bretagne en 2022.

• https://www.isabelperezdelpulgar.com/

À la suite d’une résidence de recherche et de création à l’invitation de l’association Les Moyens du Bord, Laëtitia Donval propose une première étape de travail sur sa perception du Pays de Morlaix par le prisme de l’eau en associant ses photographies et images d’archives. Elle s’intérresse aux traces de l’utilisation industrielle et quotidienne de l’eau par une exploration du passé et du présent des lieux de ruissellement et de vie du territoire.
La Manufacture des Tabacs de Morlaix, lieu emblématique de la mémoire ouvrière de la ville, est au cœur de cette recherche qui se poursuit le long des fleuves et rivières irriguant le territoire (le Dossen, la Penzé, le Queffleuth, le Jarlot, …). Une photographie au rythme de la marche, approchant de manière sensible, un paysage, son passé et ses habitants, associée à un travail de recherche d’archives voulant rendre visible une forme de matérialité instable du réel.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition Firestone Peak.

Artiste topographique, Gwenn Mérel arpente le paysage, observe, prélève, capte l’atmosphère, les couleurs et les lumières des portions de nature parcourues. Les éléments iconographiques capturés sont le point de départ de son travail plastique, utilisant différents médiums. Elle s’adonne en particulier au dessin et à des techniques ancestrales telles que la broderie, le tricot et le travail du tissu. Des ouvrages qui demandent concentration et patience, un labeur qui contraint à prendre le temps.

En résidence à L’aparté, Gwenn Mérel poursuit ses recherches et ses expérimentations sur le paysage. L’artiste s’imprègne de l’environnement immédiat de Trémelin et la Chambre au loup à Iffendic pour développer sa série de dessins composés de petites croix au crayon de couleur sur papier coloré, commencée lors de sa résidence à la Galerie des Petits Carreaux à Saint-Briac-sur-Mer au printemps 2019.

Dans la continuité de son rapport aux techniques « domestiques », en ce qu’elles se pratiquent dans l’intimité du domicile, Gwenn Mérel a cultivé des plantes pendant le temps de sa résidence et réalisé des oyas-sculptures qui permettent d’irriguer la terre régulièrement et avec parcimonie. Cet ensemble de plantations et d’oyas est disposé au cœur de la salle d’exposition, sous un puits de lumière naturelle. Ce paysage « macro » dialogue avec le panorama extérieur du lac de Trémelin que l’on aperçoit à travers les vitres.

La résidence de Gwenn Mérel à L’aparté se clôture comme elle a commencé, par une lente déambulation autour du lac de Trémelin, non pas en solitaire mais accompagnée d’une soixantaine de volontaires qui auront revêtu les pulls-nuages, tricotés à partir de 2019. Performance poétique comme une ode aux nuages qui, à la manière d’un artiste, jouent avec les lumières et les couleurs du paysage.

Sophie Marrey, chargée de la programmation et de la médiation, 2023

À l’occasion de la réouverture estivale de L’aparté, et du vernissage de l’exposition de Gwenn Mérel La terre a-t-elle couvé ce jardin de couleurs ? l’artiste vous invite à participer à sa performance Ces nuages qui courent là-bas…

Parés d’un pull-nuage vous pourrez déambuler lentement autour du lac de Trémelin en notre compagnie. Le départ s’effectuera le mercredi 5 juillet à 16h à L’aparté pour une arrivée vers 18h au moment du vernissage.

Lien vers le formulaire d’inscription

Nous vous attendons avec impatience !

Research and creation residency of Alix Cantelaube at Chez Angèle, Peillac.
As part of the “Contre Vents et Marées” program, which supports young visual artists in the Brittany region.

Le Larvoratoire photographique accueille trois étudiants de l’EnsAD Paris pour l’exposition Les intermondes qui se tiendra la première quinzaine de juillet à Douarnenez. Cette action s’inscrit dans notre créneau d’accueil des étudiants des écoles d’art. Guillaume Bihan, Côme Rollet et Shanna Warocquier terminent actuellement leurs parcours d’études Photographie et Vidéo à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Trois regards talentueux sur le clair-obscur de notre rapport au monde et à la nature. Ils sont accompagnés par Rose Vidal, jeune curatrice et romancière, également étudiante aux Arts Décos et qui a écrit le texte de présentation de l’exposition.

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“Les mondes s’éloignent, ne se connaissent et ne se reconnaissent plus, à force de distinctions : l’humain de l’animal, le chez-soi du dehors, le jour de la nuit, le sujet de son arrière-plan, le sujet cultivé de son paysage sauvage. En s’attardant dans la chasse infinie d’un clair-obscur, trois photographes arpentent l’indistinct et recueillent, chacun·e de là où iels sont, les preuves contradictoires de sa persistance. Leur décor ? entre l’habité et l’abandonné, le corps ? entre humeurs et humus, l’heure ? entre chien et loup. Parlons de cet entre-deux non comme d’une frontière sur laquelle on basculerait d’un monde à l’autre, mais comme un espace où se pousse l’indécision lorsque la photographie décide de s’y attarder. Cet « entre » fragile, où s’éterniser quand la lumière tombe et que s’indéterminent la nature et la facture des choses.

Guillaume Bihan, Côme Rollet et Shanna Warocquier nous maintiennent dans une énigme prolongée, agencée en fragments, en perspectives et décors qui pourraient se relier si seulement une histoire était dite. Qui fuit, qui suit ? Est-ce que nous appréhendons bien ce que c’est que l’animal, le non humain, et la nature, si proche si loin ? L’histoire est l’entre qui n’est pas dit, où les mondes sont multiples et se dédoublent, se partagent, abritent les chasses gardées de territoires superposés ; nous emmènent dans une traque dont nous ne sommes pas toujours proies.”

Rose Vidal, mai 2023

At the crossroads of Drag, Cosplay and contemporary art, Claire Guetta plays Sailor Claire Voyance, who makes her life more epic, romantic and even dramatic.
Freely inspired by Japanese magical girls, she romanticizes her daily life while touching on feminism and the passage to adulthood.
Sailor Claire Voyance battles the forces of evil and continues her quest to make the world a brighter, less scary place.
Through a video installation, immerse yourself in the artist’s magical universe and set off in search of the lost Crystal…

En écho à l’exposition Loup y es-tu ?, méandres vous propose une rencontre avec Virginie Podvin autour du film Les enfants, de Marguerite Duras

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Les enfants est une adaptation libre du conte pour enfant Ah ! Ernesto (1971), écrit par Marguerite Duras.

“La folie d’Ernesto, dans un monde entièrement assujetti au consensus, réside dans cette liberté débordante, excessive, révolutionnaire dont il voudrait disposer. Dans son refus de toute valeur préétablie, dans sa volonté de détruire et de saboter le savoir — dans son cas le savoir scolaire — pour retrouver en lui l’innocence universelle. Ce n’est pas un hasard si le film se construit sur une sorte de comique désespéré.” (Marguerite Duras, entretiens avec Leopoldina Pallotta della Torre, 1987)

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Les travaux de recherche de Virginie Podvin portent sur la littérature du XXe siècle, plus précisément sur l’œuvre de Virginia Woolf, Nathalie Sarraute, Samuel Beckett et Marguerite Duras, notamment dans leur interaction avec la musique et les arts visuels.

Elle est membre de la Société d’Études Woolfiennes, du Beckett Circle et de la Société Internationale Marguerite Duras — elle fait partie du conseil d’administration de cette dernière et est rédactrice en chef de son bulletin.

Elle a consacré une thèse à L’Esthétique de Samuel Beckett à la lumière de sa correspondance, récemment parue, sous la direction de Sophie Guermès, à l’Université de Brest. Elle appartient au Centre d’étude des correspondances et journaux intimes de l’Université de Brest, laboratoire de recherche dirigé par Sophie Guermès.

Elle enseigne la littérature du XXe siècle auprès des étudiants de Licence Lettres, Licence Arts et Licence Humanités.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Réservation conseillée (places limitées) : contact@meandres.art / 06 52 96 68 99

Pour la huitième édition de l’événement poétique, artistique et culturel « Les Cent Marches », l’association morlaisienne Dont Acte donne carte blanche à Espace d’apparence pour investir,le temps d’un week-end, le jardin de l’ancien hôtel particulier du peintre et maître verrier du XIXème siècle Jean–Louis Nicolas.

Dans ce contexte, l’artiste plasticienne Marie-Michèle Lucas invite les artistes Élouan Cousin, Alix Lebaudy, Nesrine Mouelhi, Marie-Claire Raoul et Marianne Rousseau à s’approprier cet espace remarquable.

La réflexion qu’il.elles ont menée précédemment au sein du programme artistique De la Nature trouvera ici un autre cadre, celui du jardin, et quel jardin !
Située au 13 rue Longue, au pied de l’escalier dit des Cent marches, la maison de l’ancien peintre décorateur et maître verrier est implantée sur la pente montante de la vallée du Queffleuth. Le jardin entièrement clos, accolé au versant très escarpé du coteau, est aménagé sur trois niveaux. Il bénéficie d’une vue spectaculaire sur la ville de Morlaix et les vallées environnantes.

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VERNISSAGE

Samedi 1er juillet à 12h
Rue Courte. Rendez-vous dans le jardin du milieu de la rue (Grille)

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INFOS PRATIQUES

• Lieu : 13 rue Longue – 29600 Morlaix
  Pour accéder au jardin, au départ du 13 rue Longue monter l’escalier de la rue Courte, puis prendre à droite la venelle qui longe l’hôtel particulier. La première porte à votre droite est celle du jardin.
• Horaires : de 11h à 19h
• Entrée libre et gratuite

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REMERCIEMENTS

Nous remercions vivement Marie-Michèle Lucas et l’association Dont Acte pour cette belle invitation.
Un grand merci également à Véronique Paugam, propriétaire des lieux de nous accueillir avec beaucoup de générosité dans son merveilleux jardin. L’hôtel particulier de l’ancien maître verrier Jean-Louis Nicolas est inscrit aux monuments historiques depuis 2022.

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À PROPOS DU FESTIVAL LES CENTS MARCHES

Créée en 2015 par des artistes de Morlaix résidant pour la plupart dans les escaliers de la rue Courte ou venelle des Cent Marches, le festival propose depuis huit ans, sur la durée d’un week-end de juin, un événement culturel, dialogue vivant entre les différentes pratiques artistiques et la poésie. L’originalité du festival « Les Cent Marches » est de conduire le public vers les différentes pratiques artistiques (peintres, sculpteur.trice.s, plasticien.ne.s, photographes, designers, céramistes, poète.sse.s et écrivain.e.s) par le biais de la découverte d’une rue, de ses habitants, la beauté et l’intérêt patrimonial de ses combots, jardins particuliers offrant des points de vue inattendus sur la ville.

Installée à la chapelle de la Trinité, Bruissement est une proposition en partenariat avec L’art dans les chapelles. Cette manifestation valorise le patrimoine architectural en le faisant dialoguer avec le travail d’artistes contemporains.

« J’ai commencé à tourner la vidéo de Bruissement il y a environ deux ans et demi, peu de temps après la naissance de ma fille. La naissance, la mise au monde de la vie et la rapidité de sa croissance, m’illustrent chaque jour le temps qui passe et notre condition de mortel. La peur d’oublier et de perdre des moments et des périodes de sa vie m’a amené à essayer « d’enregistrer le temps » et à commémorer les changements et les moments qui passent dans notre routine quotidienne, avec le souhait que, peut-être, de cette façon, je serais en mesure d’en prendre le contrôle.

Dès le début du travail sur la vidéo, j’ai choisi de ne pas photographier ma maison, mais seulement d’enregistrer sa voix et, au lieu de photographier sa silhouette, j’ai photographié au fil des saisons les mouvements de lumière et les silhouettes qui apparaissent au-dessus des rideaux dans la maison. Parallèlement à ces parties presque documentaires, j’ai mis en scène des gestes visuels essayant de saisir la lumière du soleil entre mes paumes, de concevoir sa forme et de prédire la direction de son mouvement ; et j’ai manipulé le rythme naturel du temps au montage.

La longue période pendant laquelle la vidéo a été tournée, le suivi du soleil révélant quand il est à son apogée et disparaissant quand il se couche, la voix changeante de ma maison et la transition du babillage de mon bébé à un langage clair… tout cela exprime pour moi de manière primale et sensuelle le passage du temps, la beauté qui existe dans la vie et, avec elle, la douleur de leur temporalité. »Yasmin Davis (traduit de l’hébreu par Olivier Stern)

Yasmin Davis est née en 1981. Elle vit et travaille à Tel Aviv (Israël).

Au printemps 2022, dans le cadre du programme artistique « De la nature » organisé par l’association Espace d’Apparence, les artistes Elouan Cousin, Vincent Lorgeré & Marieke Rozé, Marie-Michèle Lucas, Nesrine Mouelhi, Marie-Claire Raoul et Marianne Rousseau ont été accueilli.e.s en résidence durant trois semaines à la Maison des Abers-Ti an Aberioù, centre d’interprétation des Abers situé sur les dunes de Korn ar Gazel à Saint Pabu.

L’exposition « De la nature. Escale #3 – Aber Benoît » présente les œuvres issues des explorations qu’il.elle.s ont menées sur ce territoire.

LIEUX

Maison des Abers-Ti an Aberioù, rue de Tariec, 29830 Saint-Pabu

Le long du gr 34 à Saint-Pabu

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PROGRAMME

>>>> Vernissage déambulatoire : Dimanche 9 juillet de 15h à 19h.
Programme et infos : ICI

>>>> Rencontres “Escale #3 en août”
Programme et infos : ICI

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A PROPOS DE LA MAISON DES ABERS – Ti AN ABERIOÙ

La Maison des Abers-Ti an Aberioù est un espace muséographique dédié à la découverte des trois abers : l’aber Wrac’h, l’aber Benoît et l’aber Ildut.

A PROPOS DU PROJET DE LA NATURE

Le projet « De la nature » initié en 2021 par l’association Espace d’Apparence, réunit des artistes et des intervenant.e.s associé.e.s (botanistes, géologues, historien en art contemporain, philosophe…) afin d’interroger la notion de nature, sa perception, sa représentation et questionner la relation de l’être humain à celle-ci. Il se déploie sur les territoires de la métropole brestoise et du pays des Abers.

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INFOS +

la-maison-des-abers-ti-aberiou.fr

espacedapparence.fr

Christian Bonnefoi offers an unusual example of an art theorist who has successfully turned his hand to practice, as evidenced by his 2008 retrospective exhibition at the Centre Pompidou in Paris. The Oniris gallery has invited him for the thirteenth time since 1992 for a new solo exhibition of recent paintings during the summer of 2023.

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“It’s a universe built from scratch, in which I use photography,” explains author and artist Maia Flore as she describes her approach. “But in the end, everything is conceived more like a painting or collage. It’s a collection of ideas. I collect photographic images that I then assemble to make them part of my universe, somewhere between imagination and reality. I like to play with that aspect. Making the audience ask themselves, ‘did that really happen?’ The scene before us seems plausible, but then again, we know it can’t be. It’s a thin line between two worlds. A permanent game. Sometimes
it’s tragic, sometimes it’s amusing or poetic…”

The ‘Artists-in-Residence’ programme, led by Passerelle and Document d’Artistes Bretagne, promotes the creativity of artists starting out their careers in Brittany. This year Germain Marguillard is enjoying the benefit of this arrangement for budding artists, which includes a residency, critical and technical support and an end-of-residency exhibition. After his three months spent at the art centre he is presenting the exhibition ‘À l’infini, pas du tout’ (Ad infinitum, not at all) in which he explores the links between sciences, the occult and the symbolism of forms.

At first sight it seems difficult to link the aesthetic of Marguillard to any specific era. He takes codes of representation and ways of seeing the world which appear to be in contradiction and outside of time. The common thread of his research is esotericism; he is passionate about beliefs, practices and phenomena that cannot be explained scientifically, such as astrology, divination, magic, and parapsychology. On the other hand, he closely follows technological developments in the so-called hard sciences, including chemistry, astronomy and physics, with no scientific ambition. Marguillard sets these worlds in opposition, where they stare stonily at each other, yet they are both asking the same questions: how does matter change or transmute? What is chaos? And many other questions that could be called existential…

The artist pays particular attention to the microscopic and the gigantic, from the atom up to the galaxy. The exhibition title alludes to this, ‘Ad infinitium, not at all’, and to a certain children’s rhyme, ‘I love you a little, a lot, passionately, madly, not at all’. He is fascinated by objects, documents and scientific instruments. He takes ownership of many forms from this particular vocabulary including the iconic one of the particle accelerator. This type of installation allows scientists to better understand how the universe works – it is possible to recreate cosmic phenomena in a miniature version – and to study the transformation of matter. When you grasp the objectives of this machine and how it functions, it then becomes evident that it is part of the alchemical ‘bestiary’ of the artist.

Marguillard shines a light on another duality: that of tradition in the face of modernity. The techniques he uses, such as firing ceramics, are ancient and common to numerous civilisations and peoples. He combines simple decorative forms such as leaves, knotwork and spirals which powerfully recall Islamic and medieval arts. But these motifs are inspired by treatises on botany and anatomy and other scientific works. Marguillard works on linking them to sculptures which resemble technological tools where they would not at first seem to belong, because our unconscious situates them in another place. By setting down this bridge between two incompatible worlds, he reinserts symbolism and grace into the scientific world which, however, only requires utility and functionality. Presented together, his singular sculptures paradoxically recall an archaeological site as much as a state-of-the-art technological laboratory. The exhibition could relate to a ruined temple, the home of ancient myths, but its resolutely contemporary register confuses one’s reading of it. By seeking to find the spiritual in the everyday – as also In his mural works that are half screen and half stained-glass window – Marguillard questions our certainties acquired in a world where information has never before been so available and so manipulated.

Passerelle is taking part for the first time in the initiative entitled ‘A photographic journey through Brittany’ which presents a photographic exhibition trail across the whole region every two years. This monographic exhibition by Laura Henno entitled ‘Grande Terre’ (Great Earth) is part of a broader presentation of the ‘Radioscopie de la France’ photographic commission aimed at photojournalists and supported by the National Library of France (BnF). Awarded this bursary, Laura Henno engaged in work that was artistic, committed, poetic and almost sociological, pursuing this in Mayotte from 2013, the date of her first visit to the Comoro Islands, the archipelago to which the island of Mayotte belongs. In her work she shows various ways of resisting oppression; this is precisely what attracted her to Mayotte, following the life of teenage gangs that survive on the coast of this land of contrasts, long forgotten by mainland France.

To understand the artist’s research, we must delve into the history of Mayotte, intrinsically linked to the post-war self-determination and independence movements. The Comoro Islands, then a French protectorate, declared their independence in 1974. The government of Valéry Giscard d’Estaing refused to accept the positive result of the referendum and retained one of the four islands, Mayotte, as an intrinsic part of the French Republic. This occupation became illegal and was condemned by the United Nations. In 1995, visas became compulsory for inhabitants of the Comoros wishing to visit Mayotte. Yet the people of the archipelago had always come and gone between the different islands, both to see family and to work. This geographical division created clandestine immigration that had not existed before, as well as social division, by exacerbating the hatred between rich and poor.

Laura Henno first became interested in the undocumented people of the Comoran community living in Réunion in abject poverty when she had a residency on that island between 2009 and 2012. She could see a parallel between the history of marronage and the clandestine life imposed upon migrants. Marronage was the word used in the colonial era when a slave escaped from a plantation and fled to wild, inaccessible areas. It was later broadened to mean a way of resisting slavery. Her early experience inspired her to spend time in the Comoros, and then in Mayotte, meeting people who took part in the illegal immigration system, including child people-smugglers.

«I bring out the existences and plural voices co-existing on the margins of society and make them resonate. By concentrating on isolated populations, in situations of migration or of survival, I explore the creative dimension of the resistance revealed in them. My use of photography and cinema favours an immersive approach to the communities I follow over several years,» explains Laura Henno, who spent whole months following the same groups of young people. One night, during one of her journeys, she heard whistling and barking around the village she was staying in. She was captivated by this very particular soundscape, as if the supernatural was emerging from the forest. She then tried to make contact with the young men who trained the packs of dogs roaming freely, working with them mainly at night. However, the Comoran people, the great majority of whom are Muslim, have banished this animal from everyday life. Laura Henno sees many symbols in this strange situation including the re-appropriation of a tool of domination: in the old days hunting dogs were used to track escaped slaves on the run, and they are now in the hands of young outcasts. The artist chose to reproduce this incongruous symbiosis between humans and animals. The series of photographs she is showing at Passerelle are therefore the tale, both committed and sensitive, of her extraordinary encounters.

For over twenty years the Prix Marcel Duchamp has each year crowned the career of an artist of the French scene, and in partnership with the ADIAF – Association pour la diffusion internationale de l’art français (Association for the International diffusion of French Art), this summer Passerelle is hosting an exhibition bringing together six artists who were award-winners or nominees between 2006 and 2019. The exhibition offers a partial panorama of art in France today through one apparently simple word: separation.

Taking up the title of the film by Asghar Farhadi, the exhibition examines separation in its many meanings and definitions. In 2011, Asghar Farhadi focussed on this word through various major issues, especially the cultural and religious differences in Iran, tension between the generations and social classes, as well as the difficulties experienced by women in a patriarchal society. The exhibition aims to widen these themes and extend the possible meanings of separation. This word can equally well refer to a romantic break-up as to the distance between two things, or to division – the difference between concepts, people or geographies.

The contemplative film MiddleSea by Zineb Sedira portrays the ferry journey between Algiers and Marseille. A man is watching the sea, leaving the viewer wondering: what is his story? Is he going somewhere or coming home? The Mediterranean separates the continents of Africa and Europe as much as it links them. The crossing becomes a time of expectant waiting and of poetry, the metaphor of a border that is both vague and infinite.

The story told by Thu-Van Tran is also situated in a particular geopolitical and social register but in a completely different region of the world. With Arirang Partition, the artist uses traditional Korean music to recollect the unity of the peninsula. She also reproduces scenes and motifs drawn from the homespun vocabulary of Korea and its history.

Yto Barrada examines cultural separations and possible rapprochements in her film installation Tree Identification for Beginners, with Pan-Africanism, Black Power in America and the civil disobedience movements inherent in the Vietnam War. She subtly interchanges the tales of the protagonists with stop-motion images of toys by Montessori, an alternative learning method. Her animated abstract forms recall the mobile works of Bruno Peinado which split the space into multiple dimensions.

Peinado’s separations are also a way of rethinking the status of the work in traditional art: is hanging on a wall the only place for a painting to be found? Or can it be given a fresh breath of life? The formal interplay in the exhibition creates uncertainty and reconfigures the art centre.

Although the separation may be physical, it is above all a matter of feelings for Anne-Marie Schneider. Her paintings bring us back to romantic matters, stories of break-ups and pain, or to the moment one enters adult life.

Éric Baudelaire is interested in the boundary between the paranormal and our real world, recreating a para-scientific experience. What is the place of chance in our lives? What limits do we impose on reason and on the power of the mind? These are some of the questions posed by the artist in this new installation produced for this exhibition.

Erwan Morère vit en explorateur des matières argentiques et en aventurier de nouveaux terrains photographiques. Le monde inconnu de la mer le fascine, ainsi que l’apesanteur des corps, l’insularité, notre survivance au sein du cosmos, les signaux que nous envoyons dans l’espace.
C’est sous cet angle qu’il abordera les rives de Douarnenez au cours d’une résidence de deux mois répartis entre juin et septembre. L’objectif est d’approfondir les recherches déjà menées autour de photographies et de captations sonores sous-marines.
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Erwan Morère vit et travaille à Guimaëc. Il est diplômé de l’École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles et d’un Master en Sociologie de l’art et Politiques Culturelles de l’Université Paris 7, Denis Diderot.

www.instagram.com/erwanmorere/

Art is Magic is the first retrospective in France of the renowned British artist Jeremy Deller, winner of the prestigious Turner Prize in 2004 and Britain’s representative at the International Biennale of Contemporary Art in Venice in 2013.

Jeremy Deller is interested in popular cultures and counter-cultures. Social issues, history, but also music are central to the artist’s investigations. His works are tinged with a strong socio-political discourse, linking culture – vernacular or mass – to the world of work. His research has led him to explore the social history of his country and the world through the social conflicts of the Thatcherite era, the music group Depeche Mode, the wrestling world, the seeds of Brexit, Acid house music and the rave movement, with the constant concern to involve others in the creative process.

Art is Magic exhibition provides a broad overview of the artist’s work from the 1990s to the present day, based on some fifteen major projects and works that have punctuated his career. It will also be the occasion to publish the first retrospective book of the artist’s work in French.

Research and creation residency of Ye-eun Min, between Minoterie21 and Domaine de Kerguéhennec.

Research and creation residency of Céline Le Guillou at the Chapelle de la Congrégation in Peillac

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre à 17h en présence de l’artiste pour découvrir l’exposition “Firestone Peak” plus en détail.

Since the creation of their duo, Aurélie Ferruel & Florentine Guédon have always affirmed in their artistic practice the social and geographical origins that unite them. The rural environment, the agriculture, the relationship with animals or the traditions are largely represented in their sculptures and installations, and activated in their performances. Often crossed with references from more distant regions, they emphasize the universal character of folklore and ritual.

For their exhibition at 40mcube, entitled Nouaison, they rearrange their collaboration process to question its boundaries and rethink its functioning. Their research focuses on the relationship to the earth in general, and on their own relationship to the earth, which they see as influencing their lives and their work on different levels: intimate, symbolic, familial, sensitive, legal, social, societal, ecological, psychological. They produce an installation composed of different materials (straw, earth, ceramic, glass, textile) for which they create a sound environment. Based on interviews they conducted with their relatives, but also with a lawyer and a psychologist, this new work allows them to approach the questions of transmission and inheritance from different points of view.

Expérimentations créatives en argentique
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Pendant ces deux jours, Philippe Bréson vous embarque dans son univers poétique et sensible pour travailler dans la matière du négatif, au cœur de la chair et de la chimie des images, de leurs transformations, leurs effets de lumière, au plus près du grain argentique.
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A travers de multiples manipulations en laboratoire, vous expérimenterez à partir de vos propres images pour développer votre expression et votre créativité. Philippe partagera avec vous sa riche expérience et ses secrets d’artiste confirmé. Il vous aidera à travailler sur la forme afin de mieux servir le fond, voire donner un nouveau sens à vos images, l’objectif étant in fine le développement de votre écriture artistique personnelle.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent, pour leur sixième édition, une exposition exceptionnelle en partenariat avec l’association l’art à l’ouest. Les œuvres de Guillaume Zuili et de Christophe Le Dévéhat en résidence en 2022, seront présentée à la Gare SNCF, sur le parvis du métro ViaSilva ainsi qu’à Galerie Net Plus à Cesson-Sévigné. Plusieurs dizaines de photographies à découvrir à partir du 25 mai 2023.

Chaque année, les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent à des artistes de s’installer sur le territoire de ViaSilva, le temps de quelques mois, afin de nous montrer leur vision du chantier et de son évolution, en développant un projet photographique personnel sur un territoire en pleines métamorphoses. Autour d’une ligne artistique ouverte à tous les courants de la photographie contemporaine, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Soutenues par un cercle de mécènes engagés sur le long terme, outre leur inscription dans la promotion de l’art contemporain, les Rencontres photographiques de ViaSilva permettent de garder une trace des mutations du territoire et de construire une mémoire photographique inédite pour les générations futures. Au terme de chaque année de résidences, les artistes restituent leur expérience photographique dans le cadre d’expositions en intérieur, à la Galerie Net Plus, et en extérieur, dans le bourg de Cesson-Sévigné, sur l’esplanade du métro ViaSilva et plus largement sur Rennes Métropole (gare, stations de métro, etc.). Ces expositions sont accompagnées de monographies publiées aux Éditions de Juillet, qui constituent aujourd’hui une véritable collection.

Pour la sixième édition, les photographes Guillaume Zuili et de Christophe Le Dévéhat ont parcouru le futur quartier pendant plusieurs mois afin de nous montrer leur vision du territoire en pleine mutation.

Christophe Le Dévéhat et Guillaume Zuili ont de nombreux points communs. Le premier est qu’ils sont marcheurs, arpenteurs, glaneurs. Comme Aristote philosophait en marchant, c’est par les pieds qu’ils comprennent un lieu. Par la suite, comme les peintres d’antan avant l’invention du tube de peinture, c’est à l’atelier, au laboratoire que l’image va se révéler. Cette fois ce sont les mains qui sont mises à contribution : expérimentation, bidouille, invention et l’image apparaît. Les séries qu’ils ont réalisées pendant leur résidence sont nées du terrain. Ils ont su le comprendre pour nous les donner à voir, à leur manière noire.

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À propos de Guillaume Zuili

Résidant depuis 20 ans à Los Angeles, Guillaume Zuili a, pendant longtemps, pratiqué une approche urbaine de la photographie.  Le photographe, durant son séjour, s’est penché sur le parcours entre ViaSilva et le centre-ville de Rennes, suivant la nouvelle ligne de métro. Il poursuivi sa quête d’exploration des paysages urbains en portant une attention particulière aux techniques et aux tirages en laboratoire permettant d’en révéler les atmosphères. L’artiste a mené un périple depuis les plus étroites venelles du Rennes historique jusqu’au nouveau quartier ViaSilva. « Walking the line » (marcher le long de la ligne, de métro) comme le dit l’artiste lui-même. Il en résulte un narratif fait d’ombres et de lumières contrastées étonnamment emprunt du soleil de plomb de sa ville d’adoption, Los Angeles.

Né en 1965, en France, Guillaume Zuili vit et travaille à Los Angeles, bien qu’il voyage régulièrement à travers le monde pour le photographier. Il est représenté, en France, par l’agence Vu et par la galerie Clémentine de la Féronnière (Paris), depuis 2016. À 21 ans, Guillaume Zuili décide de partir en Inde, un premier voyage durant lequel il photographie, en noir et blanc, les anciens comptoirs français avec beaucoup de poésie et une atmosphère nostalgique. Depuis, l’artiste a effectué de nombreux voyages et a fait de Los Angeles son terrain de jeu photographique et esthétique.

Site : Guillaume Zuili

Instagram : @guillaume_zuili 

À propos de Christophe Le Dévéhat

Christophe le Dévéhat n’en est pas à son coup d’essai sur ce territoire puisqu’il a déjà eu l’occasion de capturer des clichés de Cesson-Sévigné lors d’une précédente résidence. Cette fois-ci l’artiste s’est exclusivement penché sur ViaSilva et il en ressort des images plastiques qui rappellent, par leur aspect graphique, les paysages de la Renaissance. Sa photographie se rapproche du monde pictural dont il est issu (études en peinture et dessin aux beaux-arts de Rennes). Les mots « repentir », « tracé » et « trait » font d’ailleurs partie de son vocabulaire lorsqu’il parle de son travail.

Né en 1967, vit et travaille à Rennes. D’abord le dessin comme base depuis l’enfance, en art plastique au lycée, parti pour faire de la bande dessinée puis la peinture aux beaux-arts de Rennes. Découverte tardive de la photographie d’abord envisagée comme un possible au travers de négatifs photocopies blow up des photogrammes des films d’Hitchcock. Fréquente le labo photo des beaux-arts en attendant de se remettre à peindre. Cofondateur dans les années 90 du magazine culturel gratuit La Griffe qui existera une dizaine d’année sur Rennes et la région Bretagne, photos de concerts, danse, théâtre, portraits. Pigiste pour la métropole de Rennes, occasionnellement pour Télérama. A continué après l’arrivée du numérique à utiliser la photo argentique pour des projets personnel, ou à l’occasion de résidences, usant les singularités propres au médium analogique, fabricant parfois les appareils, développant des travaux autour de techniques pauvre comme le sténopé.

Site : Christophe Le Dévéhat

Une exposition à propos d’enfance.

Deleuze invitait à penser l’enfance comme une force, ou une intensité, à situer non pas du côté de la biographie mais du côté de la création — un état d’expérimentation du monde et du langage qui se poursuit tout au long de la vie.
Nous ne laissons pas l’enfance derrière nous : elle constitue en permanence l’une des lignes de nos devenirs. Le plus probable est donc que l’enfance n’a pas de fin. Les “âges” ne se succèdent pas, ils s’accumulent.
Défendre une immanence de l’enfance, c’est rappeler à notre présent d’adulte le “silence” de l’enfance : ce temps où l’on parle aux animaux, où rien n’est définitif ni tragique.

Dès qu’on évoque l’enfance, on est tenté d’idéaliser, en grandes envolées lyriques et métaphysiques : l’enfance serait toute d’émerveillements, d’enchantements et d’innocence, une préhistoire sauvage et authentique, un paradis perdu, un âge des commencements qui détiendrait la clé des origines, qui lèverait le voile sur le destin de l’homme.
Nous sommes pris dans le grand récit de la modernité dans lequel l’idée d’une enfance de l’humanité et de son dépassement joue un rôle central. Le biais évolutionniste nous englue dans l’idée que l’enfance est une étape sur “le chemin de la vie”, dont la destination et le modèle de rapport au monde sont la connaissance objective et raisonnable de l’adulte.

Cette exposition propose plutôt de donner à voir et à entendre la manière dont le désir des enfants se déploie dans les mondes qu’ils ne cessent de parcourir. L’enfance, à la fois insouciante et inquiète, puissante et vulnérable, tourbillonne et ne cesse d’habiter l’inexprimé et l’inconnu. À travers les détours, les interruptions, l’anachronisme, l’étrangeté, les jeux — n’importe quel dispositif enfantin — elle met en crise le monde et la langue reçue par une réinvention subversive.

Nous ne protégeons pas les enfants du monde, c’est l’inverse, car le monde est trop vieux et maladif. « La préoccupation des enfants est de savoir comment raconter au mieux quelque chose pour que le monde tienne » (Vincent Delecroix, Leur enfance). Il nous faut les écouter. Les enfants sont aussi des témoins et des acteurs qui racontent, inscrivent, montrent, prennent part aux mémoires et récits des sociétés.

L’enfance avec ce qu’elle laisse de traces, de doutes, de questions, de force et de tristesses, de capacité d’émotions.

« L’enfance constamment vivante, c’est […] une expérience de l’indemne, de l’intact, de l’émerveillement, de la déception, aussi. Une charge d’esprit qui procure de la joie et permet la créativité au quotidien. Cette enfance-là est classée “secret défense” car elle contrevient à la société de l’obscène, du cynisme, de la dérision. Il n’y a pas d’accès “autorisé”. Pour entrer en contact avec elle, qui veille pourtant en chacun, il faut opérer une sorte de casse. S’y glisser en voleur de feu, rouvrir les sources. […] Qu’est-ce qui fait la dangerosité de l’enfance ? Sa folie douce. Oui, le désordre, l’incohérence, le délire, le désir, mais aussi la perception immédiate du fiable et de l’équivoque, la capacité d’habiter l’instant, le pouvoir de recréation — de récréation — du langage. Le monde parle à l’enfance et elle parle au monde — et même aux fantômes. […]
Il y a des artistes qui savent dire comme personne ce royaume de tumultes et de chuchotements. Et toute la solitude qui a son opéra en elle. » (Anne Dufourmantelle, L’art de l’enfance, Libération, 2016)

en écho à l’exposition :

• vendredi 19 mai, 18h30 : vernissage gourmand en présence des artistes
• dimanches 4 et 25 juin : ateliers d’écriture poétique animés par Brigitte Mouchel (écrivain)
• samedi 17 juin : atelier d’écriture poétique, collage et geste plastique animé par Brigitte Mouchel (écrivain) & Irvi (carnettiste et collagiste)
• vendredi 21 juillet, 18h30 — tournoiements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors)
• vendredi 11 août, 18h30 — chambardements : lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (comédienne, dès lors) & Brigitte Mouchel (écrivain)

Revenez aux fondamentaux, découvrez les origines de la prise de vue photographique et les joies de la « slow » photographie. Pratique alternative par excellence, le sténopé consiste à prendre des photos sans appareil ! Une simple boîte (de conserve, à thé, à biscuit etc…), un trou d’épingle et un support argentique suffisent.
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Au cours de ces deux jours et demi de workshop, la photographe sténopiste Clarisse Clozier vous enseignera les bases du sténopé : un peu d’histoire et de théorie, conception et fabrication de la boîte, calibrage du diamètre du trou, chargement de la boîte, calcul des temps de pose grâce à des grilles simplifiées.

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Avec la boîte que vous aurez fabriquée, vous explorerez les spécificités du sténopé (long temps de pose, cadrage sans viseur etc…). Vous réaliserez des prises de vue en studio et en extérieur. Vous ferez même plusieurs sorties dans l’air marin de Douarnenez pour des prises de vues en bord de mer ou ailleurs, selon vos inspirations. De retour au laboratoire, vous découvrirez les résultats de vos essais en les développant vous-mêmes.

Initiation à la sensibilisation et au tirage argentique sur plaque de verre, virage et dorure. L’orotone est un tirage noir et blanc sur une plaque de verre au dos de laquelle est appliquée de la dorure, qui transparaît alors dans les hautes lumières de l’image. Celle-ci devient noir et or.

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Ce procédé historique date du XIXe siècle. Certains connaissent les orotones du photographe américain Edward S. Curtis, qui a passé trente ans à dresser un inventaire des dernières tribus amérindiennes, peu après l’époque de la ruée vers l’or… Aujourd’hui l’orotone réapparaît dans les galeries, comme en témoigne la fameuse manifestation Paris Photo. Les précieuses images-objets dorées ont plus que jamais le vent en poupe.
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Pendant deux jours et demi, Caroline vous fera découvrir ce procédé rare et original, qui ajoutera des nuances dorées ou argentées à votre palette de photographe, d’artiste ou d’artisan. Vous apprendrez à sensibiliser des plaques de verre au gélatinobromure d’argent, à les tirer, les virer en sépia, et à les dorer à la manière de Curtis.

Firestone Peak est un lieu composé de prairies, de collines boisées, de rivières et de parois rocheuses.

L’exposition, se situant au carrefour du sentier de randonnée, du muséum et du parc d’attractions, propose la traversée de ce territoire pluriel. 

Cette mise en scène se compose d’un ensemble d’objets et d’images qui pointent les interactions entre espaces naturels et artificiels.

A travers le détournement de formes et de motifs liés à la géologie, l’architecture ou le divertissement, se constitue un scénario propice à une étrange exploration.

Pour sa douzième édition, le Festival Oodaaq investit l’Hôtel Pasteur, le Jeu de Paume et la Capsule Galerie du 11 au 20 mai. Embarquez avec nous pour 10 jours d’exploration au cœur d’images et de propositions artistiques expérimentales qui questionnent chacune à leur manière des enjeux sociaux, écologiques et féministes contemporains.

Dans une atmosphère grave qui témoigne de notre époque en crise mais laisse néanmoins toute leur place à l’humour et à la poésie, ces créations récentes dialoguent au sein de l’exposition Au loin le reflet du vacarme et de deux programmes de projection (À corps perdus et Éclore sur les ruines), présentés dans les espaces de l’Hôtel Pasteur. La déambulation proposée au public invite à une réflexion poétique et politique sur les manières dont les images peuvent interroger les rapports de pouvoir qui régissent notre monde et se faire vecteur des luttes qui le traversent.

Pour compléter cette programmation, deux cartes blanches sont données aux structures partenaires d’Instants Vidéo (Marseille) et du GIV (Montréal), consacrées à des créations vidéo féministes et/ou réalisées par des femmes.

La conférence donnée par la chercheuse Alessandra Arno de la plateforme Visual Container (Milan) autour de la création vidéo féministe dans la région de l’Afrique du Nord et du Moyen-Orient apporte un éclairage théorique sur ce thème.

Des temps festifs sont proposés lors du premier week-end du festival, les vendredi 12 et samedi 13 mai. Organisées au Jeu de Paume, ces moments de performances et de concerts sont imaginés comme des exutoires collectifs pour le public.

Le festival s’attache également à aller à la rencontre d’un public non familier de l’art contemporain en projetant le programme vidéo Kaléidoscopie dans la vitrine de la Capsule Galerie, visible depuis l’espace public.

Pour clore le festival, une soirée de projection-débat aura lieu au bar L’Attrape-Rêve le vendredi 19 mai autour du programme vidéo Faire corps, consacré aux créations vidéo d’étudiant·es de l’EESAB sur le thème des imaginaires queer et leur expression à travers les corps.

Trailer du festival : https://vimeo.com/819171080?share=copy

JEUDI 11 MAI

HÔTEL PASTEUR

18h – Inauguration du Festival Oodaaq #12 et Vernissage de l’exposition Au loin le reflet du vacarme

19h – Projection du programme vidéo À corps perdus

19h45 – Projection Carte Blanche du G.I.V Voix

VENDREDI 12 MAI

JEU DE PAUME

18h – Ouverture des portes

18h30 – Discours introductif

19h – Performance Johanna Rocard, La Grande Folie

20h – Concert Pareil

21h15 – Live audiovisuel performatif de Mångata

23h – Fermeture

SAMEDI 13 MAI

HÔTEL PASTEUR

14h30 – Projection du programme vidéo Éclore sur les ruines

15h30 – Projection Carte Blanche d’Instants Vidéo Comme je mords, comme j’aboie

16h30 – Conférence d’Alessandra Arno sur le féminisme dans la création vidéo en Afrique du Nord et au Moyen-Orient

JEU DE PAUME

19h – Ouverture des portes

19h15 – Discours introductif

19h30 – Dj set Ororr

21h45 – Performance Florænt Audoye

22h45 – Concert Hildegarde

1h – Fermeture

DIMANCHE 14 MAI

COUR DU PALAIS SAINT-GEORGES

14h-18h – Tournoi de pétanque : moment convivial entre artistes, public et équipe du festival

VENDREDI 19 MAI

BAR L’ATTRAPE-RÊVE

19h – Projection-débat du programme vidéo Faire corps des jeunes artistes de l’EESAB

→ L’ensemble du Festival Oodaaq est à prix libre et conscient

→ Une billetterie en ligne est mise en place pour les soirées du 12 & 13 mai au Jeu de Paume : la salle ayant une petite jauge, prendre un billet en ligne permet de vous assurer une place tout en soutenant le festival (prix minimum de 5€ par soir / 8€ les deux soirs). Une billetterie sur place reste prévue dans la limite des places disponibles !

Billetterie en ligne : https://www.helloasso.com/associations/l-oeil-d-oodaaq/evenements/soirees-festival-oodaaq-12?_ga=2.29403578.464424042.1682343336-1744610152.1681891481

His neutral form that reminds of a sponge or a bean, Viallat’s signature for more than 50 years, has earned him worldwide recognition: retrospective at the Centre Pompidou in Paris, participation in the Venice Biennale, and acquisitions for the collections of the Museum of Modern Art of the City of Paris and the MOMA in New York.

The French contemporary painter, Claude Viallat, was born in 1936 in Nîmes, where he lives and works today. As one of the founding members of the Supports/Surfaces painting group, the artist focuses primarily on the motif, repetition and process, rather than on the subject, which he places in the background, revolutionizing painting.

Viallat’s medium is free and heterogeneous. He works on diverse materials, found in flea markets, secondhand stores, attics. He paints on burlap bags, umbrellas, parasols, tablecloths, boat covers, tent covers, always deployed on the ground.

The artist’s creative process is all about the repetition of a simple and recurring form, immediately recognizable, on the entire surface of a canvas freed from its frame using the all-over technique. A remarkable colorist, Viallat uses bright color to apply the form that made him famous, “the simplest, most elementary, most immediate that is“, declined infinitely over the media.

Sur une invitation des Ailes de Caïus, certain·es des artistes résident·es de B612 signent une exposition collective, LOVE WAVES, en référence aux ondes sismiques qui se propagent à la surface de la Terre lors d’un séisme.

Dans un contexte plus poétique, LOVE WAVES évoque les ondes d’amour, de compassion et d’affection qui se répandent entre des individus qui se rencontrent. Au sein de B612, ces deux significations se rejoignent. Cet immeuble-atelier est avant tout un lieu de rencontre, un espace où les idées se confrontent, se transforment, se subliment mutuellement pour finalement se propager. Pensée comme une hybridation entre des formes artistiques singulières, l’exposition célèbre la collaboration comme source d’inspiration et manière de penser la création.

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À PROPOS DU COLLECTIF

L’Atelier B612 est une résidence de jeunes artistes située à Rennes. Les locaux comportent une trentaine d’ateliers ainsi qu’une salle d’exposition.

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Le complexe du homard est un travail au long cours sur l’adolescence réalisé entre 2012 et 2014 alors que la photographe, Cléo-Nikita Thomasson, entre à peine dans ses vingt ans. Fait de rencontres aléatoires dans la rue et sur les réseaux sociaux, Le complexe du homard consigne ces amitiés de hasard dans trois carnets. Travail sur l’autre, mais indirectement introspectif, il témoigne d’une urgence quasi obsessionnelle à enregistrer et conserver cette période vulnérable et éphémère pour en retenir la puissance émotionnelle et documenter la mue des corps, des peurs et des rêves.

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Cléo Nikita Thomasson, née en 1994, vit et travaille à Lyon. Elle est diplômée en Photographie documentaire à l’École Supérieure des Arts de l’Image, Le Septante-Cinq, Bruxelles et cofondatrice du Collectif horizon. Elle travaille encore aujourd’hui sur l’adolescence avec Du sel dans les cils.

Avec une grande attention et bienveillance aux rencontres — de lieux, d’histoires, de personnes — Annabelle Amoros et Stéven Pennanéac’h cherchent à rendre compte d’un monde, certes inquiétant, mais également traversé de rêves, d’imaginaires, de tout ce que les hommes mettent en partages, en conversations, en récits. Un monde dont ils font partie, dont ils sont proches.
Cette manière de tout prendre en compte — ce qui relève de l’émotion, de la pensée, de l’imaginaire, ce qui est là, ce qui ne l’est plus, ce qui semble advenir — pourrait nous permettre de regarder le monde en face, là où toutes les coordonnées de l’expérience habituelle s’effondrent, de réinventer des rapports à l’enfance, à la mémoire, au désir, et ainsi de retrouver, paradoxalement, un rapport plus réel au monde. Chacun à sa manière, sans le dire, est engagé dans notre temps.

Les individus présents dans les peintures de Stéven Pennanéac’h sont le plus souvent indéchiffrables, brouillés. Personnes ou personnages, dans un paysage qui oscille entre le quotidien et une scène théâtralisée. On les voit solitaires, on les soupçonne accablés. Ils seraient comme des témoins à charge d’un monde de désastres. Les paysages sont empreints de mélancolies contemporaines. « Ne secouez pas trop les tableaux de Stéven Pennanéac’h, ils sont pleins de larmes. » (Gérard Lefort, 2012)

Les films d’Annabelle Amoros « reste(nt) en retrait de tout témoignage et de toute hypothèse et nous invite(nt) en tant que spectateurs à visiter un espace dans lequel nous […] croisons des personnages témoins d’une chose que nous ignorons et que nous ne cessons de chercher. » (Yannick Hannel, 2021) Des films souvent captés au crépuscule, offrant ainsi la possibilité d’accentuer la magie, l’onirisme, le mystère, parfois l’angoisse, et la théâtralisation des espaces et des êtres. Avec des images féériques, empreintes d’étrangeté, de contrastes, comme autant de touches impressionnistes, elle nous invite à un ailleurs fantasque mais étrangement proche de notre réalité.

Tout comme les films d’Annabelle Amoros, les peintures de Stéven Pennanéac’h représentent un univers qui semble familier, mais « ne laissent de troubler. Et bientôt l’on s’y perd, parce qu’à zigzaguer entre les figures ainsi exposées, personnages, paysages, constructions, objets, ce que notre regard finit par entrevoir semble moins rassurant. Alors on commence en général à se raconter des histoires. » (Philippe Guéguen, 2015)

en écho à l’exposition :

• vendredi 7 avril à 18h, projection de deux films à l’Arthus ciné de Huelgoat en présence d’Annabelle Amoros :

— Churchill, Polar Bear Town, dernier film documentaire d’Annabelle Amoros

—Sauvage, de Léonore Mercier

• samedi 8 avril à 18h, vernissage en présence des artistes et en musique avec la Compagnie Caméléon (Bénédicte Jucquois & Sophie Chénet)
• samedi 22 avril, atelier d’écriture poétique, collage et geste plastique : une journée animée par Brigitte Mouchel (écrivain) et Irvi (carnettiste et collagiste)

L’artiste visuelle Marie-Claire Raoul présentera le processus de création de la sculpture en saules vivants Marcher sur l’eau blanche.

A cette occasion, elle a invité la danseuse et chorégraphe Caroline Denos à suggérer par le biais d’une performance dansée cette recherche autour de l’eau, ses métamorphoses, son cheminement de la terre à la mer.

Cette mise en relation entre arts visuels et performatifs illustrera les forces et résistances qui induisent ou empêchent les déplacements, évolutions et progressions d’une pensée artistique aboutissant à la réalisation effective d’une œuvre. Elle témoignera de l’enchevêtrement de schémas mentaux avec des connaissances scientifiques et techniques, des archives ou des témoignages.

Les artistes utiliseront un dispositif visuel (vidéos, photographies et dessins) pour accompagner leur présentation.

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La sculpture Marcher sur l’eau blanche a été conçue et réalisée par Marie-Claire Raoul en 2022 lors de la résidence d’artistes De la nature organisée par l’association Espace d’apparence.
Il s’agissait lors de cette résidence d’établir un dialogue avec des chercheur.euse.s, des scientifiques ou des professionnel.le.s des espaces naturels afin d’interroger la notion de nature, en investissant le territoire brestois. Marie-Claire Raoul a choisi de travailler sur le vallon du Stang-Alar.
Confirmé par des recherches cartographiques, le témoignage oral de l’existence d’un ancien étang à l’emplacement actuel de la prairie de Paralen situé en bas du vallon a suscité la conception de la sculpture.
Constituée de perches de saule vivant, celle-ci rappelle par sa forme au sol cette étendue d’eau alimentée par le ruisseau du Stang-Alar qui se nommait alors Dour gwenn, c’est-à-dire en breton Eau blanche. Installée sur la prairie humide de Keravilin, elle suggère les métamorphoses du paysage et interroge notre perception de ce qui est naturel. En effet, la prairie de Palaren qui nous semble un vestige authentique d’une zone humide est en réalité une reconstitution sur du remblai. La sculpture pointe par ailleurs le rôle des zones humides en milieu urbain comme réponse aux enjeux du changement climatique.

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Caroline Denos est danseuse contemporaine et chorégraphe basée à Brest.

Sa danse est emprunte d’intuition, de sensible et de générosité avec une part belle à la transmission et aux rencontres en tout genre. Elle intervient auprès de divers publics et travaille avec des structures de la région (L’Articoche, Cad Plateforme, Escabelle, Les Pieds nus, Danse à tous les étages, SMAC La Carène, CAC Passerelle, l’UBO, Lola Gatt).

Après avoir esquissé deux soli en 2016 (Mother) et en 2018 (Boom), elle est actuellement au travail sur deux créations chorégraphiques et musicales (Larsen/Sans Fond et Batée ou le B.A-BA ) avec le musicien François Joncour.

Elle avait réalisé en 2019 une performance en résonance avec la série photographique de Marie Claire Raoul « Je voudrais aller me promener dans les bois ».

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Par le biais d’une pratique pluridisciplinaire (installation, photographie, peinture, travaux d’aiguilles, montage numérique), la plasticienne Marie-Claire Raoul s’attache à révéler des interactions possibles entre des traces mémorielles, objectives ou mentales.

En 2019, elle co-crée l’association Espace d’apparence pour initier des propositions alliant recherche, expérimentation et transmission. Dans ce cadre, elle imagine depuis 2021 avec l’artiste Marie-Michèle Lucas le programme « De la nature » qui réunit sur la métropole brestoise et le pays des Abers scientifiques, expert.e.s et artistes autour de la notion de Nature.

La sculpture végétale Marcher sur l’eau blanche installée sur une prairie humide dévoile une rivière disparue rematérialisée par l’entremise de deux lignes de saules qui écrivent dans l’espace une plongée vers les mondes souterrains.

marieclaireraoul.fr

Aujourd’hui, il ne serait plus possible de s’écrier étourdiment avec Madame de Pompadour, favorite du roi Louis XV, comme à l’époque de la construction du château de Kerguéhennec : « Après nous, le Déluge » ! En se moquant de ce qui peut advenir après notre mort, nous condamnons l’humanité suivante à un présent éphémère, comme le relevait le philosophe Peter Sloterdijk. 

Si la crainte d’un soulèvement des eaux demeure dans l’inconscient mythique des peuples, elle a retrouvé toute son actualité à l’heure du réchauffement climatique, de la montée du niveau de la mer et du droit des eaux à disposer d’elles-mêmes.

Le mythe de l’engloutissement de l’humanité provient d’une terreur immémoriale. Sur les côtes menacées de Bretagne, il prend la forme singulière de la légendaire ville d’Ys, qui aurait disparu sous les flots en baie de Douarnenez – ou de Quiberon –  au début de notre ère. 

Afin de mettre le fantasme à l’épreuve de la science et de la fiction et tenter de dépasser la peur, la précieuse esquisse pour La fuite du roi Gradlon d’Evariste-Vital Luminais, artiste nantais obsédé par le mythe d’Ys, introduit l’exposition des créations diluviennes de deux artistes venus de Méditerranée : Mâkhi Xenakis et Zad Moultaka. Avec l’espoir que l’inéluctable déluge à venir puisse être aussi un temps de renouveau.

Projection / Lecture
Dans “Les yeux fermés, les yeux ouverts”, Virginie Gautier chemine avec les images de Francesca Woodman. Elle fantasme une errance, des rencontres, et des lieux dans lesquels la jeune photographe aurait pu s’arrêter. Le personnage de ce récit est ambigu : s’agit-il de Francesca, s’agit-il de Virginie ? Le regard de l’une, la voix de l’autre se confondent. Restent des maisons traversées et des expériences de disparition, des choses entrevues dans la lumière.
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Francesca Woodman est une photographe disparue tragiquement à l’âge de 22 ans au début des années 80. D’elle, Bertrand Schefer écrit qu’elle est “entrée dans la photographie comme la foudre… comme si on avait tendu un violon à un novice qu’une sonate était sortie d’un coup”. Elle laisse une œuvre intense et énigmatique, essentiellement composée d’autoportraits.

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Virginie Gautier développe une pratique artistique autour des questions d’espace, de perception et de déplacement qu’elle poursuit par le dessin et l’écriture. Elle a publié en 2014 aux éditions Chemin de Fer un livre inspiré par la photographe Francesca Woodman : Les yeux fermés, les yeux ouverts. C’est pour une lecture de ce livre et une projection dédiée à Francesca Woodman que Virginie Gautier sera l’invitée du Larvoratoire.

Didier Mencoboni is above all a colorist. Color is the essence of his work. His work responds to three essential points: abstraction, concept and color. It is made up of both small and large formats and periodically calls for different supports such as canvas, paper, fabric, mirror, even Plexiglas and other materials.

Like a musician who composes exclusively in the mode of variation, Mencoboni multiplies the formal games and chromatic combinations in order to broaden the register of expression of painting.

Since the 1990s, he has devoted himself to the …Etc… series, small format paintings that occupy him daily. To this day, this series counts more than 2300 paintings, which are a way of getting acquainted with painting and taming it. For the artist, painting small pictures in large quantities is a way to never finish, and to produce a single piece itself composed of an infinite series that becomes an elusive object.

On the occasion of his second solo exhibition at the Oniris gallery entitled “S’y perdre, encore”, Didier Mencoboni exhibits a set of unpublished works from two series, one on paper that he has been working on for several years and a set of small untitled oil paintings of which the artist specifies:

“I hadn’t done oil paintings since my student days. For this series of paintings, acrylic did not allow a technically satisfactory result. I rediscovered oil painting with its material, its relief and its shine.”

On the occasion of his second solo exhibition at the Oniris gallery entitled “S’y perdre, encore”, Didier Mencoboni exhibits a set of unpublished works from two series, one on paper that he has been pursuing for several years and a set of small oil paintings, Sans Titre.

The choice of a wooden support brings a soft and warm aspect to the painting unlike canvas. The tension is without surprise unlike the canvas. The plane of the painting is deliberately offset from the wall thanks to the bevel on the side. The rounding and the bevel present a flat support of which it remains only the colored surface with a shadow carried. The formats are “approximately identical” which contributes to the uniqueness of each work.

In this presentation, one remains in the same series with a unit of format from which one retains a colored frequency and an experience of proximity to appreciate the detail.

“S’Y PERDRE, ENCORE”, PERSONAL EXHIBITION OF RECENT WORKS BY DIDIER MENCOBONI TO BE DISCOVERED FROM FRIDAY, MARCH 23 TO SATURDAY, APRIL 29, 2023

“La résidence au Superflux est l’occasion de poursuivre un travail de volume, sous forme de micro-architectures, mais aussi de collages et de” théâtres de papier”, qui serviront ensuite de matière première à un film co-réalisé avec Simon Poligné. Un travail d’écriture à 4 mains permettra de mélanger nos univers, autour de l’onirisme, de l’utopie, du voyage psychédélique etc. Un objet pédagogique sera produit en déclinaison de ce film.” Macula Nigra, 2022

“Habitué à travailler la peinture et la musique sur des plans différents, je commence cette année à les rassembler dans des petits films. Ce sont des animations à partir de collages qui, photographiés image par image, se mettent en mouvement. Pour la résidence au Superflux, j’ai l’intention d’approfondir cette nouvelle pratique en montant un petit studio de prises de vues qui permettra non seulement d’animer des collages mais également des volumes. La thématique sera celle d’un conte artistique retraçant les concepts esthétique des arts-appliqués aux XX ème siècle et leur lien avec les avant-gardes artistiques. Compositions, inspirations, volumes, poids, proportions, géométrie et souplesse seront au centre de ce film abstrait dans lequel son et image participent en symbiose à comprendre quel est le travail de composition et de structure, comment les formes sont créées, apparaissent, se figent, se déforment et se transforment.” Simon Poligné, 2022

Il est évident que nous avons besoins d’un nouveau récit fondateur, ou mieux encore, d’un ensemble de récits capables de replacer chacun dans la nature à titre individuel (…). Nous avons désespérément besoin d’histoires qui laissent transparaître avec beaucoup plus de clarté la façon dont les relations se manifestent dans nos vies quotidiennes. Il est impératif que notre culture accorde à nouveau une place centrale aux histoires, des histoires reliant nos vies à la grande vie que certains nomment Gaïa mais que chacun d’entre nous devrait pouvoir nommer comme bon lui semble.

Dans l’œil du crocodile, l’humanité comme proie, Val PLUMWOOD, Éditions Wildproject, 2021, p 89-90

Au printemps, « Le peuple des pierres » investit la Galerie Net Plus, pour une exposition mêlant dessins au graphite et sculptures. L’artiste, Angélique Lecaille, propose un voyage mystique et poétique, entre architecture et paysages naturels. La géométrie des formes flirte avec des états gazeux ; les cieux vaporeux se mêlent aux aspérités des roches ; le minéral danse avec l’organique. Impossible de déterminer d’où proviennent ces paysages, ni de quelle période.

C’est une invitation à la contemplation des éléments, de leurs transformations et leurs soulèvements. L’artiste nous convie à découvrir ces territoires, à la fois connus et étrangers.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Angélique Lecaille, très impliquée dans la vie culturelle de la métropole, a enseigné et enseigne toujours dans différentes écoles supérieures de Rennes. Bien qu’elle ait une pratique diversifiée, ce sont ses paysages en noir et blanc et en grand format qui font sa marque de fabrique. S’appuyant sur l’histoire des territoires, l’artiste fabrique des récits entre réalité et fiction. Par son traitement, son intérêt pour les nuages, les montagnes, ou encore les ruines, la pousse à dépasser l’image pour la rendre atemporelle, poétique, presque mythique.

L’artiste est représentée par Mélanie Rio Fluancy. Son travail est présent dans au sein de collections publiques (Frac Bretagne, Artothèque de Nantes, Brest, Angers, Vitré…) et privées dont la collection As seen By, de la Maison DIOR. Son travail est régulièrement représenté au sein de foires et salons internationaux (Paris, New-york, Dubaï).

Site internet : ddabretagne

Page instagram : @angelique_lecaille

Pour clôturer l’exposition temporaire Where do we go from here? consacrée à la nouvelle génération d’artistes, venez rencontrer les commissaires d’exposition et les artistes, et échangez avec eux autour du paysage, thème central de l’exposition.

• 15h-17h30

Performance musicale avec François CHEMIN, autour des paysages extérieurs

Lecture dans les écuries avec Margaux DANIEL, autour des paysages intérieurs

Performance avec Mérovée DUBOIS et CORDINA, autour du paysage des songes

Rencontre avec les commissaires de l’exposition Sylvain LE CORRE et Elen CORNEC : Paysage et environnement; lecture du paysage par la jeune création.

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à 12h30 à découvrir une sélection d’oeuvres de la collection en lien avec l’exposition Le goût de l’écorce.

L’exposition Intersections présente le travail d’un couple d’artistes : Sheilla Laclusse et Hervé Le Nost. Ces derniers travaillent depuis plusieurs années côte à côte et propose pour la première fois d’exposer en duo.

Intersections présente deux parcours parallèles, deux pratiques artistiques dont les lignes ont un tracé différents et convergent, parfois. L’échange fût constant dans le temps en va-et-vient entre l’art et le quotidien. La réunion entre les deux artistes s’effectue grâce aux croisements d’idées, et aux échanges à propos de la liberté, de l’égalité, de l’existence. Cela donne place à des engagements, à des voyages et à des références partagées.

La démarche artistique de chacune et de chacun se déploie dans l’espace de la galerie grâce au partage entre des moments de connexions entre les deux artistes et des cheminements plus intimes et personnels.

Sheilla Laclusse élabore un travail pictural, imprimé et textile par le gaufrage, le dessin et la gravure. D’origine caribéenne, ces techniques permettent à l’artiste d’interroger les sujets relatifs à la genèse, l’identité et le métissage. La superposition des matières comme la dentelle, la tarlatane et la feuille d’or – qui évoquent l’épiderme de la peau – la projette dans un monde qui n’est pas figé, sans itinéraire tracé où les cultures évoluent librement.

Hervé Le Nost fait appel à différents médiums dans sa pratique artistique. Par le dessin, la photographie, la vidéo, la céramique, le verre, l’artiste s’approprie et interroge les procédés sculpturaux existants. Les objets et les matériaux se superposent entre eux formant un continuum, un récit, où chaque élément semble être à sa place. La pièce de puzzle est un élément fort dans le travail de l’artiste. Elle devient un lieu de rencontre permettant l’assemblage, la recomposition et l’imbrication des éléments.

Les motifs décoratifs, le doré et le baroque sont omniprésents dans le travail des artistes, aux récits à la fois intimes et collectifs.

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À propos de Hervé Le Nost

Depuis une quarantaine d’années, Hervé Le Nost associe photographies, récoltées lors de voyages, de résidences, de rencontres, à la sculpture dans son travail artistique. Emprunt aux cultures populaires, Hervé Le Nost détourne, empile, amasse les matériaux, dits artisanaux, et compose des formes parfois chimériques, parfois humanoïdes. C’est un équilibre qui semble bancal, mais transparaît avec humour, justesse et légèreté. L’ensemble de son travail est qualifié comme baroque. Par des techniques diverses pour expérimenter les matières, comme la céramique (résidence à la faïencerie Henriot, Quimper), le bois, le verre et une remise en cause des modèles établis et académiques de l’art contemporain étudié en école d’art, Hervé Le Nost déconstruit, reconstruit, assemble des objets, des formes, des matières qui semblent incompatibles, mais qui ont une connexion logique dans l’imaginaire de l’artiste. Hervé Le Nost né en 1957 à Guingamp, vit et travaille à Cast. Lauréat de la Villa Médicis hors les murs de New York en 1988. Remporte plusieurs 1% artistique présents sur le territoire. Participe à plusieurs résidences (France, Maroc, Canada, Martinique, Chine).

Site : ddabretagne
Instagram : @hervelenost / @lenostherve 

À propos de Sheilla Laclusse

Depuis 1989, Sheilla Laclusse expérimente, élabore et teste comme dans un laboratoire un travail pictural, imprimé et textile. En combinant les techniques, par le gaufrage, par le tissage, par les encres, l’artiste questionne les identités, les métissages, la liberté du voyage et l’échange. Les formes produites sortent du cadre, sont abstraites par la superposition et l’assemblage de matières comme la trame d’un tissu, la feuille d’or, le verre. Toutefois, deux motifs reviennent souvent, emprunts aux origines caribéennes de Sheilla Laclusse, celui de la fleur et celui de l’épiderme. Sheilla Laclusse née en 1966 aux Abymes, Guadeloupe, vit et travaille à Cast. Expositions personnelles en Bretagne et collectives en France, Belgique, Chine.

Instagram : @sheillalaclusse

In his work, Guillaume Moschini relies totally on color. It is freehand, with a sure and precise gesture that he creates the shape or rather the forms.

Ecological questions and the colonial past lie at the heart of the stories running through the latest creation, entitled Leçons de Ténèbres (Lessons of Darkness), by choreographer Betty Tchomanga. She has been invited to extend her project by curating an exhibition at Passerelle Centre d’art contemporain in Brest.

Leçons de Ténèbres was originally a liturgical musical genre of the seventeenth century which sets to music «Jeremiah’s Lamentations» about the destruction of Jerusalem in the Bible. It is also the title of a 1992 film by Werner Herzog on the 732 burning oil wells of Kuwait, set on fire by retreating Iraqi forces. The director presents us with an apocalyptic vision like a long poem on the end of the Earth.

The Leçons de Ténèbres by Betty Tchomanga evokes those who have disappeared, ancestors, and their ghosts. These lessons tell of darkness, explore the obscure, our hidden and long-buried stories.

«I designed this exhibition as the natural extension of my choreographic work and of the research associated with it. The works and artists I have chosen to invite are all linked to the thoughts, imaginings and images enriching my two latest creations, Mascarades and Leçons de Ténèbres. I based my ideas on the notion of ‘Giving shape to the world’ developed by Malcom Ferdinand, Doctor in Political Philosophy, in his book Une écologie décoloniale, penser l’écologie depuis le monde caribéen (A Decolonial Ecology, Thinking from the Caribbean World). In this essay he proposes a new way of tackling the ecological question by linking it to colonial history. The figure of the slave ship here appears as a political metaphor of a world characterised by relationships of domination. The ship-world figure offers an alternative history of the world and of the Earth where it is possible to bring together and share beliefs, thoughts and imaginings. This metaphor resonates with my research into the voodoo cult and the myth of Mami Wata [a water deity of the African cult of voodoo]. Like the ship-world of Malcom Ferdinand, my choreographic work, just like this exhibition, is based on the dissemination, coexistence and juxtaposition of images, imaginings and beliefs.

Prendre corps au monde (Giving Shape to the World) extends the ‘mantra of Frantz Fanon [psychiatrist and essay writer, a major figure in anti-colonialism] aimed at making the body the starting point for questioning the world.’ How can bodies be the anchor points of commitment to the world? How can bodies in a subordinate position (that is, racial, gender and social minorities) interact with their environment, and with that of their ancestors? How can bodies transform violence and anger into the energy for an emancipatory rebellion? How can we bring out tales that are forgotten, long-buried, erased or hidden? How can we talk to ghosts?»

Betty Tchomanga, October 2022

This exhibition is the fruit of our workshop residencies, our annual research and production programme which invites a visual artist to come to Brittany and spend three months working in the art centre’s workshops. This residency is held in conjunction with Documents d’Artistes Bretagne, an association that promotes and disseminates works by artists from our region. It also provides the artist with the critical and technical support they need to produce exceptional works.

The atmosphere into which Emma Seferian welcomes the visitor is glowing, kindly and joyful. The title itself is gentle, Amours, marguerites et troubadours (Love, daisies and troubadours), evoking the last episode of the first season of the television series Gilmore Girls which tells the story of a single mother’s relationship with her daughter. This single parent family unit and the issue of the emancipation of parents are what particularly attracted the artist to this feelgood series, adding a light-hearted mood. The rather vague words of the title act as clues to the interests of Emma Seferian. The love of friends, lovers and family is at the heart of this exhibition, as are issues of art dubbed ‘decorative’ and music as a means of communication.

On the one hand, Emma Seferian challenges the notion of cultural heritage, especially the matriarchal heritage. She uses the skills and techniques allotted to women, including needlepoint, tapestry and embroidery, questioning their use and history. Whereas this type of work used to be utilitarian and functional, making hard-wearing clothes and furnishings, now these activities have become transformed into creative leisure or even fashion. We are therefore witnessing a cultural appropriation by the wealthier classes of traditional working-class expertise. This phenomenon is continuous and affects every field of activity. It is not new – the dominant classes always take over codes, symbols and history for their own economic and communication needs. On the other hand, Emma Seferian mishandles the functions of objects and modifies the characteristics attributed to them: a carpet becomes a mural, mottled objects incorporate works of art while rustic wrought iron gains in lightness and elegance. By collecting these rebus puzzles and everyday objects, she attempts to treat art as a close friend who belongs to her while aiming at the universal.

It is no coincidence that the decorations and techniques used by Emma Seferian are related to her personal story. She is particularly inspired by the traditional art of Armenia, a country at a crossroads, nurtured by Persian, Asian and Western influences, and the land of her family origins. She has observed and studied the illuminated manuscripts of the fifteenth century and later, produced by Armenian monasteries, taking details from the paintings and including them in her own paintings, textiles and assemblages. She was particularly struck by some Christian images of the Renaissance, such as the representations of Saint Matthew busy writing in urban landscapes that are often confused, with perspectives that have gone awry, mixing Interiors and exteriors. Emma Seferian takes these scenes and removes the person, creating a series of three strange yet warm paintings in which the empty décor becomes the work’s only subject. Religion is symbolically replaced by intimacy, with a sensation of well-being and calm. Because one of the artist’s great objectives is found in this search for the feelings of comfort and pleasure one can find in works of art. The soundtrack played in the exhibition recalls the word ‘troubadour’ of the title and the relation to music – Emma
Seferian is also a DJ – and above all reinforces this quest for fulfilment.

Alain Clément’s productions all have in common that they are colored compositions, “non-figurative”, which have no “subject”, but in which gestuality, the body, and writing take into account the space of the work (of the painting or sculpture) and the real space (that of the spectator and the exhibition space).

The bright color now plays a determining role.

« My forms radiate and pulsate the space. The composition is born from their tensions. They seek to constitute an autonomous and moving space which digs or inflates the plane until the sculpture. » A.C.

In Clément’s work, paintings and sculptures can thus be largely articulated. If the paintings appear as architectural spaces, structured by the color, put in shape by the values, the sculptures are like the projection of the pictorial gestures, of the forms-colors, in the space: the painting leaves the pictorial field illusionist. Space is the material of the painter as well as the sculptor.

PERSONAL EXHIBITION OF RECENT WORKS BY ALAIN CLÉMENT TO BE DISCOVERED FROM FRIDAY FEBRUARY 10 TO SATURDAY MARCH 17, 2023

VERNISSAGE OPEN TO ALL IN THE PRESENCE OF THE ARTIST FRIDAY, FEBRUARY 10 FROM 6 TO 8 PM

L’artothèque/galerie Pierre Tal Coat vous invite à une rencontre à 17h avec l’artiste pour découvrir l’exposition “Le goût de l’écorce” plus en détail.

For her first solo show in a French institution, Romane de Watteville presents her paintings by combining different formats and interventions on the exhibition space. This exhibition is produced in partnership with the Centre culturel suisse as part of its nomadic on-tour programme.

In the views of interiors, bedroom or living room, that Romane de Watteville represents in her paintings, a landscape is generally integrated in the background. The scenes that take place there are intimate. Half-naked bodies, whose faces are usually not visible, lounging on a bed, partially wearing fashion clothes and accessories, clearly identifiable by fashion victims, are painted in a realistic manner without being idealized.

Different framings, more tightly focused, are juxtaposed: a subjective view that we assume to be the viewpoint of the person represented (the artist?), that of a cell phone that appears, also painted, or the reflection in a mirror. Some of these details can sometimes be enlarged and taken out of the work to form another, smaller one, presented next to it.

All these elements give us an indication about the different iconographic sources used in Romane de Watteville’s paintings: selfies and photographs taken by the artist, images collected on the internet, references to art history, cinema, fashion and design.

Based on the technical process developed in 1925 by director Abel Gance, who used three cameras to create an image three times wider than the traditional format and a narrative displayed in three different images, thus producing a «polyvision», the paintings produced by Romane de Watteville for her exhibition at 40mcube create an effect of mise en abyme while replaying the genres of the live model and the self-portrait with contemporary means.

These new works are conceived with the will to create a dialogue, a complementarity, a link between different formats and an interplay of points of view, allowing the artist to recreate on an architectural scale the process developed in her paintings, but also to think about the display of her exhibition. Its title, Studiolove, evokes the cabinet of curiosities and more particularly the Studiolo and the Grotta of Isabella d’Este, a Renaissance collector. Between the studio, the private and even intimate space, and the exhibition space, the exhibition is thought here as a hybrid place.

Anne Langlois

La Criée centre d’art contemporain, in partnership with the Centre culturel suisse. On Tour, is presenting Swiss artist Judith Kakon’s first solo exhibition in France.

In the wake of the holiday season Kakon, whose work revolves around the porosity between public and gallery space, and questions of usage, re‑use and circulation, is showing part of the City of Rennes’ Christmas illuminations.

The decorations are being displayed « dormant », that is to say switched off and laid out on racks. Inspired by warehouse shelving systems, these racks are designed as artefacts combining sculptures and utilitarian objects. In this way the exhibition blurs the boundaries between stockroom and gallery, interior and exterior, the beautiful and the useful.

Removed from their habitual context and metamorphosed in terms of form and function, these samples of urban heritage are seen in a new light by visitors to the exhibition, some of whom have doubtless wondered what becomes of the Christmas lights once the celebrations are over.

This change of focus also reconfigures the art centre and our expectations of an exhibition: for once it is not the art that moves out into the public space, but the streets of the city that infiltrate the white cube. This reconfiguration leads us to ask ourselves what we are looking at: Can a shelf be a sculpture? What are the sculptural qualities of Christmas lights? What models do they borrow from and what do they tell us about the circulation of forms?

Moreover, Judith Kakon’s project resonates doubly in the present context: at a time of energy restrictions the dormant lights of this eco‑responsible use/re‑use of local resources shine with a powerful symbolic charge.

In the cabinet adjoining the main room, the GRAND AIR exhibition continues with a display of works on paper. The different series on show reflect the artist’s ongoing concerns: the transformation of a standardised form or motif (an umbrella, a parcel scan, etc.) into a unique artistic object; the interconnection between individual experiences and normative contexts; and the polysemy and fluidity of images.

With GRAND AIR, Judith Kakon’s subtly political art offers us the opportunity to look at the objects, slippages and relationships of our globalized world, by displacing our usual perspectives and geographical notions, and by calling on us to reconsider what is behind and beside what we hold as seen.

En créant un sentiment d’attente, Mael Le Golvan emmène le public dans ses paysages. À travers les deux séries Paysage Rudéral et Eau noire, l’artiste propose des expériences de l’horizon qui se fige dans un entre-deux. Il joue entre ombre et lumière, entre supendu et vivant, le paysage se mue en héraut tel un messager du temps. Les prises de vues nocturnes révèlent une face cachée du réel et viennent interpeller nos imaginaires individuels et collectifs.

Sommes-nous tous devenus hors-sol ? A l’ère du Covid amnosmiac et des téléphones rétino-céphalo-chronophages, le paradoxe de nos sensibilités déborde.

Alors, il est temps de s’empif-pafrer de mycélium et d’humus à pleines mains, en plongeant nos radicelles dans l’invisible arborescent qui nous guide, de retrouver la formule magique qui transforme tout bout de bois en baguette magique ou en monture mystique, humblement de se mettre à table et d’entendre ce qu’ils nous montrent.

In December, each year the Oniris gallery hosts its annual exhibition of Small Formats and Works on Paper by the gallery’s artists.

Ce sont des regards d’enfants, des sourires joyeux, parfois malaisants, qui épousent les murs de la Galerie Net Plus cet hiver.

Thomas Tudoux nous propose de nous mettre à hauteur d’élève pour regarder l’école et la société. Les couleurs douces des dessins se confrontent à des propositions qui, sur un ton faussement naïf, sont porteuses de changements radicaux. À partir de créations collectives développées avec des élèves de primaires et des futur·es enseignant·es, l’exposition interroge les modes de croyances dans le mérite et la manière dont cette notion structure notre quotidien et nos identités.

En jouant sur les passages entre enfance/âge adulte et école/société, l’artiste examine de manière sensible les points de contact entre valeurs scolaires et valeurs sociales.

À partir de créations collectives développées avec des élèves de primaires et des futur·es enseignant·es, l’exposition interroge les modes de croyances dans le mérite et la manière dont cette notion structure notre quotidien et nos identités. En jouant sur les passages entre enfance/âge adulte et école/société, Thomas Tudoux examine de manière sensible les points de contact entre valeurs scolaires et valeurs sociales.

Ce projet s’inscrit dans un travail au long cours sur le mérite, mêlant arts plastiques et sociologie, développé avec Annabelle Allouch (Maîtresse de conférences en sociologie à l’Université de Picardie-Jules Verne et chercheuse associée à l’Institut national de l’audiovisuel).

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Thomas Tudoux a une pratique très variée. Si techniques, modalités d’exposition, écritures graphiques et médiums sont nombreux, l’artiste n’en reste pas moins cohérent par ses questionnements. Portraits amusants et ironiques de notre société, les œuvres de Thomas Tudoux sont ancrées dans notre monde. L’artiste s’amuse en reprenant des éléments de l’histoire de l’art pour mieux parler des « travers » de notre époque.

À travers une pratique individuelle d’atelier et des créations coopératives dans l’espace public et social, Thomas Tudoux explore notre rapport au temps, à l’activité, à la performance et à la compétition tel qu’il se manifeste dans le monde du travail, le système éducatif, dans l’espace urbain, ou à travers des fictions.

Il a collaboré avec de nombreux lieux d’arts (FRAC Bretagne, La Criée – Centre d’Art Contemporain de Rennes, Art3 à Valence, Jeune Création à Paris, Atelier Tchikebe à Marseille, Lieux Commun à Montpellier, Bel Ordinaire à Pau, Halle14 à Leipzig (DE), Piano Nobile à Genève (CH), etc.) et ses travaux font partie de plusieurs collections publiques.

Depuis 2019, il développe des créations en partenariat avec des chercheur·euse·s en Sciences Humaines et Sociales dans la volonté de renouveler le dialogue entre art, science et société.

Site internet : ddabretagne

Page instagram : @ttudoux

En France, les pièces d’orfèvrerie des 17^e et 18^e siècles, sont rares car elles ont souvent été fondues lors de la Révolution pour être transformées en espèces sonnantes et trébuchantes. En Bretagne, et notamment en Morbihan, on en dénombre toutefois encore beaucoup, sauvegardées ou cachées face aux saisies révolutionnaires. Si les pièces d’orfèvrerie religieuse ont été très étudiées et valorisées, celles provenant des collections nobles et bourgeoises sont méconnues.

Commandées par les nobles, les productions civiles des ateliers d’orfèvre du Vannetais au 18^e siècle ont majoritairement été conservées au sein des familles.  Grâce aux propriétaires de deux d’entre-elles et au musée de Vannes, plus de 50 pièces inédites sont présentées au public. Reflets des goûts artistiques et des modes du 18^e siècle, ces objets de luxe étaient majoritairement destinés aux arts de la table.

Cette exposition présente des pièces inédites des maître-orfèvres vannetais tels Benjamin Roysard, Jean-Nicolas Billet, Joseph-Pierre-Marie Tiret ou François Perrigaud.

Une folie morbihannaise

Eté 1788. Alexandre-Louis-Auguste de Rohan-Chabot, futur septième duc de Rohan, réalise un voyage en Bretagne sur les terres de ses ancêtres. Il est accompagné par Anne Louise Élisabeth de Montmorency, qu’il a épousée en juin 1785 et qui n’est jamais venue dans cette province du royaume. Après une étape au château de Blain et avant celui de Pontivy, ce périple les conduit à Kerguéhennec. Construit par les frères Hogguer, banquiers de la Compagnie des Indes en 1710 sur les plans de l’architecte Olivier Delourme, ce domaine est acquis en 1732, par le Chevalier de Rohan, Guy-Auguste de Rohan, comte de Chabot, qui est le grand-père d’Alexandre-Louis. 

Le parc remarquable de ce château, fleuri et arboré d’essences rares, est le cadre idéal pour que ce dernier réserve une surprise à sa jeune épouse.

Le futur prince de Léon fait dresser dans le parc une table fastueuse couverte d’argenteries sous une tonnelle de tissu précieux, une  folie, érigée pour sa venue à la mode de Versailles.

Le Domaine départemental de Kerguéhennec invite cet hiver la jeune création à faire part de sa lecture du paysage.

Amorce de récit, le titre de cette exposition vient questionner, par son double sens, la rencontre avec un lieu, un moment, un paysage. Par cet autre “Il était une fois”, le spectateur est invité à une balade à travers les œuvres de 17 artistes diplômés de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne (EESAB).

L’exposition décline une lecture du paysage en trois temps/espaces : Paysages extérieurs -Paysages intérieurs – Paysages des songes.

Les artistes nous amènent à explorer partiellement, à tâtons, de manière itérative voire cyclique, le paysage ou la partie d’un territoire que nous pouvons appréhender par nos sens d’un point donné. Cette approche est un prisme de lecture, où les divers médiums et formes appellent chacun à voir ses paysages.

Où allons-nous à partir d’ici ? / Qu’allons-nous faire maintenant ?

Les deux questions impliquent également un rapport au monde. Elles suggèrent combien les différentes crises que nous traversons bouleversent ou bouleverseront encore notre perception de nos paysages extérieurs, intérieurs ou rêvés.

Aux allures de conte contemporain, Where do we go from here ? vient tour à tour faire résonance aux regards d’une jeune génération d’artistes sur notre société, l’environnement, les ressources et nous confronte aux rôles que chacun d’eux se voit/accepte d’y jouer ou non, aussi poétiques soient-ils.

Le commissariat de cette exposition collective a été confié à Sylvain Le Corre et Elen Cornec, co-fondateurs de l’Atelier Marcelin.

Depuis près de 40 ans, Yann Kersalé part en « Expéditions » à la rencontre de lieux, de paysages qui deviennent de véritables terrains de jeux et pour lesquels il imagine des structures sur mesure et in situ.

Dimanche 6 novembre, venez rencontrer et échanger avec les artistes Marc Didou et François Réau, autour de leur travail, leurs inspirations et leur manière de voir l’art contemporain. Cette table ronde sera animée par Emmanuel Daydé, historien d’art, critique, journaliste et commissaire d’expositions.

Pour la dix-septième année, Les Moyens du Bord organisent la manifestation Multiples, un rendez-vous autour de la petite édition d’artiste au pôle culturel Le Roudour.
Ce salon, qui permet de découvrir des livres d’artiste, gravures, vidéos, sérigraphies, objets et autres créations, en présence de leur auteur, est enrichi d’un programme d’expositions, d’ateliers, de rencontres et de débats.
Cette année, près  de soixante artistes, maisons d’éditions et collectifs présentent toute la richesse et la diversité du multiple d’artiste.

Retrouvez l’ensemble du programme sur notre site www.lesmoyensdubord.fr

Territoires Extra x SUPRA x Billy Town

SUPRA participera cette année au programme Territoires Extra, coordonné par La Criée Centre d’Art Contemporain de Rennes et Passerelle Centre d’Art Contemporain de Brest, et soutenu par la région Bretagne et la DRAC Bretagne.

Nous avons eu le plaisir de recevoir Iede Reckman de l’Artist Runspace Billy Town de La Haye (NL) pendant le mois d’Octobre 2022. Iede a pu rencontrer les élèves de l’école Saint Joseph de Saint Aubin des Landes pour y faire des ateliers pédagogiques autour de la céramique, il a également pu développer un projet de recherche dans l’atelier de SUPRA. Nous vous invitons a venir découvrir les recherches d’Iede le 28 Octobre à partir de 18h, et partager un moment de rencontre et d’échange avec l’artiste. Inès Dobelle est l’artiste sélectionnée par Billy Town pour venir en résidence pendant 1 mois chez Billy Town courant 2023. Nous ne manquerons pas de vous faire découvrir le travail d’Inès pendant sa résidence.

Imitation of comics

Thierry Van Hasselt was born in 1969. Draftsman, graphic designer, scenographer, editor and professor at the École Supérieure des Arts Saint-Luc in Brussels, he is a founding member of the Fréon and Frémok editions, which proudly carry the colors and demands of graphic literature. He is also very involved in Frémok’s collaboration with La “S” Grand Atelier, a center for contemporary raw art, particularly through the “Knock Outsider” collection.

As such, he was invited to share with Christophe Desforges the curatorship of the “Itinéraires graphiques du Pays de Lorient #7”.

In parallel with his role as editor within Frémok, Thierry Van Hasselt is a draftsman and painter.
He presents in the gallery of the EESAB-Site of Lorient a set of oil paintings: The imitation of the comic strip (a reference to the filmmaker’s ‘The imitation of cinema‘ Belgian surrealist Marcel Marien), whose device takes the form of a story, an improbable scenario of a non-animated film, structured by still shots. The sequence of the canvases, the editing of the images arouse the idea of ​​a displacement, of a location in the rooms of a house where points of view alternate between the interiors and the exteriors. The interplay of framing focuses on still lifes, reflections, paintings, the presence of bodies. Clues that accumulate and punctuate the slow intrusion into an intimate space.

Valérie DAUBÉ construit son œuvre en observant ce qui fait son quotidien. Son regard se pose sur des formes géométriques souvent très élémentaires. Elle accumule des objets qui forment une collection, elle relève des formes et les assemble.

De cet environnement, elle collecte aussi des couleurs : camaïeux subtils de tons, emprunts aux ciels bretons, palette de couleurs chaudes, pétillantes, presque fluorescentes.

Dans ses installations ou ses peintures, la matière et la couleur dialoguent, donnent le ton, voire le rythme. Son œuvre se lit comme une partition de musique.

L’accumulation et la répétition de formes évoquent des espaces aériens, fluides ou terrestres et figurent un monde tantôt mystérieux et poétique, tantôt inspiré du réel.

Pour créer cet univers singulier, Valérie Daubé explore tous les champs des arts plastiques, dans un  travail de recherche de matières, jouant sur des contrastes de textures ou d’effets, invitant le spectateur à contempler un monde joyeux, laissant la place à la rêverie et au bien-être.

C’est son univers qui est décliné sur l’ensemble des supports de communication du Service Culturel de la Ville tout au long de cette saison 2022/2023.

Rafael Domenech (born in 1989) has chosen Passerelle Centre d’Art Contemporain for his first exhibition in France. A few years ago he moved to New York after first leaving his home island of Cuba for Miami. He finished his studies at Columbia University, and was deeply influenced by the teaching of his art teacher and friend, Rirkrit Tiravanija, a champion of Relational Aesthetics. This concept does not refer to a specific group of artists but to a way of creating art in relation to others. Domenech became part of this way of thinking about participatory art that engaged the public. His works are therefore architecture to live in or sculptures to handle and are interested in the social fabric and history of a place.

One of the fundamental questions asked by Domenech when he accepted this invitation to put on an exhibition in France, and in Brittany in particular, was how he should position himself as a Cuban American in a country, context and culture where he was a foreigner. He wished to avoid any hegemony or cultural imperialism and was seeking a dialogue which was yet to be defined. During his visit to prepare his exhibition, as he strolled around the town, Domenech was fascinated by the profusion of socially and politically committed messages in the area of Saint Martin where Passerelle is located. He noticed stylised anti-fascist stickers, graphic slogans and posters that were sometimes militant and sometimes advertising various public events. So he settled on the title of ‘the other square with no corners’, as both a homage and a comparison, evoking Place Guérin, the famous square in Brest, known for its intermingling of people and ideas. In a spirit of co-creation and of sharing the tool which the art centre provides, Domenech informally invites local creators who produce activist images to come and take part in his exhibition.

At the same time, the Passerelle building itself becomes a playmate you can exchange ideas with. Its raw and light-filled architecture along with its activities related to live spectacle inspired him to produce an installation in the form of a theatre with tiered seating where you can rest or watch events. Seeking to understand the history and context of the art centre, Domenech also wanted to highlight the Passerelle archives and, in particular, to show the graphic artwork of past exhibitions and events of especial significance to him. Text and graphic design are indeed essential to his practice as an artist, and he calls his sculptural works ‘books’. For several years he has been making objects that are halfway between books and sculptures, with lots of pages yet outside the classic definition of what constitutes a book. Domenech also uses this word, bearing no connection to the field of visual arts, because his objects can be touched and, in a way, read. This format also allows him travel with his works easily and to envisage the relationship with transport and production from a new angle. The artist prefers to produce the maximum number of pieces in situ, always in relation to the location, and limits himself to adding a few books designed beforehand in his studio. He wishes to avoid absurdly expensive transport costs and to recycle objects he has found locally. His is an ecological approach as much as a sensible economic one.

The Passerelle exhibition is presented like the books he collects so avidly. It contains several chapters, and opens up and unfolds like a book; it is both intimate and to be shared, as well as being a social experience.

The collective exhibition ‘Cuban Abstractions – from the 1950s to the present day’ is the Brest section of a larger project entitled ‘All the weight of an island: Collecting Cuban art’ shared between the Museum of Fine Arts in Rennes, the contemporary art centre 40mcube and Passerelle in Brest. Based on the collection of art collector François Vallée, the exhibitions tackle social and political issues as much as the formal qualities of the works.

Passerelle Centre d’Art Contemporain presents a corpus of abstract works with their roots in Russian Constructivism and Latin American Concrete Art. A leading figure in Cuban art, Loló Soldevilla (1901-1971), acts as the key point of entry to the exhibition. She was a painter and the Cuban cultural attaché in Paris, linking the new abstract artists of Latin America in the 1950s with the European avant-garde. She shone a spotlight on geometric abstraction, especially through her gallery Color-Luz in Havana, which she founded with Pedro de Oraá (1931-2020) in 1957. The group known as Los Diez Pintores Concretos [The Ten Concrete Painters] was established with friends in 1959. This galaxy of artists was committed to the ideological promises of abstraction. The revolutionary process was complete in 1959 with the overthrow of the regime of Fulgencio Batista and abstract art became the art of change and of the notion of Cuba as a liberated island. But from 1961, when art was being influenced by the ideological radicalisation of the cultural policy of the Cuban government, which considered it to be a weapon of the revolution and demanded that artists show social engagement, abstract art began to be stigmatised and deemed to be individualist expression that was foreign to the historical-social conflicts of the time. That was why ‘The Ten Concrete painters’, like Los Once [The Eleven] before them (1953-1955), saw the potential for abstract art to engage radical social change. Empowered by this history related to the revolution, many artists were to use, and still use today, this formal language to criticise excesses of power while escaping censure and keeping their distance from the official networks.

The exhibition is interested in all those artists who worked between the lines, far from the province of State propaganda and who adopted, for a while or for the whole of their career, the form of abstraction.

One of the most original and recognised voices in contemporary painting, Norwegian artist.
Fredrik Værslev navigates between different pictorial traditions. In his practice, he focuses on the process of painting, demonstrating the possibilities and relevance of the medium today.
His works are born out of the encounter between architecture and painting and take the form of painted renderings of motifs from the artist’s daily life.
He treats his paintings as objects, often created by more or less laborious, serial or deterministic processes, in which time itself, as well as various external factors, become active co-creators of the work.
In several series, he has left his paintings outside for long periods, allowing time and external wear and tear to complete them. Other works use seemingly clichéd techniques, motifs or quotations from art history (for example, dripping and splashing). Fredrik Værslev also challenges the painting process by freely collaborating with other artists or by using non-traditional painting tools, such as spray cans or equipment used to paint roads and stadiums. His paintings often oscillate between abstraction and representation, as evidenced by his groundbreaking Terrazzo series, which mimics the materiality of Italian stone floors while appealing to the expressiveness and spontaneity of abstract expressionism. The Canopy series is reminiscent of modernism and its striped paintings, but has its origins in the awnings of the artist’s childhood home.
His forthcoming exhibition in October 2022 in Rennes, the fruit of a discussion begun in 2015 with Etienne Bernard, director of the Frac Bretagne and curator of the exhibition, is intended to be an important step in his career.
It will constitute a form of retrospective of his entire production over the past 15 years.
The artist will present a new series of 40 paintings that will serve as a “re-reading rail” for his older series. Thus, the exhibition presented on more than 500 square meters of the Grande Galerie Sud of the Frac Bretagne will bring together more than 60 masterpieces.

The exhibition will be accompanied by a catalogue published in French and English by Dilecta, Paris.

Without following a specific theme, the exhibition bringing together the four artists nominated for the Frac Bretagne-Art Norac Award is an attempt to highlight positions, temperaments and perspectives on the world that engage peculiar patterns of attention.

Like the lizards which suddenly appear and immediately disappear, the artists gathered here are interested in transitory states, in moments of shifting from one angle to another, in the body’s impermanence and fragility. Some of the artworks have an ephemeral life, as they develop in response to the exhibition space, and then vanish or persist in another form in another place.

We owe to lizards the origin of the French expressions “lézarder”^[1] and “faire le lézard”^[2] which evoke states of stasis and lack of movement, often negatively perceived as unproductive moments.

But the lizard’s stillness can never be reduced to immobility or simple rest because motionless under the sun, the lizard is always on the lookout.

For philosopher Jérôme Lèbre, author of « L’Éloge de l’immobilité », immobility corresponds to the decision of occupying a place and holding a stance.

In this age of acceleration, of the need for mobility and flexibility, being an artist means, first of all, making the choice to stop. To stand in a place, not in order to withdraw from the world but on the contrary, to open up the space of possibilities.

Through the lens of very different visual and conceptual approaches, Reda Boussella, Clémence Estève, Fanny Gicquel and Valérian Goalec call upon inaction, slowness, dreams, horizontality as well as fall and failure, because of their potential to resist the thirst for verticality, success and achievement that prevails our present time.

In Valérian Goalec’s installation, this can for instance take the form of a poetic diversion from the standardised architecture of prize-giving venues, subtly questioning the relevance of the notion of competitiveness in the artistic field.

In Reda Boussella’s sculptures, combat sports training equipment can transform into burlesque components, and a scary Malinois Sheperd’s bite into a tender waltz.

Clémence Estève distorts history of art’s great sculptures’ silouhettes, scoliosis being for her a way to question social injonctions on the straightening up of the body, as well as a way to move away while staying set, to grasp a motion where the body seems still.

Trough slowness and slowdown, Fanny Gicquel’s performances are an invitation to contemplation to the point of creating images close from a living painting, which interrogates our current methods in relationships and communication.

The artists suggest that the vulnerability of our environment and bodies gives access to the ability to grow new forms of sharing, of presence and care.

But also to invent new interaction strategies and fresh looks regarding our bodies and their transformations on a physical, intimate and social level.

^[1] Lizarding.

^[2] Acting like a lizard.

Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de l’art contemporain et des images. En affirmant une appartenance à l’imaginaire, les artistes proposent des recherches prospectives et expérimentales. Auteur·rices de bande dessinée ou artiste, l’exposition souligne les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels au sein de la création contemporaine.

Définissant des signes symboliques (traits de vitesse, gouttelettes de sueur, spirale d’étourdissement ou de folie) « émanant » d’un personnage pour manifester une émotion ou un mouvement,Emanata*invite chacun·e à se raconter sa propre histoire. À travers un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, le public est convié à découvrir ces multiples pratiques.

* Commande nationale portée par le Centre National des Arts Plastiques (CNAP) en partenariat avec l’Association de Développement et de Recherche sur les Artothèques (ADRA) et la Cité Internationale de la bande dessinée et de l’Image d’Angoulême.

“CONTRE-ATTAQUES : BOOK BLOCS ET BIBLIOTHÈQUES EXPLOSIVES”

EXPOSITION 6 octobre . 25 novembre 2022
COMMISSARIAT Marie Boivent, Vanessa Morisset, Aurélie Noury  
COLLECTIONS Bibliothèque universitaire de Rennes 2, Cabinet du livre d’artiste, Centre des livres d’artistes (Saint-Yrieix-la-Perche), collections particulières, Salle principale (Paris)
RESTITUTION PUBLIQUE DU WORKSHOP jeudi 6 octobre à 16h (Bois Perrin)
VERNISSAGE DE L’EXPOSITION jeudi 6 octobre à 18h (CLA)
JOURNÉE D’ÉTUDES & TABLE RONDE vendredi 7 octobre de 10h à 17h15, avec Marie Boivent, Jean-Baptiste Ganne, Anne- Valérie Gasc, Pauline Hachette, Claire Henry, Stéphane Le Mercier, Iragaëlle Monnier, Vanessa Morisset, Aurélie Noury, Véronique Pittolo, Babeth Rambault et Francis Raynaud
JOURNAL N°60 par Anne-Valérie Gasc / texte de Vanessa Morisset

40mcube presents a solo show by cuban artist Segundo Planes that gathers paintings and drawings realized in the 1980s.

Segundo Planes is part of a generation of artists who, in the early 1980s, radically changed the practice of painting in Cuba. His works, characterized by a strong eclecticism, present a phantasmagorical universe populated by fantastical and sometimes disturbing creatures. For his exhibition at 40mcube, Segundo Planes presents a selection of paintings and drawings made in the 1980s.

This exhibition is part of Tout le poids d’une île. Collection l’art cubain (The weight of an island. A collection of cuban art), which brings together this fall and winter 250 works by more than 100 Cuban artists in three institutions, the centres for contemporary art 40mcube in Rennes, Passerelle in Brest, and the Museum of fine arts of Rennes, and at the Orangerie of the Thabor Park in Rennes.

This fall, Oniris Gallery is exhibiting for the second time the French-Korean artist Soo-Kyoung Lee. Being an adept of abstract and spontaneous painting, she admits that she never makes any preparation before starting the work. To her, the most important thing is the gesture. Thought and action are simultaneous and it is in this continuity of gestures that the painting becomes tangible.

The name of the exhibition “Memoria” (lat. memory) describes the paradox that the artist is constantly confronted with during her creative process: she is required to chase her memory and, at the same time, work with it.

Even though in her technique Soo Kyoung Lee had to take some distance with the Asian traditions, part of the exhibition “Memoria” is imbued with Korean sensibility, with childhood memories. This series, called “Munpei” [door plaque], refers to an old Korean custom of placing a rectangular panel next to the door with the name of the resident of the house on it. The artist works with the substance and, by cutting the wood in a completely free manner, she replaces the specific name with abstract forms. The “Munpei” series contains 1000 pieces in total: each one is unique and colorful and delivers a message to the viewer in the spirit of the Korean door plaque tradition.

In this new exhibition at Oniris Gallery, the artist presents paintings and works on wood made over the past two years. These works illustrate the evolution of Soo-Kyoung Lee’s creative process while maintaining a characteristic spontaneity.

N. DESCRIPTION (FRANÇAIS)

Cet automne, dessin et sculpture sont à l’honneur à la Galerie Net Plus ! L’artiste rennais Pascal Jounier Trémelo investit les lieux pour une installation inédite.

Elle marque le début d’un cycle qui interroge la relation dessin/œuvre qui n’a cessé d’évoluer depuis la Renaissance italienne.

Maître et régisseur des vents, fils des dieux et complice – pour un temps ! – d’Ulysse, Éole se fait l’acolyte de Pascal Jounier Trémelo pour cette exposition inédite de l’artiste rennais. Invité à quitter son palais céleste pour sillonner la Galerie Net Plus, le dieu des vents s’immisce dans les interstices laissés, à dessein, par l’artiste. Une porte qui s’ouvre et se referme, les pas, mouvements et respirations des spectateurs… Le moindre courant d’air gonfle les voiles de ces grands dessins suspendus au mur. C’est une déambulation sur les traces d’Éole que nous propose Pascal Jounier Trémelo ; c’est un voyage au cœur de sa pratique artistique, riche dans sa forme et dans son propos, auquel il nous convie.

« Il écorche un taureau de neuf ans ; dans la peau, il coud toutes les aires des vents impétueux, car le fils de Cronos l’en a fait régisseur : à son plaisir, il les excite ou les apaise. Il me donne ce sac, dont la tresse d’argent luisante ne laissait passer aucune brise ; il s’en vient l’attacher au creux de mon navire ; puis il me fait souffler l’haleine d’un zéphyr, qui doit, gens et vaisseaux, nous porter au logis… »

INFORME N’EST PAS ABSTRACTION

Si, à première vue, les œuvres de Pascal Jounier Trémelo semblent abstraites, quand on s’approche, nos yeux reconnaissent quelques motifs. On aperçoit différentes matières bien connues – laine et tissu d’ameublement – prises au piège du plâtre ou du béton, on discerne des cerclages de tuyauterie… Finalement, notre quotidien apparaît discrètement dans les sculptures de Pascal Jounier Trémelo. Ses œuvres s’attachent pleinement à la réalité, contrairement à l’art abstrait qui ne représente ni sujet ni objet, mais s’attache seulement aux couleurs et aux formes pour ce qu’elles sont.

Malgré leur aspect informe, voire organique, les œuvres de cet artiste n’existent que par rapport à un référent réel. Objets de chantier et de la sphère domestique sont au centre de sa pratique, bien qu’ils soient difficilement reconnaissables, et pour cause ! Pascal Jounier Trémelo ne s’attache pas à la représentation de ces objets, mais à leur empreinte directe, au moyen du moulage.

L’ART DU MOULAGE

Inscrite dans l’Histoire depuis l’élaboration des premiers outils fondus par les hommes de la préhistoire, la technique du moulage a rapidement rejoint les rangs de l’art par le biais de la sculpture. Si l’antiquité regorge d’œuvres réalisées par ce procédé, il en va de même pour toute l’histoire de l’art. Pascal Jounier Trémelo s’inscrit alors clairement dans toute cette lignée d’artistes tels que Auguste Rodin ou Alberto Giacometti. Le moulage n’est cependant pas l’apanage de l’art, loin de là ! Le développement industriel des deux derniers siècles l’a pleinement intégré à nos vies. On ne compte plus les objets et meubles fabriqués ainsi, en usine. Le moulage lui-même fait partie de notre quotidien. Qui peut se targuer de n’avoir jamais utilisé un moule pour faire cuire un gâteau ?

Seulement, Pascal Jounier n’use pas de moule classique pour couler ses œuvres. Car si Éole est bel et bien présent dans l’espace d’exposition, il est surtout le compagnon de l’artiste lorsque celui-ci travaille à l’atelier !

Les sillons que le dieu creuse un peu plus chaque jour, ces petits vides dans lesquels se glisse les courants d’air, sont omniprésent ! Pourtant, nous n’y prenons pas garde. Un écart entre deux meubles, une fissure dans un mur, les creux et plis sculptés par un aspirateur qu’on passe sur un tapis, l’intérieur d’un bonnet de laine ou d’une canalisation ou d’une gaine… Cette multitude de passages dans lesquels le vent peut se faufiler sont la base-même des œuvres de Pascal Jounier Trémelo.

« Les creux sont des moules. »

Ces objets du quotidien et ces vides souvent oubliés sont ici propulsés sur le devant de la scène ! Pascal Jounier Trémelo les transforme en fait des moules pour ses œuvres.

Il ne s’embarrasse cependant pas toujours de leur faire une coque en dur afin de maîtriser au mieux le processus de fixation de la matière, bien au contraire. Les moules sont mous, informes, si bien que le hasard et les enjeux physiques de la gravité donnent aux sculptures des formes aléatoires. Béton, plâtre ou glaise vont ainsi se figer en une masse informe créée par les aléas du tangible. Outre l’histoire de l’art, les mondes de l’architecture, de la biologie, de la géographie et des sciences de la terre font partie intégrante de son travail. Les sculptures de Pascal Jounier Trémelo s’amusent à tisser des liens avec le monde du vivant.

« Je pratique une sorte de maçonnerie expérimentale. »

MANIFESTER LA VÉRITÉ D’UNE EXISTENCE

Pascal Jounier Trémelo laisse une grande part de liberté à la matière, il joue avec les hasards du séchage ou avec les fibres qui se prendront dans la matière lorsqu’il utilise des moules en tissu. La réalité de ces objets, leur vérité-même, s’incruste directement dans ses œuvres. C’est d’ailleurs la force du moulage : mouler, c’est faire une empreinte et donc prélever un morceau de réalité, un morceau de l’existant.

Il en va de même pour ses dessins. Si l’artiste décide au préalable du motif – une ligne tirée d‘un référent réel – qu’il réalisera et répétera sur sa feuille, le fait de dessiner sur une table en béton aux nombreuses aspérités va venir déformer ses traits, leur donner plus de corps et de matière. Ce sont des sillons irréguliers qui se forment d’eux-mêmes sur le papier, en creux et en bosses. En outre, les différents modes de présentation de ces grandes feuilles, suspendues, encadrées ou posées sur des socles fixés au mur, démontrent une envie de spatialisation du dessin, comme on pourrait spatialiser une sculpture. L’artiste donne à ces œuvres en 2D une réalité concrète. D’ailleurs, béton ne se traduit-il pas par « concrete » en anglais ?

L’objet de la démarche de Pascal Jounier Trémelo n’est pas d’inventer ou de représenter, mais de manifester la vérité d’une existence, de révéler le potentiel expressif contenu dans toute chose.

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À PROPOS DE L’ARTISTE

Né à St Nazaire en 1976, Pascal Jounier Trémelo vit et travaille à Rennes. Après des études d’horticulture puis de musicologie à Paris, il s’installe dans la métropole rennaise et intègre l’université. Il obtient en 2004 un master en Arts Plastiques. L’ensemble de ses œuvres propose une relation sensible au réel.

Diplômés en 2016 de l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes, Manon Riet et Thomas Portier travaillent à Rennes et sont membres du Vivarium – Atelier Artistique Mutualisé depuis 2017.

Manon Riet et Thomas Portier écrivent à quatre mains des fictions prenant vie sous la forme de vidéos, d’installations et de performances. Colonisation de nos systèmes digestifs par des bactéries, volonté de leurrer le public en adoptant les techniques des pécheurs ou symbiose avec des espèces végétales, leurs récits sont habités par des notions d’hybridations et d’attention aux différentes formes de vivants.

En véritables metteurs en scène, Manon Riet et Thomas Portier posent le décor. Dans la salle d’exposition de L’aparté règne une douce ambiance bleutée. Divers éléments sculptés forment un salon semblant tout droit sorti d’un aquarium. Des algues en plastique viennent prolonger l’illusion. Fontaine à eau, narguilé, brumisateur sont autant d’invitations à célébrer l’eau.

Dans un monde sur le point d’être asséché, la fête devient une stratégie pour conjurer le mauvais sort. Avec La dernière saison, les artistes proposent une installation vidéo accueillant un personnage mi-humain mi-poisson et ses allié.e.s subaquatiques. Au sein de ce refuge festif, cette alliance inter-espèces permet de développer de nouvelles stratégies pour survivre et déjouer avec humour l’absurdité de la période que nous vivons.

Nous vous invitons à découvrir l’exposition de sortie de résidence de Léa Maraszek, Résidente SUPRA 2021-2022.

Possibilité de participer à un Atelier dégustation gratuit autour des fleurs comestibles et du travail de Léa. Sur inscription par mail à supra.runspace@gmail.com (place limitées)

Léa et l’équipe de SUPRA vous attendent nombreux.ses.

méandres vous propose un moment de lectures de textes contemporains par Sophie Hoarau (Dès lors).
En écho à l’exposition les transformations silencieuses, en présence de Sylvain Le Corre.

Au programme : Paul les oiseaux, d’Erwann Rougé et Le parti pris des choses (extraits), de Francis Ponge.

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Sophie Hoarau est entrée au théâtre par son premier métier de costumière et avec le goût du travail en compagnies. En Bretagne, elle a collaboré avec Éric Vigner au CDDB de Lorient, les compagnies 13-10ème en Ut à Rennes, a k entrepôt ou Fiat Lux à Saint-Brieuc, Jo Coop à Lorient, les Théâtres du Laid Cru et du Tapis Bleu, l’Atelier des Possibles… Elle a cofondé et porté pendant quinze ans avec Séverine Valomet La Quincaille, lieu et compagnie à Poullaouen.

La poésie, aiguiseuse des perceptions et des expressions, constitue dès lors la matière première de ses projets de scène.

Elle multiplie depuis les lectures publiques lors de rendez-vous mêlant poésie, performances et arts plastiques. En 2019, elle passe de la forme lue à la mise en scène avec le monologue poétique Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Conceived with and in relation to the work of Rika Tanaka (artist in residence in Peillac), the exhibition, Where the river sings deals with a certain questions relating to water. As in the spirit of Arthur Rimbaud’s poem, The sleeper of the valley (which inspired the exhibition’s title) water may evoke beauty, or it may evoke tragedy.

Each of the six international artists in the exhibition focus on this subject in different ways.

The works presented have been borrowed from the artists or from collections such as the Fonds régional d’art contemporain (Frac), the Fonds départemental d’art contemporain d’Ille et Vilaine, and the Fond communal of the City of Rennes. 

Amercian artist, Kendall Glover presents Errant Lasso, a new permanent sculpture created during a residency at Minoterie21 during the summer of 2022.

Yayoï Gunji from Nice, a French artist of Japanese origin, accepted Minoterie21’s annual invitation to create a new work for the “pigeonhouse billboard”. Her painting, Herstory, measuring 250cm high by 500cm wide will be visible outside for one year.

Les Phonotons

Concert-performance d’Alexandre Berthaud & Bruno Kervern (Mille au carré).
En écho à l’exposition les transformations silencieuses, en présence des artistes Julie Bonnaud & Fabien Leplae.

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Soirée conviviale et gratuite, suivie d’un apéritif gourmand !

Aquarelle et textile.

Derrière Minuit se trouve Candice Quédec, jeune artiste brestoise. Les eaux des mers du monde sont ses principaux outils de travail pour créer des aquarelles singulières. Chaque eau est unique et raconte une histoire. Leur densité, leur couleur, leur salinité font qu’elles s’expriment différemment sur les supports choisis par l’artiste.

Minuit créé des objets et des « espaces-univers » qui sont mis en scène. Au Donjon-Galerie, c’est un réel univers qui apparaît avec Fendre les flots. D’un rêve symbolique, celui d’une vague déferlant sur le monde, est née l’envie de réaliser une aquarelle à l’eau de mer sur une voile de bateau. Comme pour prendre le large vers un ailleurs en forme d’Atlantide.

Accueil de l’artiste dans le cadre du dispositif Contre vents et marées, avec le soutien de la Région Bretagne et en collaboration avec a.c.b – art contemporain en Bretagne.

Liz West sculpts light and colours spaces around the world to invite to watch, observe, explore what bright colors and their rays bring to the places where she exhibit. After being in France at the Musée des Arts Decoratifs in Paris in 2018 and at the Lille Tripostal in 2021, it’s at the art center that she will play with the senses of visitors and modify the chapel atmosphere.

The 700 colored mirrors of Our Color Reflection who cover the floor interact with the rays of the sun and project onto the architecture a sensitive but flamboyant space. The atmosphere created gives way to an illusory wandering. Transformation of space and disruption of vision apply there.

Colour has a different effect on each of us. What is the one created by the exhibition on our body… Comfort, warmth, energy, joy?

Montfort Communauté fête ses 30 ans ! A cette occasion, L’aparté, lieu d’art contemporain de Monfort Communauté revient sur 12 ans de création.

Né d’une volonté politique d’offrir une présence artistique professionnelle sur un territoire rural, et d’initier à l’art les publics, en particulier les scolaires, le lieu créé en 2010 a accueilli 77 artistes, présenté 64 expositions et réalisé 53 éditions.

L’exposition rétrospective en plein air invite les visiteurs à voyager dans le temps à travers des photos, des chiffres-clés, des anecdotes…

Dans le cadre de la 2ème édition d’Exporama, L’Oeil d’Oodaaq, le Lieu et le Phakt s’associent pour proposer un projet en trois volets intitulée la « La dérivante » imaginé par les artistes Nyima Leray et Jonas Delhaye :

– 1 exposition dans la galerie du Lieu, local de L’Oeil d’Oodaaq, 20 rue Francis Joly

– 1 programmation vidéo internationale présentée dans la galerie du Phakt – centre culturel Colombier

– 1 sculpture flottante installée promenade du Lavoir à Rennes

L’EXPOSITION

Le travail collaboratif imaginé pour cette exposition, expression d’une histoire, sculpturale et performative, est le point de fixation et de liaison entre nos deux univers artistiques. Il se matérialise par la création d’une bouée, point de départ de la recherche, objet flottant qui rend sensible la jonction entre ciel et mer, visibles les reliefs de cette interface liquide et perceptibles les courants et les récifs.

Sculpture flottante, elle traverse le paysage urbain telle une bouée météorologique dérivante qui donne des informations sur son milieu. Elle porte la symbolique du signe qu’elle incarne et de sa fonction reconnaissable, tout en se chargeant de l’étrangeté d’une forme inspirée par le polyèdre de La Mélancolie de Dürer. A la dérive, elle donne à revoir les fixités de nos villes et l’expression des trajectoires utiles et quotidiennes de nos corps citadins. Mélancolie du passant, de celui qui erre comme un situationniste ou simplement perdu dans sa pensée, de l’acuité au changement au simple plaisir d’être là et d’observer. L’objet flottant, son incongruité, offre aussi un espace de projection et d’évasion, comme un rappel à un accès possible à la mer ; et, parce qu’il éprouve le paysage, il se charge des traces de son immersion, se faisant surface de réception.

LES ARTISTES

Nyima Leray

Né en 1978, Nyima Leray vit et travaille actuellement à Caen. Titulaire en 2005 d’une maîtrise de lettres modernes, il a suivi une formation d’art plastique et obtenu un master Art plastique spécialité «photographie et art contemporain» en 2012 à Paris 8.

«Dans mon travail, je porte mon attention sur un monde de petites choses, de traces, d’événements infimes, d’objets fragmentaires issus du quotidien. Tous ces petits riens deviennent un terrain de jeu, une matière sensible que je m’approprie. Je collecte ces traces, matériellement ou photographiquement, je les regarde, les ordonne, les agence, leur associe parfois un élément graphique, un mot, un geste pour les conduire ailleurs ou prolonger ce que j’ai ressenti au moment de leur découverte. Ces petites choses m’apparaissent souvent lors de marches en ville, en périphérie, sur le port, le long d’une route… tels des signes, des apostrophes, des promesses silencieuses à emporter précieusement avec soi et à décrypter. S’absorbant presque totalement dans leur sillage, on finit par imaginer ou rêver les traces que l’on suit peut-être autant qu’on les découvre. Le résultat de ce travail peut prendre différentes formes. Je m’intéresse cependant particulièrement aux formes éditées, livres d’artistes, cartographies… pour la manipulation que ces formes induisent chez le regardeur qui associent alors les mains à l’œil, le toucher au regard, ainsi qu’aux liens textes-images pour cette manière de venir se mettre se mettre en tension et se compléter.»

Lien vers le site de l’artiste : http://nyimaleray.com/

Jonas Delhaye

Jonas Delhaye, né en 1988, vit et travaille en itinérance. Diplômé de l’EESAB en 2011, il développe son travail artistique lors d’expositions et de résidences en France et à l’étranger. Jonas est finaliste du Prix découverte des Amis du Palais de Tokyo en 2014 et lauréat du Prix Yishu8 en 2019 grâce auquel il effectue en 2020 une résidence à Pékin.

LE PROJET 5

Son travail se définit dans une forme hybride où l’œuvre et l’image sont envisagées au croisement de la sculpture et du performatif, de l’enregistrement au sens large. La démarche naît de l’immersion du corps dans l’espace, de son expérience du temps et témoigne de la mise en valeur d’une présence au monde par des modalités spécifiques d’apparition de l’image ou du langage. Cet engagement est un moyen pour penser l’œuvre dans sa transversalité, ouvrir des potentialités de récits et de dialogues avec le paysage qui deviennent dès lors un moyen pour entrer en relation, comprendre… L’œuvre apparaît le plus souvent comme la manifestation de ce lien, de l’interdépendance entre le lieu, le dispositif, le processus et l’empreinte ; trace sensible issue d’une rencontre avec le paysage.

Lien vers le site de l’artiste : http://jonasdelhaye.fr/

A l’invitation de la commune de l’Ile d’Arz, Daniel Buren, figure majeure de l’art contemporain, est venu découvrir l’île et son environnement exceptionnel dans le Golfe du Morbihan. De cette rencontre est né un parcours unique de 7 œuvres, intitulé « Au détour des routes et des chemins, 7 travaux in situ ».

Cette exposition hors les murs, qui se tiendra du 30 juin 2022 au 30 octobre 2023, est une initiative de l’Ile d’Arz organisée avec le département du Morbihan et le soutien du Ministère de la Culture.

Ces interventions, toutes réalisées sur place et dans les matériaux les plus simples, sont une invitation à saisir le charme de cette petite île de Bretagne. Du port de Béluré à la pointe de Liouse en passant par le bourg et le village de Penero, le visiteur cheminera à travers des portiques multicolores, des jeux de lumières et des alignements de couleurs. Venez découvrir ou redécouvrir l’Ile d’Arz, et laissez-vous surprendre au détour des routes et des chemins !

https://www.mairie-iledarz.fr/

Marc Didou explore les points de vue du regard et ceux de la vision.

« Voir c’est croire en ses yeux. Mais derrière cette réalité se cache un autre possible ; celui d’un art qui cherche à prouver qu’il ne faut ni dessiner, ni peindre, ni sculpter comme l’œil voit. Vu de mon œil droit le monde se révèle en haute résolution.

Vu de mon œil gauche il se projette en basse définition.

Naturellement le cerveau a tendance à privilégier mon œil droit, puisque c’est lui le premier qui peut nourrir l’esprit d’informations nettes et précises, tandis qu’il doit faire des efforts et qu’il se fatigue vite à déchiffrer des images abstraites et floues, transmises par un œil nonchalant qui a oublié sa fonction. Alors il délaisse l’œil gauche et le déconnecte peu à peu.  L’œil risque l’engourdissement, voire la cécité.

(…)

Vu de mon œil gauche le monde se révèle en trompe-l’œil.

Vu de mon œil droit il se projette en perce-voir. »

Auteur de sculptures souvent monumentales impliquant une confrontation physique avec la matière, Marc Didou est aussi un artiste qui, en réaction à la notion de réalité virtuelle, développe un travail sur la perception par l’anamorphose, l’optique, la perspective et la lumière. Ses œuvres ouvrent le regard sur l’être et l’apparence, sur le réel et l’illusion.

Marc Didou est un habitué du Domaine de Kerguehennec, « L’œil puits » et « Portail pour une inconnue » sont deux installations du parc de sculptures.

Marc Didou est né en 1963 à Brest.

Il partage son travail et sa vie entre la Bretagne et la Ligurie.

Il collabore avec la Galerie Martini&Ronchetti de Gênes depuis 2002.

www.marcdidou.com

Genius loci est une locution latine traduisible en français par « esprit du lieu ». Son utilisation dans la culture populaire renvoie généralement à l’atmosphère distinctive d’un lieu. François Réau propose pour la Chapelle de la Trinité du Domaine de Kerguéhennec, un projet qui allie dessin et installation, et placera le visiteur au centre d’une expérience sensorielle. Un dispositif plastique qui interroge les relations du temps et de l’espace grâce à la poésie de Rainer Maria Rilke et à un choix d’objets et d’histoires issus du lieu, comme la chute de la météorite de Kernouve, tombée dans le Morbihan en 1869.

« Avec cette proposition j’expérimente la part in situ de l’œuvre, ce qui m’amène à prendre en compte l’architecture du lieu et son histoire. Le sens de ce bâtiment historique donne une force à l’œuvre qui est enfin vue non pas seulement comme une forme autonome mais aussi comme une partie qui contient quelque chose de l’esprit du lieu. Grâce à ce dialogue c’est une histoire qui ne s’interrompt pas et il s’agit aussi de proposer un art contemporain qui peut restaurer notre regard sur le monument ou son histoire. Pour qu’en définitive tout puisse être en mouvement et vivant simultanément ».

Le travail de François Réau s’articule dans des dispositifs plastiques de grande échelle, installations et dessins, paysage mental et paysage physique, l’immensément grand ou encore l’indicible. Prenant comme source de réflexion l’espace du paysage et ses processus de transformation, son travail interroge les liens entre l’homme et la nature. Beaucoup de ses travaux tissent des liens entre rêve et réalité.

François Réau est un artiste français, né en 1978.
Il vit et travaille à Paris.

www.francoisreau.com

Le ciel, grand, plein de retenue splendide est une proposition en partenariat avec L’Art dans les chapelles. Cette manifestation entend valoriser le patrimoine architectural en le faisant dialoguer avec le travail d’artistes contemporains. 

http://www.artchapelles.com/accueil_/466-0-0

Léa Bénétou

Plan d’ensemble

Parcours A ciel ouvert

DESCRIPTION (FRANÇAIS)

Céline Le Guillou (France, 1994) took part in the Residency Workshops for three months, an initiative of the Centre d’Art et Documents d’Artistes Bretagne. Each year the residency programme welcomes two artists living in Brittany or graduates of a School in the region. The exhibition ‘Les forces heureuses’ is the fruit of the work and research carried out by Céline Le Guillou during her period in Brest and was created in close collaboration with the teams of the arts centre and ceramics workshop on the Brest site of EESAB (European Academy of Art in Brittany).
The artist has undertaken a quasi-scientific observation of the human body and organic matter, while remaining within the field of the poetic. She previously developed a corpus of paintings, then sculptures, and recently chose to enhance her skills in ceramics by studying at the European Institute of Ceramic Arts in Alsace. Armed with this new knowledge, she wanted to develop her exhibition around a series of new sculptures, fired in Brest. She sought to take over the space by constructing a ‘drawing’ in three dimensions. Soft shapes and different textures spread themselves over furnishings created for the purpose by the artist. Their stands are therefore an integral part of the works and sometimes suggest scientific material.

Through the eyes of twelve artists, the exhibition ‘À fleur de peau’ highlights the relationship between the city and its inhabitants. More specifically, it observes how architecture and town planning can modify and influence our behaviour, our body and our psyche. ‘À fleur de peau’ is not seeking to be either exhaustive or impartial and attempts to present a passionate and poetic panorama of a range of different artistic approaches.

Cities evolve, expand and sometimes fade away. Their inhabitants are directly impacted and experience these effects on a daily basis. These impacts vary considerably depending on each person’s social background and financial resources.

‘Gentrification’, one of the best known processes of urban modification, has been extensively reflected in recent times in literature, sociology and town planning itself. This term, originating in English, describes the transformation of working class areas brought about by the arrival of better-off social classes who renovate the houses and bring in different ways of life and of consumption. The poorest and most vulnerable are ejected fairly unceremoniously by the way the developers operate or quite simply by the rise in prices. The original inhabitants of these areas are deeply affected by having to live in a state of uncertainty, aware that their eventual departure is inevitable, and often existing in slum conditions. The artists Cao Fei (China, 1978) and François-Xavier Gbré (France, 1978) respectively tackle this subject from the perspective of the absurd in a Chinese megapolis and the way the dismantling of a poor neighbourhood in Abidjan is archived. Rayane Mcirdi (France, 1993) collects life stories and conversations from the inhabitants within the context of the changing Parisian suburbs where new blocks of flats replaced the rows of low-rise buildings of the 1960s.

Industry, traffic flows and heating alter the air and the ground of cities. Some vast conurbations are known for swimming in opaque and constant clouds of pollution, altering the local climate and poisoning the local people, as well as the flora and fauna. In the photographs by LaToya Ruby Frazier (United States, 1982), bodies are sick, struck down by the poisoning generated from the steelworks neighbouring a residential area.

War and the destruction it brings traumatise minds and bodies deeply and lastingly. Ruined buildings are preserved as places of remembrance such as the Genbaku Dome in Japan which became the Hiroshima Peace Memorial at the end of the Second World War. Some conflict zones are forbidden and deadly while others are fortified like the Green Zone in Baghdad in Iraq where local and foreign dignitaries live apart from the local population. Ali Cherri (Lebanon, 1976) recounts his childhood during the civil war when it was impossible for him to play in or walk through the streets that had become hostile places.

Many feminist theses study the history of cities from the point of view of the patriarchy – the authority held by men which excludes women. Men are celebrated in the public space through the names of streets, buildings and statues and women thereby rendered invisible. Men take over the public sphere, sometimes creating atmospheres of constraint, leading to fear, at times subconscious, of the urban space as revealed by avoidance strategies to stop oneself being harassed. Like a symbol, in 2006 the female rapper Diam’s sang “There’s a sensation of rape when I walk through my town”. The artist Cecilia Granara (Saudi Arabia, 1991) expresses this disgust in her painting, expressing the silent anger she has stored up from her daily life in Paris.
The city is constructed like a living network in constant evolution. It bears the history of its inhabitants like open air archives. Pauline Ghersi (France, 1989) tells the story of the districts and how they were appropriated by their population in a series of films. Marilou Poncin (France, 1992), links urban cartography and the radiography of the body – the metro line becomes a beating artery. Flesh, spirits and streets all meld together for the benefit of collectivity and community.

The two artists offer their ‘Twin Islands’ project, in which the notions of parity, reciprocity and exchange interplay. The project first took the form of two simultaneous creative residencies, taking place over one month, during which Sara Bichão and Violaine Lochu exchanged their homelands: Sara Bichão stayed on Ouessant Island, off the western tip of France, while Violaine Lochu went to São Miguel Island in the Azores, to the west of Portugal.

During this experience, which linked fiction and everyday life, they each worked on a ‘reflection’ of the other. Each on her island, they sought to invent methods of long-distance communication, playing on the notion of insularity. From east to west and north to south, their movements on the island to go out, find their way around, work, and communicate were done following a precise protocol and according to the island’s geography, through the interior (centre), the periphery (coasts), and the exterior (ocean). By way of these rituals, each mirrored the daily movements of the other, in island space and time, translating the experience as closely as possible.

In the course of these two parallel residencies, which took place in February – March 2022, visual, sound and performative objects for ‘communicating’ were produced. The first time these objects are shown and activated publicly will be their appearance at the Passerelle Centre d’art contemporain in Brest. These activations will be filmed for a video-performance to be shown at Carpintarias in São Lázaro – Centro Cultural in Lisbon, from 1 st sept. 2022. During a second phase of exhibitions and performances, the artists will experiment with different ways of presenting the work produced in the Azores and in Ouessant.

Fleeing Hitler’s arrival in power, Evelyn Hofer’s family emigrated to Switzerland, where Evelyn enrolled in photography courses in Basel and Zurich by the charismatic Hans Finsler. Following the same path and the same teachers as Robert Frank, Evelyn Hofer moved to New York at the age of 24. It was the place to be, where artistic careers took off.

Alexey Brodovitch, artistic director of Harper’s Bazaar, gave Hofer her first commissions for prestigious magazines like Vogue and the New York Times. But she showed little passion for fashion commissions and that industry, instead preferring, unlike William Klein and Robert Frank, who haunted the same streets, to carry without exception her large format camera and her heavy tripod as weapons of choice. The likes of Klein and Frank were enthralled by the frenzy of the city which they captured with their Leicas. They were on the move, at the heart of the action, taking in faces and scenes anonymously, then turning their heels, to one subject or another, guided like Jazzmen or dancers by the kinetic score of the city that never sleeps. Evelyn Hofer preferred real encounters; her street photographs are portraits and in fact, all her images are portraits, even her architectural views and the objects of her still lives seem to pose for her. With the writer Victor Sawdon Pritchett, she worked on a book project on New York, and it’s in this context that she captured the majority of her images of the city. She worked in black and white as well as colour, at a period when colour photography was still excluded from the realm of high art. Before the big names. Before Eggleston. Before Stephen Shore. The colour printing method at the time, dye transfers, bathe us in a feeling coated with timelessness. If all the portraits are posed, there are none then which appear artificial. If August Sander photographed social categories, Evelyn Hofer simply photographed people. A hot dog seller, a milkman, a doorman or policeman of Brooklyn, Manhattan or Harlem… the quality of her gaze upon her subjects faithfully translates her tropism for simple people, for those who day in day out make the city of iron and concrete, which is dominated by height and seems to care little for these beings and their survival. The period of these photographs, 1953 to 1975, are also those of Martin Luther King and the Civil Rights Movement, and the affirmation of those demands seem to be embodied in the postures and the looks in many of her shots. Hofer’s first exhibition in France was described by a critic of the New York Times as “the most celebrated unknown photographer of the United States”. Who knows that’s due to her status as a woman, or simply because she wanted to stay discreet, true to herself?

This exhibition is produced in partnership with the Galerie M Bochum, Germany and Le Centre photographique Rouen Normandie.

New York, Evelyn Hofer
Opening on June 16, 2022
Exhibition from June 17 to October 16, 2022

Open Wednesday to Sunday from 2 p.m. to 6:30 p.m.
Summer hours from July 13 to September 4 open from 11:30 a.m. to 6:30 p.m.
Free admission - Closed on public holidays

Durant l’exposition photographique de Matthieu VENOT, deux ateliers sont proposées au public, autour de la photographie et plus spécifiquement du cyanotype.

Les participants créeront des compositions à partir d’éléments naturels, qui, directement exposés à la lumière du soleil, s’imprimeront sur les feuilles comme de véritables photographies teintées de bleus profonds.

– Mercredi 15 juin de 10h30 à 12h : enfants à partir de 8 ans.

– Mercredi 13 juillet de 10h30 à 12h : adultes.

The exhibition Pas sommeil proposes to envision the summer of 2022 as the twilight of this pandemic that will have forbidden us to indulge in the forms of nightly wandering that we are so fond of and that have always been deeply rooted in Rennes’ DNA. The summer of 2022 will be the night during which transgressions will once again be possible, bringing back about collective experience and encounters that create meaning and form.

The exhibition wants to be open, festive, poetic, generous but also contemplative, surly and militant. It intends to evoke the party in its broadest sense – from the impromptu popular gathering to the dance floor, from the village party to the rock concert, from the techno rave to the queer culture… – by bringing together artistic practices from all horizons. The party will be the place of rejoicing as much as of resistance, the place of social, identity and cultural claims as well as of expiation, the place of the spectacular as well as of the intimate…

Les Rencontres photographiques de ViaSilva sont de retour cet été, mettant en avant les œuvres de Françoise Beauguion et d’Emmanuelle Blanc, toutes deux en résidences à Cesson-Sévigné en 2021. Elles investissent la Galerie Net Plus pour une exposition exceptionnelle.

Les Rencontres photographiques de ViaSilva proposent chaque année à des artistes de s’installer sur ce territoire éponyme, le temps de quelques mois, afin de montrer leur vision du chantier et son évolution. Sans ligne artistique figée, ce programme se veut comme un révélateur de singularités, dans une perspective innovante et inclusive. Pour la cinquième édition, les photographes Françoise Beauguion et Emmanuelle Blanc ont parcouru le futur quartier pendant plusieurs mois et nous livrent des travaux narratifs à travers une exposition et deux monographies.

À l’origine, lorsque le projet a été monté, deux expositions étaient prévues : l’une à la Galerie Net Plus, l’autre dans et près de la station de métro ViaSilva. Malheureusement, en raison des retards pris par la mise en service de la ligne B, cette dernière ne pourra avoir lieu.

Françoise Beauguion et d’Emmanuelle Blanc offrent aux visiteur·ses un dialogue avec leurs œuvres. C’est une balade au sein de ViaSilva que les artistes proposent, nous invitant à découvrir ou redécouvrir les paysages de ce quartier en mouvement perpétuel.

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À propos de Françoise Beauguion

Françoise Beauguion, bien qu’habitant aujourd’hui à Marseille, est originaire de Bretagne. Elle a commencé sa résidence début 2021 et l’a poursuivie durant plusieurs mois.

Durant sa résidence mission Françoise Beauguion a documenté la vie du chantier, les nouvelles concertations, les comités scientifiques… La photographe a échangé dans la rue avec les passant·es, les ouvrier·ères, les curieux·ses et est allée à la rencontre des futur·es habitant·es et de ceux qui y vivent depuis quelques décennies.

À la suite d’une phase d’observation Françoise Beauguion nous propose un travail photographique et littéraire qui met en scène les différents points de vue des personnes croisées durant cette année de résidence. L’artiste donne à voir une balade poétique à ViaSilva qui interroge les fantasmes, réalité et utopies.

Site : Françoise Beauguion

Instagram : @francoisebeauguion 

À propos de Emmanuelle Blanc

Cette artiste parisienne a passé plusieurs moi à ViaSilva pour en saisir des photographies argentiques et numériques qui traduises les impressions qu’elle a ressenties sur ce territoire

Emmanuelle Blanc, en arrivant sur le territoire de ViaSilva, a eu le sentiment de se déplacer à l’intérieur d’une maquette, d’un endroit irréel pourtant bien présent. En travaillant à la fois au numérique et au moyen format (un appareil photo argentique), l’artiste s’est questionnée sur la temporalité du chantier : tout va très vite, le lieu est en mouvement perpétuel. Les activités fourmillent et les bâtiments poussent à une vitesse vertigineuse. L’artiste s’est également intéressée à cette projection que beaucoup ont de ViaSilva, un fantasme, un rêve, qui se confronte à une réalité faite de mouvements de terre et d’élévation d’immeubles. Dans un récit à la fois ludique et laborieux, elle multiplie les points de vue et contrebalance l’idée préétablie que la plupart d’entre nous s’est fait du projet ViaSilva.

Site : Emmanuelle Blanc

Instagram : @emmanuelleblancimages

This summer 2022, the La Gacilly Photo Festival is going to meet photographers from Afghanistan, Iran and Pakistan.

The 19th edition of the La Gacilly Photo Festival is organized around the themes Visions of the East and The World of Tomorrow to offer an immersive photographic experience in the heart of around twenty open-air galleries with free access.

Visions d’Orient highlights artists from these three South-West Asian countries, all of which belong to the Persian cultural space; home to a thousand-year-old civilization, a unique artistic creativity, sheltering courageous authors and a disconcerting modernism that has chosen photography as its weapon.

More than ever, the La Gacilly Photo Festival wants to give pride of place to these photographers who transmit to us through their shots so many seeds of hope. In the galleries of our Breton village, in our alleys, in our gardens, on the walls of our alleys, their works are exhibited to amaze us, to help us think, to move us, to arouse our anger as well as our empathy, to convince us that we must always take the shortest path, and the shortest is the path traced by nature.

Durant cette année 2021-2022, comme chaque année, les ateliers arts plastiques du PHAKT ont exploré un thème commun, celui de la cartographie.

Par la question de la carte sous différents prismes les ateliers dessin, BD, peinture, arts graphiques, photographie et arts plastiques ont travaillé de différentes manières pour aborder les déclinaisons d’une carte comme notion de représentation.

La carte comme plan géographique ou parfois comme un plan d’anatomie; mais aussi la carte de la mémoire et de l’intime.

À cette occasion vous retrouverez les animateurs des différents ateliers :

Maria Revilla – Arts graphiques, Peinture, Dessin

Céline Géraud – Arts graphiques, Arts plastiques, Peinture, Dessin

Jacques Mahé – Arts plastiques, Bande dessinée

Alexandre Texier – Photographie

Cette exposition des travaux des adhérent.e.s du PHAKT sera suivi d’un concert de flûte à 19h.

From 21 May to 28 August 2022, La Criée Centre for Contemporary Art is presenting Le Cantique des oiseaux, a choral exhibition and new production by Katia Kameli, in which the artist proposes a variation, composed of musical ceramics, watercolours and a film, on the famous text of the same name by the Persian poet Farîd-ud-Dîn ‘Attâr.

 With Le Cantique des oiseaux, Katia Kameli continues her inter-cultural journeyings and initiates direct contact with clay, a new material for her.

Attâr’s text (1174=1248) sings of the journey of thousands of birds in search of the fabled bird Simorgh, a central figure of Persian mythology. This symbolic spiritual journey of initiation takes them through the seven successive valleys of Desire, Love, Knowledge, Plenitude, Oneness, Perplexity, Denial and Annihilation. Guided by the hoopoe, symbol of wisdom, only thirty birds reach the end of the journey.

Kameli gradually became interested in this major Eastern text through French translations: firstly that of Henri Gougaud, then that of Jean-Claude Carrière and finally the recent one by Leili Anvar, from which she has borrowed her title.

With this reworking* of Attâr’s text, the artist continues her exploration of the narratives, their successive translations, their flow and their  evolving  depth and multiplicity of meaning.

She is also interested in the spiritual dimension of Attâr’s story, in the inner quest that unfolds through the figure of the bird, an animal that links the earth to the sky and whose language we find both so familiar and so mysterious.

Kameli’s translation of the The Canticle of the Birds is sensual and multi-sensory. It is expressed in a series of ceramics, which take the form of some of the birds in the poem: the hoopoe, the peacock, the nightingale, the heron, etc. These sculptures are also musical instruments. Their singing can be heard in the accompanying film, activated by a procession of musicians, as well as in the performances, which set the exhibition space resonating.

Watercolours, some of which served as preparatory drawings for the ceramics, complete this allegretto. Their inspirations are multiple, from Persian miniatures to Minoan sculptures, via Valentine Schlegel and Asger Jorn. Made on paper of different sizes, some are surrounded by clay frames; they are at the crossroads of scholarly and popular art. Like the sculptures, they have to do with the birth and memory of gesture.

With Le Cantique des oiseaux, Kameli proposes a new experience of translation – from one work to another, from one art form to another, from one medium to another, from the inexpressible to the visible – resulting in both gaps and interminglings.

 “We don’t invent anything, we always reinterpret in another language.” — Katia Kameli

* – The term ‘reworking’ is used by Omar Berrada in his essay on Stream of Stories. He himself takes this term from Valentin Y. Mudimbe (The Invention of Africa) and writes “It is a question of exhuming a story, of remembering it, but also of re-articulating it”, in Katia Kameli (Paris: Manuella Editions, 2021), p. 105